Blog du ciné-club Pierre Landais

vendredi 20-Janvier-Minuit-à-Paris

2012-01-25T14:35:00.002+01:00

De Woody Allen

réalisé en 2011

vendredi 13 Janvier-"8-Mile"

2012-01-15T11:14:00.000+01:00

8 Mile Road

2003 (1h 51min)
Réalisé par Curtis Hanson
Avec Eminem, Kim Basinger, Mekhi Phifer
Genre Drame, Musical

Résumé
A Detroit, en 1995, Jimmy Smith Jr. a des rêves plein la tête, mais il lui manque encore les mots pour les exprimer.
Sa vie d'adolescent se déroule entre banlieue blanche et quartiers noirs, le long de cette ligne de démarcation que l'on nomme 8 Mile Road. En dépit de tous ses efforts, Jimmy n'a jamais franchi cette barrière symbolique et continue d'accumuler les déboires familiaux, professionnels et sentimentaux.
Un jour, il participe à un clash - une joute oratoire de rappeurs - où il doit faire face à Papa Doc, le chef de la bande des " Leaders du Monde Libre ". Paralysé par le trac, il reste muet et doit quitter la scène sous les huées de la foule. Cette nouvelle humiliation l'oblige à un salutaire examen de conscience. Quelques jours plus tard, Jimmy se retrouve forcé de tenter un come-back...
8 mile : une frontière entre blancs et noirs

Autour du film

Le titre de 8 mile est une référence directe à 8 Mile Road, une frontière imaginaire et rigide entre la ville de Détroit et la banlieue, entre le territoire des blancs et celui des noirs. Une démarcation qui représente un obstacle psychologique pour le personnage de Jimmy, incarné par Eminem, dont l'objectif est de percer dans le hip-hop, de l'autre côté de 8 Mile Road.

Eminem : la star controversée du hip hop

8 Mile met en vedette le jeune rappeur américain Eminem, qui effectue pour l'occasion ses premiers pas sur grand écran dans une oeuvre autobiographique à peine voilée. Très vite, l'Américain originaire de Détroit se distingue avec des paroles provocantes qui déclenchent une véritable controverse autour de son nom. Une odeur de soufre qui n'empêche pas le public, bien au contraire, d'acclamer cette nouvelle vedette du hip-hop. Son premier album, The Slim Shady LP, sort en 2000 et se vend à plus de 7 millions d'unités. Le suivant, The Marshall Mathers LP, sort un an plus tard et remporte à nouveau un franc succès, se voyant comme son prédécesseur auréolé du Grammy du meilleur album rap de l'année. En 2002, Eminem publie The Eminem Show, qui décroche trois prix aux MTV Awards et porte le nombre de ses albums vendus à plus de 30 millions de copies. A noter que l'artiste rap est également producteur, à la tête d'une compagnie baptisée Shady Records.

Des "batailles" verbales !

8 mile n'a pas vocation autobiographique, mais il met en lumière un monde qu'a très bien connu Eminem lorsqu'il tentait de percer dans le rap à Détroit. Dans les boîtes de la ville, le jeune homme se livrait à de féroces joutes musicales improvisées contre les meilleurs rappeurs des environs. Des "batailles" qui font rage dans le long métrage et dans lesquelles les rimes se succèdent à un rythme effréné devant un parterre enthousiaste qui, à l'applaudimètre, désigne le vainqueur de chacun de ces duels d'une durée de 45 secondes.

Exemple d'un extrait issu d'une "bataille" de 8 mile. Parole à Eminem :

... Je suis Rabbit - Et toi, la tortue, vite !
Je lapide rapide, tes rimes insipides
Tu t'inclines "Lyckety-Splyt
Je prends le gouvernail
Et mon cul blanc part traverser 8 Mile...

Eminem / Curtis Hanson : une histoire de respect

Curtis Hanson et Eminem se sont beaucoup apportés l'un à l'autre. Le réalisateur a eu avec le rappeur "tout ce qu'on espère d'un acteur : un immense talent, un engagement total, de l'humilité, du respect, une formidable discipline, une détermination constante à donner le meilleur de soi, à être vrai à chaque seconde."

Quant à Eminem, son expérience du tournage a certes été très éprouvante mais également on ne peut plus bénéfique. "Curtis Hanson vous fait travailler jusqu'à l'épuisement", raconte-t-il. "On a joué le texte pendant plus d'un mois en essayant toutes les variantes imaginables. Cela nous a permis de bien nous connaître. Curtis a été formidable. Chaque fois qu'on croyait avoir trouvé la bonne interprétation d'une scène, il nous en proposait une nouvelle, différente... et meilleure."

Perdue au milieu d'une bande de rappeurs

La comédienne Brittany Murphy est la seule jeune fille au générique d'8 mile. Fréquenter de nombreuses journées toute une bande de rappeurs n'a visiblement pas effrayé la jeune américaine qui avoue avoir trouvé "amusant et un peu fou d'être la seule fille au milieu de ces barges - si amusant qu'après mes répétitions, je restais souvent sur place pour regarder travailler les gars."

Kim Basinger retrouve Curtis Hanson

8 mile marque la seconde collaboration de la comédienne Kim Basinger avec le réalisateur Curtis Hanson, cinq ans avec L.A. Confidential. Kim Basinger, qui incarne la mère d'Eminem dans le film, ne tarit pas d'éloges sur celui qu'elle considère comme un partenaire privilégié. "J'ai tout de suite répondu à cette invitation, considérant comme un cadeau de pouvoir travailler à nouveau avec Curtis. Je n'ai jamais vécu collaboration plus sincère, ni connu réalisateur plus talentueux, plus digne de confiance que lui. (...) Curtis nous apporte tout son soutien avec son humilité, son enthousiasme juvénile, son amitié et sa part de mystère. Merveilleuse combinaison ! Je suis heureuse de le connaître."

"8 mile" : objectif authenticité

Pour le réalisateur Curtis Hanson, le mot "authenticité" est le plus représentatif du long métrage. Je voulais que le film dégage une impression de réalité, de naturel quasi-documentaire", résume-t-il. J'ai pris un énorme plaisir à explorer cet univers et j'ai voulu que le spectateur fasse partie de ce voyage."

Survivre, lutter, être fort...

8 mile ne représente pas seulement une peinture de l'univers du hip-hop vécue par le prisme d'un jeune et talentueux rappeur. Pour le réalisateur Curtis Hanson, le long métrage permet également d'examiner un aspect particulier de la société américaine, de voir comment il faut se battre quotidienement pour réussir. 8 mile dévoile, selon Hanson, "un monde que le cinéma et les médias grand public montrent rarement : une Amérique appauvrie qui s'efforce de survivre au sein des quartiers défavorisés. Pour les habitants, 8 Mile Road est une ligne de démarcation. Pour Jimmy, c'est aussi une barrière psychologique qui freine ses ambitions et l'empêche d'être ce qu'il voudrait. Mais n'avons-nous pas tous notre propre 8 Mile Road ?"

Détroit l'hiver

Tourner à Détroit ne fut pas de tout repos pour l'équipe du film, surtout en plein hiver. Les conditions météorologiques difficiles ne gâchèrent cependant en rien le plaisir de fréquenter cette ville américaine pleine de paradoxes, comme l'explique le réalisateur Curtis Hanson : "Detroit fut pour beaucoup d'entre nous une révélation. Partout, on découvre des traces du passé de cette ville, jadis si riche de promesses, et qui semble aujourd'hui ne plus avoir rien à offrir. C'était un décor idéal, tant sur le plan visuel que thématique."

8 mile ? "Jamais de la vie !"

"La première fois qu'on m'a parlé de 8 mile ...je n'ai pas eu la moindre envie d'y participer ! Je ne voulais même pas lire le script, parce que je pensais que ce serait un banal film de rap." Ainsi s'exprime Mekhi Phifer, rappeur complice d'Eminem dans le long métrage, révélé dans le Clockers de Spike Lee, qui a toutefois rapidement du se rendre à l'évidence. "C'est en rencontrant Curtis Hanson que j'ai compris la vraie nature du projet, son mélange de comédie, de drame et d'action", poursuit-il. "Ce film est l'histoire d'une quête, d'un rêve abouti, l'aventure d'un homme qui refuse de dilapider ses dons."

Une photographie urbaine

Rodrigo Prieto, le directeur de la photographie d'8 mile, a particulièrement goûté le fait de tourner un film urbain, particulièrement réaliste. Cette expérience le changeait en effet des deux précédents longs métrages sur lesquels il avait collaboré, Frida et Péché originel. Pour 8 mile, le réalisateur Curtis Hanson avait une image très précise de la photo idéale et lui avait demandé de donner au film "le look d'une mauvaise herbe poussée entre les pavés".

Une bande originale décapante

La bande-originale d'8 mile est logiquement constituée de nombreux morceaux de rap. Eminem est d'ailleurs le compositeur et l'interprète des titres 8 mile et Lose yourself, au côté de grands noms du hip-hop comme The Notorious B.I.G., Cypress Hill, Naughty by nature, 2Pac, le Wu Tang Clan ou encore Method Man.

La genèse du projet

8 mile est un projet qui date de vingt ans. A cette époque, le producteur Brian Grazer sent dans le hip-hop les germes d'un courant d'une puissance insoupçonnée. Et très vite, il décide de s'intéresser à ce genre musical nouveau, "d'en explorer les racines, de comprendre son fonctionnement et la portée de ses textes. Et cela bien avant qu'il ne représente un marché de plusieurs milliards de dollars."

Une fois le projet mis en chantier vient le temps de trouver l'acteur idéal, capable de porter en lui toute la rage contenue dans le hip-hop. Le choix de Brian Grazer se porte alors rapidement sur la star planètaire du genre Eminem, même si leur première rencontre s'avére pour le moins tendue. "J'ai commencé à m'intéresser à Eminem il y a quelques années", confie Grazer. "Il n'était pas encore une star, mais je lui trouvais déjà un immense charisme et je pensais qu'il pourrait exploser à l'écran. Lorsque je l'ai fait venir dans mon bureau, il est resté muet comme une carpe, sans même me regarder. Au bout de quinze minutes, il a fini par rompre le silence , et s'est révélé un personnage étonnament disert et éloquent."

vendredi 6 janvier 2012

2012-01-12T12:17:00.000+01:00

Réalisation
De Tony Gatlif - France - 2001 - 1h30min

Résumé.

Max, un garçon de dix ans, se découvre une passion pour le jazz manouche. En vacances chez sa grand-mère, il se rend dans le quartier des gitans pour faire l'acquisition d'une guitare. Le temps d'un été, Max fera, auprès de Miraldo, un musicien virtuose, l'apprentissage de la musique et de la culture manouche. Par ailleurs, il connaîtra ses premiers émois amoureux aux côtés de l'énigmatique Swing, une fille de son âge.

Entretien avec Tony Gatlif

"Tchavolo, c'est l'héritier de Django Reinhardt"

Tony Gatlif :

Introductio
Le réalisateur de "Swing" évoque la musique aérienne des guitares manouches, venue du coeur et des oreilles, apprise sous les arbres et le ciel, comme une mémoire à transmettre. Un film inspiré par Tchavolo Schmitt, un maître pour les gitans, qui préfère rester dans sa maison de transit du côté de Strasbourg et jouer dans les bars.

Max découvre le monde des gitans, il est initié à leur musique et à leurs traditions.
Tony Gatlif : Max vient chez les gitans pour chercher une guitare, c'est la musique qui fait le lien. Max est initié à tout un mode de vie différent du sien. Il va découvrir ce monde parce qu'il est précisément dépourvu d'a priori, et totalement détaché du monde de sa mère qui passe sa vie à s'agiter avec son téléphone portable.

L'Andalousie vous avait inspiré Vengo, pour Gadjo Dilo vous aviez posé vos caméras dans un village près de Bucarest. Là, nous sommes avec des manouches français sédentarisés.T.G. : On a planté nos caméras au cœur des quartiers du Neuhof et de la cité des Aviateurs, des quartiers de Strasbourg. C'est là qu'habite Tchavolo Schmitt.

Comme Max, votre jeune héros, vous aviez envie d'approcher un guitariste manouche. Parlez-nous de Tchavolo.T.G. : J'avais très envie de faire un film avec Tchavolo Schmitt. Il me fascine car il est totalement désintéressé ! Pour les manouches, Tchavolo Schmitt est l'équivalent pour les gitans, de Tomatito, le guitariste de Cameron de la Isla. L'un est célèbre dans le monde entier et l'autre, Tchavolo, préfère rester dans sa maison de transit du côté de Strasbourg. Alors, je suis allé le filmer dans sa maison, dans sa rue, dans sa cuisine. Il n'a pas de voiture, il gagne sa vie en jouant dans les bars.

Quelle est l'importance de cette communauté manouche qui vit dans les cités de Strasbourg ?T.G. : Plus de mille personnes. Ce sont des manouches sédentarisés vivant en France depuis plusieurs générations. Ils parlent le sinti, du rom mélangé à l'alsacien. Ils vivent dans des caravanes et des petites maisons construites en préfabriqué dont on peut transpercer les murs avec le doigt. Leur musique est beaucoup plus jazz, plus swing, c'est du Django Reinhardt. L'acteur Mandino Reinhardt, qui joue le brocanteur dans le film, est un lointain cousin de Django.

Ils jouent avec la fameuse guitare à la Django
T.G. : C'est la guitare Selmer inventée pour Django, la guitare swing, avec un creux sur la droite de la caisse de résonance. Django avait même mis en place une petite usine pour fabriquer cette guitare.

À propos du flamenco, vous aviez dit : «Ce n'est pas une musique jolie, c'est une musique de la violence, de la peine et de la force.» Comment définiriez-vous le swing manouche ?
T.G. : C'est une musique aérienne, de l'espace. La main de Tchavolo qui court sur le manche de sa guitare, on dirait un oiseau qui s'envoie ! Cette musique, qui devrait être remplie de douleur et de colère, est d'une gaieté communicative. Il y a de la nostalgie, mais aucune gravité. C'est une musique qui n'est pas jolie, mais belle, joyeuse et libre comme la petite Swing. Elle est arrogante, elle ose aller d'une note à une autre en cassant le rythme. C'est une musique qui vient du cœur et de l'oreille, elle ose des notes qu'un musicien qui a appris la musique au Conservatoire ne peut imaginer. Tchavolo, c'est l'héritier de Django Reinhardt. L'héritier de la musique manouche. Il a cette liberté, cette arrogance du « non avoir».

Parlez-nous des compagnons de fête de Tchavolo.
T.G. : Ben Zimet, qui joue le docteur, est un chanteur yiddish réputé à Paris où il vit. Il a en lui ce mélange de joie et aussi une grande tristesse. Quand Tchavolo écoute un 78 tours, c'est un chant klezmer, une musique yiddish très ancienne. En allant à Budapest pour rencontrer la chanteuse Mitzu qui chante à la fin du film, je suis tombé par hasard sur un vendeur de vieux disques. C'est comme ça que j'ai découvert cette chanson, « Romania ». J'ai retrouvé la chanteuse Katia, du Budapest Klezmer Band, et je l'ai amenée avec son groupe sur le tournage. Abdellatif Chaarani, qui joue du oud et du derbouka, est originaire de Casablanca. Il vit à présent à Strasbourg. Je l'aime beaucoup, c'est un déraciné, un exilé, mais il a toujours ses origines dans la peau. Lui aussi a la musique au bout des doigts. Sa musique, c'est son âme. Un immigré n'est nulle part chez lui. Quand c'est un musicien, il a la chance de transporter dans ses bagages un peu de ses racines. Il prend son instrument et, en quelques notes il est dans son pays.

Quelle est l'influence de la musique sur la mise en scène ?
T.G. : La musique est cette liberté qui me donne le souffle de faire mes films, le souffle d'aller à la rencontre des autres dans le monde. Ce film ne pouvait se concevoir sans musique. Elle symbolise la liberté d'une enfant comme Swing. Et c'est pour découvrir ce style de musique étrangère à sa culture que Max va chez les manouches. La musique rythme l'ensemble du film. Nous avons travaillé pendant trois mois avec Tchavolo et Mandino sur une adaptation des « Yeux noirs», en mêlant des influences manouches, arabes et Yiddish.

Comment avez-vous tourné les séquences musicales ? On a totalement l'impression d'être dans la caravane, entouré des musiciens, des danseuses. C'était improvisé ?T.G. : L'exiguïté du lieu imposait au contraire une préparation minutieuse. Nous avons mis au point, très précisément, tous les déplacements de caméras, de façon à être au moment voulu, dans le rythme et à la bonne focale sur chaque musicien. Quand j'ai expliqué à l'ingénieur du son, Régis Leroux, et à Claude Garnier, qui est chef opérateur et cadreuse sur le film, qu'on allait filmer vingt musiciens dans la caravane, Claude m'a dit : «Mais la caméra, elle sera où ? ». J'ai répondu : «Partout !»

Vous avez multiplié les caméras ?
T. G. - Toute cette séquence est filmée avec seulement deux caméras, la seconde devant filmer en fonction du cadre de la première. À cause de l'exiguïté du lieu, il y avait toujours le risque qu'elle soit dans le champ. On a chorégraphié les mouvements des caméras comme pour un ballet. Il fallait suivre très précisément la musique, passer du solo de guitare à la contrebasse, puis revenir sur le violoniste ou sur la clarinette à la fraction de seconde près ! Chaque musicien avait trois micros, un pour le grain de la corde, le deuxième pour la caisse de résonance, le troisième pour l'espace. La scène dure six minutes, c'était impossible à tourner en play-back.

Vous filmez la fête, la joie de vivre, mais vous consacrez aussi une séquence au génocide des gitans.
T.G. : C'est un sujet difficile à traiter. Les rares manouches ayant réussi à sortir vivants de cette période hésitent à en parler, voire n'en parlent pas du tout. Je cherchais une femme manouche qui accepterait de parler de sa déportation et j'ai trouvé Hélène Mershtein.

Cette scène de la grand-mère est filmée comme un documentaire.
T.G. : J'ai refusé toute idée de mise en scène pour cette séquence précise. La caméra était simplement posée là et j'ai laissé à Hélène la liberté totale de raconter son histoire : on l'a enlevée, elle et toute sa famille. Ils ont tout laissé sur le bord de la route, les roulottes, les animaux, le feu qui brûlait... Il y a eu environ 500 000 gitans morts en déportation, c'est énorme pour ce peuple. Peu de vieux sont revenus. Depuis, il y a un grave problème de transmission. Depuis l'holocauste, les gitans ne sont plus comme avant, ils ont changé leur façon de vivre en suivant l'évolution de la société. Leur musique est subversive. Une musique que l'on n'apprend pas avec les yeux sur une partition, mais avec le cœur et l'oreille.

Cette musique communautaire, le jazz manouche ou gipsy, a une influence magistrale dans le monde.
T.G. : C'est une ethnie méprisée d'un côté et adulée de l'autre. Je voulais qu'à travers leur musique gipsy, on découvre et prenne conscience de leurs difficultés à vivre. À la fin du film, il n'y a plus de musique. Après le départ de Max, Swing entre dans l'immeuble de sa cité et ferme la porte. Tout le film est fait pour montrer cette réalité sociale.

Qui sont les héritiers de Django Reinhardt depuis la disparition récente de son fils Babik ?
T.G. : Babik était vraiment un frère. On avait le projet ensemble de réaliser un film sur Django Reinhardt. Il y a bien sûr Tchavolo et Dorado Schmitt, qui est aussi un grand musicien. Bireli Lagrene a un large public, mais également Mandino Reinhardt, Moreno, Christian Escoudé, Boulon Ferré et il y en a bien d'autres... Il y a de plus en plus de jeunes musiciens qui s'intéressent au jazz manouche. J'ai filmé Max en pensant à Thomas Dutronc, le fils de Jacques qui est un guitariste prometteur, passionné par ce style de musique, il va régulièrement rendre visite à Tchavolo dans son quartier pour jouer avec lui. Dans 20 ans, Max, comme Thomas Dutronc, pourra transmettre cette musique.

Il y a de nombreux plans aériens dans le film.
T.G. : Cette musique, quand je l'écoutais avant de tourner, je la sentais tellement aérienne que j'ai eu envie de faire le film sur une dominante d'envol, de plans aériens. Les gitans ont un rapport fort au religieux (il y a toujours une vierge dans la caravane ou à la maison), l'au-delà, le cosmos, les étoiles, et la nature.

Comment résumeriez-vous votre film ?
T.G. : Ce serait l'histoire d'un petit garçon qui tombe dans une flaque d'eau et, à la fin du film, sa mère lui demande «Pourquoi t'es mouillé ?».

vendredi 23 décembre---La-Rose-Pourpre-du-Caire

2012-01-02T21:28:00.000+01:00

Réalisé par Woody Allen 1985

Avec Mia Farrow, Jeff Daniels, Danny Aiello

Comédie

Durée : 01h25

César du Meilleur film étranger 1986

Résumé :

Cecilia mène une existence morne et tourmentée.Le cinéma est son seul refuge et sa seule évasion. Lors d'une projection, TomBaxter, le héros d'un mélo la Rose pourpre du Caire sort de l'écran etl'enlève.

.../... plus développé :

Dans les années 1930 aux États-Unis, pendant la GrandeDépression, une jeune serveuse de brasserie, Cécilia, a un mari chômeur ettire-au-flanc. Elle se console en passant ses soirées au cinéma, sa grandepassion.

Un jour où elle est venue revoir, pour la cinquième fois, lemême film au Jewel Palace, un incident extraordinaire se produit: l'un despersonnages de La Rose pourpre du Caire, Tom Baxter, l'interpelle dans lasalle. Il sort de l'écran, passe du film en noir et blanc au monde en couleurset l'entraîne dans une aventure aux rebondissements imprévus.

Ce qui suit dévoile des moments clés de l’intrigue.

À l'écran, c'est la panique: les autres personnages du filmne savent plus que faire, l'intrigue habituelle ne pouvant plus suivre soncours. Ils échangent des propos acerbes entre eux et avec les spectateursfurieux. Les producteurs du film, alertés, paient la presse pour acheter sonsilence, mais apprennent que d'autres Tom Baxter dans d'autres salles de cinémaont tenté de sortir, et qu'un autre a oublié son texte pendant la projection.

Affolés, les producteurs dépêchent sur les lieux del'évasion Gil Shepherd, l'acteur qui interprète Tom Baxter, pour tenter derattraper le fuyard. Il y parviendra, non sans avoir au passage séduit à sontour la pauvre Cécilia, qui ne sait plus à quel rêve se vouer.

À la fin, Cécilia dans sa salle de cinéma regarde Le Danseurdu dessus (Top Hat) avec Ginger Rogers et Fred Astaire (le film de Woody Allenest l'archétype du film contenant un film).

Autour du film

Woody Allen asouvent déclaré qu'il s'agissait de son film favori.

Lors d'uneinterview, Woody Allen s'est fait demander la raison pour laquelle il n'avaitpas fait de happy end. Il a répondu: "C'est un happy end".

vendredi 27 janvier-Le-Concert

2011-12-30T14:42:00.000+01:00

Le concert

Réalisé par Radu Mihaileanu
Avec Mélanie Laurent, Aleksei Guskov, Dimitry Nazarov

Entre Tchaïkovski et musique tzigane
une grosse farce tragi-comique et burlesque
pleine de bons sentiment - Radu Mihaileaanu oblige.

Résumé

A l'époque de Brejnev, Andrei Filipov était le plus grand chef d'orchestre d'Union soviétique et dirigeait le célèbre Orchestre du Bolchoï. Trente ans plus tard, il travaille toujours au Bolchoï mais... comme homme de ménage.

Soudain, Andrei a une idée de folie : pourquoi ne pas réunir ses anciens copains musiciens, qui vivent aujourd'hui de petits boulots, et les emmener à Paris, en les faisant passer pour le Bolchoï ? L'occasion tant attendue de prendre enfin leur revanche...

Suivi d’un débat

L'imitation : caricature ou stéréotype ? comment jouer ?

Vendredi-9-décembre--The big-Lebowski

2011-12-13T21:17:00.005+01:00

de Joel et Ethan Coen, 1998

Avec JeffBridges, John Goodman, Julianne Moore, Steve Buscemi

117 minutes

Film également connu sous le titre Erreur sur la personne au Québec.

Dans cette comédie pastichant le film noir, Jeff Bridges incarne le personnage de Jeffrey Lebowski, un fainéant sans emploi et grand amateur de bowling qui préfère se faire appeler « le Duc » (The Dude en version originale). À la suite d'une confusion d'identité, le Duc fait la connaissance d'un millionnaire également appelé Jeffrey Lebowski et, lorsque la jeune épouse du millionnaire est enlevée, celui-ci fait appel au Duc pour apporter la rançon demandée par ses ravisseurs. Mais les choses commencent à aller de travers quand Walter Sobchak, le meilleur ami du Duc (interprété par John Goodman), projette de garder la rançon pour eux.

Julianne Moore, Steve Buscemi, David Huddleston, Philip Seymour Hoffman, Tara Reid et John Turturro complètent la distribution du film, dont l'histoire est narrée par un cow-boy interprété par Sam Elliott.

L'intrigue du film s'inspire de celle du roman Le Grand Sommeil, de Raymond Chandler. The Big Lebowski fut un échec commercial lors de sa sortie au cinéma et reçut tout d'abord des critiques mitigées mais, avec le temps, celles-ci sont devenues plus positives et le film a acquis le statut de film culte, connaissant une brillante carrière en vidéo, grâce à ses personnages atypiques, ses séquences de rêves surréalistes, ses dialogues décapants et sa bande originale très éclectique.

Après le film :
Un régal, une bonne séance, un bon débat. Avec un début de grosse houle qui a fait dire à certains usagers du ciné-club que le specatcle était dans la salle.

Qu'à cela ne tienne répliqua l'animateur nous passerons La rose pourpre du Caire de Woody Allen dont c'est le sujet, pour finir notre année.

ven 2 décembre-Hotel-Woodstock

2011-12-02T11:50:00.000+01:00

Hotel Woodstock

Réalisé par Ang Lee 2009

Durée : 2h

la mise en place du festival comme si nous y étions, truculent !!

Résumé

1969. Elliot, décorateur d'intérieur à Greenwich Village,traverse une mauvaise passe et doit retourner vivre chez ses parents, dans lenord de l'État de New York, où il tente de reprendre en mains la gestion deleur motel délabré. Menacé de saisie, le père d'Elliot veut incendier lebâtiment sans même en avoir payé l'assurance alors qu'Elliot se demande encore commentil va enfin pouvoir annoncer qu'il est gay...Alors que la situation est toutsimplement catastrophique, il apprend qu'une bourgade voisine refuse finalementd'accueillir un festival de musique hippie. Voyant là une opportunitéinespérée, Elliot appelle les producteurs. Trois semaines plus tard, 500 000personnes envahissent le champ de son voisin et Elliot se retrouve embarquédans l'aventure qui va changer pour toujours sa vie et celle de toute unegénération.

Continuons le débat : Le spectacle étant quelquefois dans la salle je me demande ce que celava donner. Apportez vos pantalons pat d'eph, votre patchouli, votrekhol.

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vendredi 25 nov-Missouri-breaks

2011-11-30T08:44:00.000+01:00

Après Viva Zapata nous continuons le cycle Brando

Missouri breaks

Western - Couleur - 121 min

Réalisation Arthur Penn 1976

Avec Marlon Brando et Jack Nicholson

Résumé

1880 dans le Montana : Ancien voleur de bétail, Tom Logandécide de devenir honnête et acquiert un ranch. Son voisin le plus proche estDavid Braxton, un riche éleveur. La fille de ce dernier, Jane, tombe amoureusede Tom et réciproquement. Le père n'apprécie point cette liaison ; il engageRobert Lee Clayton, un "régulateur", de voleurs de bétail, qu'ilcharge d'éliminer tous les "gêneurs", y compris Tom. Mais celui-cisait se défendre...

Critique Presse :

"Tous lesingrédients du western classique sont là. Mais Arthur Penn décline ces figuresde répertoire à sa façon : disséminées, les scènes s'étirent sur un temporalenti ; les plans rapprochés prolifèrent, campant les personnages grâce auxdialogues, voire aux pesants silences ; l'action fuse par instants, rare etviolente. Le vieil Ouest se meurt et Penn contribue à son enterrement, avec savision décapante, non dépouvue d'humour. Tous les mythes fondateurs vacillentet, sortis de leurs oripeaux, les « héros » s'humanisent. Film des petitsespaces, « Missouri Breaks » se savoure moderato. En pleine possession de sonart, le réalisateur de « Little Big Man » fascine aussi bien par sonutilisation des couleurs (un bain de jaunes) que par les numéros contrastés deses deux monstres, Brando dans un numéro parodique, Nicholson tout en retenue.Le résultat est exceptionnel." ( François Ramasse,Télérama)

Continuons le débat :

Le duel : Celui des personnages, celui des acteurs, le notre

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vendredi 18 novembre Viva Zapata

2011-11-23T08:36:00.001+01:00

Le début d'un cycle Brando

Réalisation Elia Kazan
Scénario John Steinbeck
Acteurs principaux : Marlon Brando, Anthony Quinn
1952 Durée 113 minutes

"Viva Zapata" relate de façon romancée les dix dernières années de la vie d'Emiliano Zapata.

Résumé :
1909. Porfirio Díaz est à la tête du Mexique depuis 34 ans. Un groupe de paysans du Morelos est spolié de ses terres par des propriétaires terriens, exploitants de canne à sucre. Devant la condescendance du dictateur et son refus d'intervenir, Emiliano Zapata, aidé de son ami Pancho Villa (Alan Reed) et de son frère Eufemio (Anthony Quinn), décide de prendre la tête de la révolte et de faire triompher le bon droit des paysans.

Commentaire :
Marlon Brando, après avoir connu le succès dans Un tramway nommé Désir, prête ses traits au révolutionnaire mexicain. Anthony Quinn, Oscar du meilleur second rôle pour ce film, jouant le frère de Zapata. Viva Zapata ! permettra à Brando d'obtenir le prix d'interprétation à Cannes. Zapata est ici dépeint comme un chef rebelle incorruptible, guidé par son seul et constant désir de rendre leur terre aux paysans spoliés, oubliant son intérêt personnel. Steinbeck, Oscar du meilleur scénario, mène une réflexion sur le pouvoir (politique, militaire) qui corrompt les hommes, Zapata excepté.

Citation du film :

Zapata (Marlon Brando) : « Vous voulez des chefs sans défauts, ça n'existe pas. Un chef est comme tout le monde. Il change! Il abandonne! Il meurt! Il n'y a pas de chefs en dehors de vous. Un peuple fort est la seule force durable. »

Continuons le débat :

La révolution a t elle besoin de figures charismatiques ?

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L’île était une fois Inauguration au restaurant social Pierre Landais

2011-10-14T11:53:00.004+02:00

Vendredi 14 octobre à partir de 18h30

(16 rue Pierre Landais)

En présence de Jean-Marc Ayrault, Député-Maire de Nantes

ouverture des portes à 18h30 Mieux vaut s'y prendre à l'avance

A 19h Un musée à ciel ouvert » (ciné-concert)

Récit photographique et vidéo de Cyrille Prévaud autour dupassé du site des chantiers navals (les ouvriers) et du présent (le blockhaus, lesgraffs, La Fabrique). Ce documentaire retrace un parcours factuel mais aussiimaginaire, nourri de questionnements sur les symboles artistiques, urbains, culturels et parfois philosophiques.

Création partagée : Karine Germaix,accordéoniste-compositrice invitera habitants, usagers du Restaurant social Pierre-Landais, de la Maison deQuartier de l’île et de Phileas Fogg (CATT P) à mettre en musique, et en live,ce documentaire.
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à 19H 15 Récits de vie

La CLISSAA a écrit des contes inspirés des témoignagesrecueillis pour le livret « Mémoire de quartier » dans les maisons de retraite LaCerisaie et La Madeleine (en partenariat avec Unis-Cité et l’Orpan). Quelquesextraits vous seront contés : une invitation à découvrir ces contes , le 18 octobre à laMaison de Quartier de l’île.

20h15 Vampyr (1932 – 1h10)

Ciné-concert autour du Vampyr de Carl Theodor Dreyer.

Un vieil homme offre à David un livre sur les vampires. Or, dans le château du vieillard, vivent deux femmes dont l’une, gravement malade, porte d’étranges blessures au cou.

Sur une musique de Karine Germaix (accordéon) et Jeannick Launay (son et machines).

Le programme complet ici : http://www.nantes.fr/culture/actualites-culturelles/2011/ile_etait_une_fois_2011

(enbas de cette page web le lien pour téléchargé le programme en pdf)

Commentaires sur la sortie au cinématographe : "Alexandre Nevski"

2011-10-14T10:27:00.001+02:00

Une projection de Alexandre Nevski le mercredi 12 octobre suivie d'une intervention de Stéphane Bouquet (Cahiers du cinéma )

Nous étions un petit groupe de 13 personnes. Dont certains n'avaient jamais mis les pieds dans ce cinéma. Une séance d'inauguration qui ouvre la possibilité d'y retourner. Les prix des billets sont accessibles

Commentaires après la séance

Alain :

Silence des vastes plaines après la bataille. Icone de rire et Icone de pleur. Ce doit êtrel'âme russe

Claude : Il faut nous laisser le temps de nousréveiller!!

Moi, ravie de voir ce film sur grand écran et de face!!Plaisir de retrouver la musique, mais... ça ne rendait vraiment pas terrible.Si on refait une copie du film, ça ne vaudrait pas la peine de"refaire" la bande son aussi ? Mais on l'a bien vu l'autre jour, çarisque d'être trop éloigné de la version originale. Bon, le monsieur cinéma,intéressant mais moi un peu fatiguée pour suivre au delà de 23h et beaucoup depoussières.

Merci Alain et Michèle, les sages de l'image, de nous avoirproposé ce film.

Michèle,

Merci Claude; mais sommes-nous sages ???

Première sortie de ce type au Cinématographe, on est content

Nous sommes impatients d'avoir des retours. Alain est pluspar l'odeur des commentaires alléché que moi ; c'est normal pour un loup…/..

J'ai été ravie par cette séance. Ravie des interventions deYannick. Emue par la scène où les femmes vont vers les hommes allongés. Beautéplastique; gravité de l'évènement accompagnés d'une musique qui faitfrissonner. Je garde ça imprimé devant mes rétines éblouies.

J'ai bien aimé aussi la scène de l'engloutissement; lesprocédés : mélange de carton-pâte pour les plaques et d'images de réelsmorceaux de glace ; glissant sur l'eau. J'y ai vu de la poésie. La musique m'atouchée aussi, véritables "sous-titres" évocateurs. Et puis je mesuis bien amusée à trouver les symboles. L'intervenant est un érudit qui se metà la portée de chacun. Je n'ai pas toujours été d'accord avec certaines de sesinterprétations et avec celles des membres du public mais j'étais bien tropfatiguée pour parler. Peur de bafouiller car mes mots se bousculent quand jesuis fatiguée. Pas envie d'écorner mon super ego en public !

J'aurais bien aimé développer certains aspects mais bon; cen'est pas grave. L'essentiel est dans ce constat : nous étions ensemble.

Michèle

Anne-Marie :

Dans le film j’ai préféré les noyades et les cielsimmenses.... dans la critique de Stéphane B. j’ai préféré le commentaire sur lapropagande et çà m’intéresserait d’en savoir plus sur ce décryptage—la luttecontinue / bandera rossa !.

J’ai été gênée par les sous-titres plus ou moins lisiblesmais j’ai fait confiance à mon âme russe pour imaginer ce que je ne voyais pas.

La musique –cher Serguéi je t’ai trouvé un peu éteint—m’alaissée assez insensible [le restaurant social a sans doute une meilleureacoustique !]

Je suis un aficionada (çà se dit ?) du Cinématographej’espère qu’on s’y retrouvera bientôt.

Chapeau bas Alain et Michèle

Michèle

Ben alors, il a perdu sa langue !!! C'est ballot etdommageable pour un loup

Alain

Intéressant la soirée, mais j'ai préféré la projection des extraits du film au restaurant social. Notamment au niveau musical. Je n'ai pas été du tout convaincu par al soit-disant restauration de la copie. J'ai cru percevoir qu'il manque des images.

Intéressantes aussi les pistes de Stéphane Bouquet. J'ai surtout retenu la notion d'espace ouvert que Eisenstein emprunte à son voyage mexicain.
Je n'ai pas complètement adhéré à l'association entre la renarde violée et la ligne horizontale de l'horizon, liée à l'allemand pour lui. Le système des oppositions en effet existe dans le film mais il est plus dans une dynamique. (Que dans une dialectique). Les lignes verticales affirment aussi bien l'horizontalité que le contraire, comme dans un système yin yang. Eisenstein se réfère souvent à l'Orient au Kabuki et à mon avis à la notion de vide. Ici c'est une attente inquiète de l'envahisseur, très belle que la musique amplifie, sublime. Les oppositions ne sont pas tranchées, elles se superposent, glissent l'une sur l'autre. Elles ne sont pas prises dans un système mécanique et stéréotypé. C'est ce qui fait que ce film de propagande est bien autre chose que de la propagande. Nous sommes loin d'avoir fait le tour de tout ce que le film contient

Cela me fait froid dans le dos ce que tous ces gens ont vécu dans le système stalinien.

En amorce d'un travail sur Eisenstein et Prokofiev à venir :

Je trouve que cet "ouvert" - de la ligne d'horizon et du blanc des extérieurs d'Alexandre Nevski - est un bon fil conducteur : à la fois conceptuel et plastique, voire dramatique. Dans mon tâtonnement passé de pied nickelés chercheur j'ai forgé un concept : tout simplement celui de 'figure" pour dire la teneur de ce genre de concept qui a des traduction plastique ou dramatique (il se la pète encore le loup :lol )

Les traductions que j'en aies : " Vol au dessus d'un nid de coucou" de Mike Nicols, Et "THX 1138" de Georges Lucas. Dans les deux cas le blanc est ambivalent : il dit à la fois la menace et la délivrance, le totalitaire et l'échappée. Or ça fonctionne bien dans le Eisenstein en ce qui concerne la double direction indiquée par Stéphane Bouquet des lignes verticales et horizontales. Si on n'y colle pas une signification manichéenne, si on voit le film sur le plan formel - pas seulement- mais aussi comme une conception de la vie. Pour moi le point fort de l'intervention de Stéphane Bouquet est d'avoir fait le raccord avec "Que viva Mexico". (Je n'avais pas réalisé que les rushes qui nous restent de ce film inachevé sont d'avant Alexandre Nevski je croyais qu'ils étaient postérieurs).

Un autre blanc - et espace ouvert peut-être-, ceux des plans d'introduction dans "Les visiteurs du soir" de Marcel Carné. Le château est isolé au milieu de vastes garrigues (tourné en Provence zone libre sous l'occupation allemande) - j'en avais tiré l'idée que le peuple français sous l’occupation était à cette image : isolé, forclos. Et rendait beaucoup mieux le sentiment de désespoir (isolation et désolation de chaque personne sous la France sous l'occupation, son isolement, que la figure du diable et son équivalence nazie. Exactement comme le fait ici Eisenstein d'ailleurs.

L'idée du Kabuki paraît incongrue dans cette thématique, Ce ne devrait pas être le même vide le même espace ouvert (ou la même tension). Mais elle l'est tout autant dans les écrits de Eisenstein, dans l'intérêt qu'il lui porte. Raison pour laquelle je crois que notre piste est bonne. CQFD le loup ? :lol
je rajoute ceci : qu'il y a lieu de réfléchir entre un espace tendu, et un espace non tendu. Entre une figure pleine quasiment sans hors champ et une figure qui ne fait qu’appeler le hors champ. Une figure qui serait comme le contour du désir. Si bien que l'équivalence : la renarde = la ligne horizontale, le blanc et l'allemand, n'a pas de valeur en tant qu'équivalence. Elle en a une dans la mesure où elle vient supperposer les deux notation du désir dans le film : le désir infinement différé pris dans la rivalité de la relation des 3 héros russes (2 hommes une femme). Et la notation d'un viol punitif entre les deux camps. L'invasion est un tel viol dont l'espace est en effet le signifiant.

Peu importe que nos hypothèse soient grotesques (comme celle d'associer cet ouvert à la chatte de la renarde oupssss) comme tendrait presque à nous le dire S. Bouquet. Nous sommes définitivement guignolesques !! et c'est comme ça que nous inventons la poudre de perlimpinpin aussi bien que la poudre à canon - ou la théorie de la relativité. L'excessif chez Ei(sen)stein fait partie de son génie narcissique autant que son génie réel. N'importe quoi ce matin. Prenons ça comme brouillon, matière de réflexion future.

M’intéresse notamment ce que l'on pourrait me dire sur le vide, l'orient le Kabuki. Ainsi que l'équation que l'on pourrait faire avec la musique de Prokofiev : comment on y trouve ou pas une traduction musicale. C'est plus complexe mais c'est cela que je voudrai articuler. Il faut projeter à mon avis l'extrait de la Bataille des glaces sans le son pour commencer à le comprendre.

Rencontre le 7 octobre à 13h30 avant les ciné-concerts ( "L'île était une fois")

2011-10-03T10:02:00.005+02:00

"Comment la musique change l'image ?".

Avec Cyrille Prévaud et Karine Germaix*, les artistes des 2ciné-concerts du 14 octobre au restaurant social.

Ils sont respectivement réalisateur du documentaire« un musée à ciel ouvert », et la musicienne des deux films duciné-concert concert du 14 Octobre au restaurant social.

Au programme de cette rencontre avec le public :

partage des expériences autour d’extraits de films qui éclairent les rapports dela musique et des images de films.

Avec des extraits des films :

- « Vampyr » de Dreyer dans sa musiqueoriginale. Qui seront mis en musique de façon différente par Karine Germaix le14 octobre.

- « Un musée à ciel ouvert » de Cyrille Prévauxsur l’île de Nantes, Idem.

- « Alexandre Newski » Deux versions mise enmusique de façon différente (dont celle de Prokofiev) de « la séquence desglaces ». Qui permettront d’appréhender la force de la musique deProkofiev et son travail d’interprétation du film de Eisenstein.

Jeu auquel nous convions tout le monde à participer :

Qu'est-ce qui change d’une adaptation musicale à l’autre ?

Au niveau des sensations,des émotions et … des significations ?

* Présence de Karine Germaix quihabite en Belgique sous réserve.

L’île était une fois

Inauguration au restaurant social Pierre Landais

Vendredi 14 octobre à partir de 18h30

(16 rue Pierre Landais)

En présence de Jean-Marc Ayrault, Député-Maire de Nantes

A 19h Un musée à ciel ouvert » (ciné-concert)

Récit photographique et vidéo de Cyrille Prévaud autour dupassé du site des chantiers

navals (les ouvriers) et du présent (le blockhaus, lesgraffs, La Fabrique). Ce

documentaire retrace un parcours factuel mais aussiimaginaire, nourri de questionnements

sur les symboles artistiques, urbains, culturels et parfoisphilosophiques.

à 19H 15 Récits de vie

Création partagée : Karine Germaix,accordéoniste-compositrice invitera habitants, usagers du Restaurant social Pierre-Landais, de la Maison deQuartier de l’île et de Phileas Fogg (CATT P) à mettre en musique, et en live,ce documentaire.

En partenariat avec La Sagesse de l’image : lasagessedelimage.blogspot.com

20h15 Vampyr (1932 – 1h10)

Ciné-concert autour du Vampyr de Carl

Theodor Dreyer. Un vieil homme offre à David

un livre sur les vampires. Or, dans le château

du vieillard, vivent deux femmes dont

l’une, gravement malade, porte d’étranges

blessures au cou.

Sur une musique de Karine Germaix (accordéon)

et Jeannick Launay (son et machines).

Le programme complet ici : http://www.nantes.fr/culture/actualites-culturelles/2011/ile_etait_une_fois_2011

(enbas de cette page web le lien pour téléchargé le programme en pdf)

vendredi 23 sept-King-Kong

2011-09-24T07:35:00.000+02:00

Cycle cinéma et musique :

1- Les origines de la musique Hollywoodienne

King Kong est un film fantastique américain en noir et blancproduit et réalisé par Merian C. Cooper et Ernest B. Schoedsack. Ce film est sorti le 7 avril 1933 aux États-Unis, après uneavant-première au Radio City Music Hall de New York, le 7 mars, remportant unénorme succès.

Un cycle cinéma et musique : Pourquoi commencer par King Kong ?
Avec ce film Max Steiner le compositeur inaugure dés1932 le "symphonisme" dont larecette est ensuite étendue à l'ensemble de la musique Hollywoodienne.
Dans nos prochaines séances, nous "entendrons" et "verrons" d'autres modalités de la participation de la musique aux images de films - avec à chaque fois un couple de musicien et de réalisateur.

Continuons le débat : le rôle de la musique au cinéma

Le film a bien des qualités. Et ses copiessuccessives malgré des effets spéciaux supérieurs ne lui arrivent pas à lacheville au niveau dramatique comme au niveau esthétique.Nous nous attacherons à débattre sur cette ligne : Qu'a apporté la musique à notre perception de ce film ? :
- au niveau dramatique et émotif dans notre projection dans l'histoire ?
- au niveau plastique, quelles sensations ?
- au niveau de notre pensée et des significations ?

Résumé :

Dans les années 30 le réalisateur Carl Denham envisage deréaliser un film sur L’Île du Crâne après être entré en possession d'une cartementionnant son existence. Après avoir embauché à New-York une comédienne auchômage, Ann Darrow, Denham embarque avec son équipe sur le navire "LeVenture" qui fait route vers l'Océan Indien. Durant le voyage, Ann tombeamoureuse du second de l'équipage, Jack Driscoll.

Les explorateurs découvrent bientôt L’Île du Crâne, bout deterre s’enfonçant dans l'Océan et peuplé d'indigènes et d'animauxpréhistoriques féroces. Les indigènes enlèvent bientôt Ann pour la donner ensacrifice à leur Dieu Kong, un monstre gigantesque. Driscoll et les autresmarins se lancent aussitôt sur ses traces.

Après la séance

(commentaire sur la musique en particulier)

En écoutant la musique plus spécialement j'ai été surpris par le rythme du film, beaucoup d'action. Mais aussi par la qualité du bruitage qui intervient comme élément de la partition musicale, et remplace même l'orchestration des instruments dans cette partition : cela fait un tout.

Malgré ses qualités indéniables - on reconnait des accents de la musique fin19ième de grands compositeurs (Wagner par exemple)- , cette partition volontairement amphigourique, est trop présente et redondante - du moins à nos oreilles d'aujourd'hui - défaut que l'on retrouvera jusqu'à aujourd’hui. J’appelle ça "la confiture musicale". Le registre émotionnel de l'action, du suspens, construit l'univers de la bête sans arrêt aux aguets, mais aussi le heurt que provoque sa rencontre. La musique signifie ce heurt à la fois pour la bête elle-même et pour ceux qu'elle rencontre.

Au niveau dramatique, une empathie partielle renforce ce double sens, cette inversion du point de vue humain et bête (le désir de Kong pour la jeune femme se transforme en effet en sentiment, et la protection qu'elle lui accorde contre les autres dangers : La bête se transforme en sujet avec le gors plan sur ses yeux ; la relation prédateur/proie en rencontre avec le champ contre champ. Transformant la signification de l'axe de la prise de vue en plongée-contreplongée - elle ne signifie plus les conditions d'une supériorité écrasante mais d'une protection où la puissance est ébranlée par la joliesse, la délicatesse, la fragilité du féminin. Puissance et féminité se mettent à parité c'est dire se renforcent ou s'expriment l'une par l'autre en contraste, (formant une paire : un couple). J'ai bien aimé la construction de cette ambivalence de l'amour et du fétichisme. Pour la femme en tant qu'être et pour la femme en tant que poupée.

Les autres versions ont accentué cet aspect jusqu'à il me semble présupposer un sentiment plus tendre de la femme envers la bête. Alors qu'ici cela se cantonne à l'épouvante. Une façon plus explicite de dire qu'on ne tremble que de désir devant la bête en général ?

Alain

Prochain film : La fureur de vivre de Nicolas Ray ? un autre usage de la musique.

vend-16 sept- Tamara-Drewe

2011-09-20T14:28:00.000+02:00

Réalisé par Stephen frears 2009
Durée : 01h49 min
comédie

Résumé : Avec son nez refait, ses jambes interminables, son jobdans la presse people, ses aspirations à la célébrité et sa facilité à briserles coeurs, Tamara Drewe est l'Amazone londonienne du XXIe siècle.
Son retour au village où vécut sa mère est un choc pour la petite communautéqui y prospère en paix.
Hommes et femmes, bobos et ruraux, auteur de best-sellers, universitairefrustré, rock star au rancart ou fils du pays, tous sont attirés par Tamaradont la beauté pyromane et les divagations amoureuses éveillent d'obscurespassions et vont provoquer un enchaînement de circonstances aussi absurdes quepoignantes.

vendredi 30 sept-La-mort-aux-trousses

2011-09-12T18:10:00.000+02:00

Cycle cinéma et musique 2 :

Nous poursuivons notre cycle cinéma et musique avec lacollaboration Hitchcock et Bernard Hermann

Réalisé par Alfred Hitchcock 1959

Avec Cary Grant, Eva Marie Saint, James Mason

Policier , Aventure , Comédie

Durée : 02h16min

Résumé : Le publiciste Roger Tornhill (Gary Grant) seretrouve par erreur dans la peau d'un espion. Pris entre une mystérieuseorganisation qui cherche à le supprimer et la police qui le poursuit, Tornhillest dans une situation bien inconfortable. Il fuit à travers les Etats-Unis etpart à la recherche d'une vérité qui se révèlera très surprenante.

Commentaire :

La mère de Tornhill (Gary Grant en veil ado) a un air deCastafiore. Ni ce côté tintinesque et drôle, ni le glamour de Eva marie saint,ne nous épargnent des sueurs froides.

Résultat d'unealliance : la musique extraordinaire deBernard Hermann et la mise en scène de Hitchcock.

Continuons le débat : Cinéma et musique... et suspens.....

Vous êtes les bienvenu(e)s pour partager cet échange

Quand la Marabounta gronde

2011-09-01T15:14:00.000+02:00

Notre film de la rentrée

de Byron Haskin
Avec Charlton Heston, Eleanor Parker,

Durée : 1h 35min.
1954
Titre original : The Naked jungle (La jungle nue)
.
Notre film de la rentrée est proposé par Philippe, usager du restaurant social

résumé :

Venant de se marier par correspondance, un riche planteur de l'Amazonie voit son domaine menacé par une invasion de fourmis rouges.
.

Ce que j'en pense : Un film d'aventure entre ethnologie et fantastique, de facture hollywoodienne. Mais on s'y intéresse à l'évolution des rapports homme et femme pas piqué du hanneton à savoir qui portera la culotte.

Sans doute le meilleur film de Byron Haskin ex chef opérateur. Qui s'était d'abord essayé au western convenu, puis a réalisé quelques films de Science fiction. Il a réalisé un "Robinson Crusoe sur mars" qui doit valoir son pesant de petits hommes verts. Et un De la terre à la lune où l'on voit Jules Verne (lui-même sa doublure ?) embarquer dans le vaisseau de son propre roman, - histoire de nous dire que la vie et la fiction font bon ménage ( Le Byron Haskin se piquait aussi d'être scénariste ).

Dans le genre fourmis des films fantastique on se souviendra de l'excellent "Phase 4" - réalisé par un graphiste inventeur de génériques de films génial - Un film où elles sont bien sûr une intelligence collective dans la Marabunda mais plus gentilles donc moins primaires (le new-age des années 70). Puissent-elles nous sauver de la cata. A moins que nous nous mettions nous aussi à nous considérer comme une intelligence collective mais pas que de film, enfin !!!

Bavard le loup de septembre !

vendredi 21-Le-bal-des-vampires-

2011-08-22T17:45:00.000+02:00

Réalisé par Roman Polanski

Avec Roman Polanski, Jack McGowran, Alfie Bass,

Genre Comédie , Epouvante-horreur

Durée : 01h50min Année de production : 1967

Résumé : Un vieux savant et son aide pourchassent, dans unsinistre château de Transylvanie, une curieuse espèce de vampires.

clin d'oeil à Vampyr de Dreyer pour ceux qui l'ont vu ce vendredidernier au ciné-concert avec nous : la figure du professeur

Polanski mêle le comique à l’horrifique dans ce long métragequi ne se contente pas d’être une simple parodie de film de genre. On se laisseentièrement vampiriser par le charme farfelu et poétique d’une œuvretrépidante.

Le Bal des vampires, c’est la face solaire du cinéaste loindes angoisses tourmentées et torturées de Rosemary’s Baby.

A voir aussi pour l'acteur Roman Polanski qui tient le rôleprincipal

critique du film :

http://www.critikat.com/Le-Bal-des-vampires.html

Débat pour filer la métaphore : Qu’est-ce qu’unvampire ?

(Je ferai partir le débat, ensuite je filerai vers 15h30 ).

vacances d'été

2011-07-27T10:04:00.007+02:00

Et oui c'est les vacances

reprise du ciné-club à la rentrée de septembre.

L'occasion d'aller au cinéma au Katorza (3,5 euros pour les usagers du restaurant social -Voir André Lebot si vous n'avez pas encore la carte de réduction il vous la fera).

Vous pouvez aussi m'envoyer vos suggestions de programmes de films (ou autres idées) pour les projections en ville ou au restaurant social lasagessedelimage@free.fr

A bientôt, bonne vacances

Alain

vendredi 8 juillet 13h30 "RISACCA NO ERRA"

2011-07-02T16:51:00.009+02:00

"RISACCA NO ERRA"

Réalisé par Pierre MICHELON / 2011

étudiant à l'école des Beaux Arts de Nantes puis celle de Nice

http://pierremichelon.wordpress.com

Résumé :

Pierre Michelon est parti en Algérie quand commençait le"printemps arabe" mais pas pour cette raison. Ses recherches sur lepostcolonialisme l'ont conduit à enquêter sur les "harragas", cesnaufragés volontaires qui traversent la Méditerranée à la recherche d'unavenir.

Dans la ville d'Annaba, espace de transit conséquent, il a réuni uneimportante documentation sonore et visuelle autour de l'espace maritime,notamment des pêcheurs, des harragas, ou des jeunes issus d'une communauté desurfeurs.

Le film présenté au Restaurant Municipal Pierre Landais se proposeracomme un premier montage, une première articulation autour des rencontreseffectuées, entre la ville d'Annaba et la ville de Nice, où certains de cesémigrés-immigrés algériens sont arrivés.

Par ce décalage et ce retrait vis àvis de l'actualité à Vintimille, Pierre n'espère pas moins favoriser un regardcritique sur la politique de l'Union Européenne, nos rapports à l'altérité, àla liberté, ou à certaines des contradictions des phénomènes migratoires.

LE DEBAT...

avec les usagers du restaurant social,

les étudiantsde l' ESBANM,

les membres du Conseil Nantais des Citoyens Etrangers,

tous lesnantais fidèles aux débats du ciné-club Pierre Landais

..àl'heure où la ville honore "ces nantais venus d'ailleurs".

Commentaires après la séance :

Anne-Marie 09 Juillet 2011 - 15:55:46

Parce que nous ne sommes pas que souffrance et malheur,revendications et polémiques, que la beauté du monde et les visions que l'onnous en propose s'infiltrent à notre plus intime.

Alain 09 Juillet 2011 - 18:50:57

J'ai aimé rencontrer ces images autrement que chez moi. Enéprouver la beauté seulement là dans l'obscurité silencieuse l'attentionsoutenue elle aussi belle, en dehors d'un projet. Et Rencontrer ces jeunestunisiens étranges, devenus plus familiers. Composer un bout de monde avec eux.

Élisabeth véhémente, parfois agressive, arrache le micromais sait aussi passer par le chas de l'aiguille...des mains du monsieur ex enseignantmagrébin qui délivre son message édifiant...la dame de l'institution d'accueildes étrangers, puissance publique tient son discours stupéfiant (pharmacopée dupouvoir) : "ce jeune tunisien n'est pas "représentatif".

Chacun tisse une maille une à l'endroit une à l'envers. Coudreen décousant

Les révolutions arabes sont ce qui nous est arrivé de mieuxcette année mais pas un mot hier, pris que nous étions dans notre proprerévolution.

Révolution, nos orbites infléchissent le monde, le mettenten arrêt, chien de chasse sans gibier.

La réponse d'Elisabeth : 28 juillet 2011 14:30

Alain,
A-t-on un droit de réponse ? Je me pose la question quand je constate le jugement qui est porté sur les différentes opinions exprimées ? Où est le débat quand le micro ne circule pas librement ?
Est-ce un manque de tolérance et réellement un esprit de débat ?
Elisabeth

Réponse de Alain : Le micro ne circule pas librement de façon naturelle. La liberté est-elle naturelle ou bien est-elle voulue et organisée ? "Comment vivre ensemble" question en avant de nous, qui ouvre nos chemins. A notre débat sur le film il y a avait une diversité incroyable de points de vue. Nous avons quand même rendu justice au film mais nous n'en avons parlé moins de la moitié du temps. Au final j'ai appris dans cette cacophonie des choses plus de la position de chacun que de ses opinions.
Quand à ma remarque sur ta position, elle est aussi amusée et tendre. S'il y a bien quelqu'un que l'on bride pas dans nos débats c'est toi. Tu occupes ta place. Cette place accordée à chacun jusque dans ses excès. Le monsieur à qui tu as enlevé le micro, a déjà eu la même réaction que toi, lors d'un précédent débat : qu'on ne lui donnait pas suffisamment la parole. La dynamique du débat quelquefois dépasse le cadre de la séance. Le temps accordé tient compte aussi de ce qui s'est passé précédemment.

Je préfère l'affirmation de Bakounine "ma liberté agrandit celle d'autrui", plutôt que celle restrictive : "ma liberté s’arrête où commence celle d'autrui".

1ier-juillet -Tous-les-matins-du-monde

2011-07-01T16:42:00.001+02:00

Réalisé par Alain Corneau 1991

Drame , Historique

d'après le roman de Pascal Quignard

Durée : 01h54

César du Meilleur film français

Avec Jean-Pierre Marielle (Sainte Colombe), Gérard Depardieu (Marin Marais âgé), Guillaume Depardieu (Marin Marais jeune), Anne Brochet (Madeleine), Caroline Sihol (Mme de Sainte Colombe), Carole Richert (Toinette), Michel Bouquet (Baugin), Yves Gasc (Caignet)

Synopsis : L'histoire de M. de Sainte Colombe, hommefarouche et sombre, grand maitre de la viole de gambe et professeur de MarinMarais, prestigieux musicien de Louis XIV.

7 prix remportés :

- César des Meilleurs costumes (Corinne Jorry)

- César du Meilleur son (Pierre Verany, Pierre Gamet, GérardLamps, Anne Lecampion)

- César de la Meilleure photographie (Yves Angelo)

- César de la Meilleure musique écrite pour un film (JordiSavall)

- César du Meilleur réalisateur (Alain Corneau)

- César du Meilleur film français de l'année (Alain Corneau)

- César de la Meilleure actrice dans un second rôle (AnneBrochet)

Scénario : Pascal Quignard et Alain Corneau, d’après le roman de Pascal Quignard
Photographie : Yves Angelo
Décors : Bernard Vezat
Costumes : Corinne Jorry
Montage : Marie-Josèphe Yoyotte
Musique : Marin Marais (Improvisation sur les folies d’Espagne, L’Arabesque, Le Badinage, La Rêveuse, La Sonnerie de Sainte-Geneviève du Mont de Paris) ; Sainte Colombe (Les Pleurs, Gavone du Tendre, Le Retour) ; Jean-Baptiste Lully (Marche pour la cérémonie des Turcs) ; François Couperin (Leçons de ténèbres : Troisième leçon) ; Jordi Savall (Prélude pour Monsieur Vauquelin, Une jeune fillette, Fantaisie en mi mineur), musique dirigée et interprétée par Jordi Savall

lire le dossier complet du CNDP

Notre débat :

Surprenante intensité et profondeur du débat ce vendredi .Marin Marais au restaurant social, un défi. Surtout dans une esthétiquequasi orientale et étonnante de Alain Corneau ( une place laisser au vide, au cadre fixe, à la lenteur) qui se démarque de ses autres films. Surprenant, la façon dont chacun et chacune l'a alimenté avec un regardcomplémentaire et chaque fois juste.Venant confirmer les intentions du réalisateur, du directeur de la photo, et l'implication des acteurs dans ce qu'ils en ont livré par la suite.

Anne-Marie

La musique, l'amour aussi....
peut-on résister, comment résister à la perte de l'être aimé--par la mort ou le délaissement.....à la perte de l'enfant qui n'a pas encore vécu...se pendre ou s'immerger dans la musique au plus sensible de soi...
la musique, les dialogues, la splendeur des images et l'intensité des comédiens...quel film !!!

Alain

J'étais encore trop dans la tonalité de "La rose pourpre du Caire" de WoodyAllen vu la veille pour rentrer dans lefilm. C'est complètement opposé. Woody Allen aurait pris le parti de MarinMarais, aurait poussé sa vanité jusqu'au paroxysme, en aurait fait la véritablefigure tragique du film. Voilà pourquoiGérard Depardieu en folle à perruque décatie mise en scène par Corneau m'a faitrire. Je n'ai pris la critique de la mondanité au sérieux.

Il manque del'épaisseur dans la construction du personnage de Marin Marais et parconséquent dans la dialectique qui oppose et rassemble les deux personnages dumaitre et de l'élève. Le film tourne plus sur le personnage de Boiscolombe, quiaspire tout autour de lui comme un trou noir. Très bonne interprétation deJean-Pierre Marielle que Corneau révèle.

Je préfèrerai que le sombre ressorte de la lumière plutôtque la lumière du sombre. Il y a commeune pause dans la peinture du sombre de la douleur (un apitoiement, unecomplaisance ?) dans ce film - que ce soit l'ombre le noir, au niveau plastiqueou existentiel. L'évocation de la revenante, son attachement à elle n'est passuffisant. Je n'y adhère pas. Même si j'en reconnais la mélancolie.

Georges :

La musique transforme la douleur en souffrance. On lacultive dans cette proximité où tout écart est condamnable sous lesregistres de l' hérésie, de la la vanité, de la mondanité. Tout écart c'est àdire toute distraction. (Qu'on pense à Pascal). Étrange paradoxe que cette spatialisation serrée, de cejeu sans jeu où tout est rigueur et nécessité. Art supérieur à l'art qui nesouffre d'aucune inscription ou répétition autre que l'immanence pure de sa donation. Mystique où Dieu est la présence de l'absente. Lamusique soigne, s'établissant en crypte sous l'allégorie du beau pavillon debois de sa grande solitude. Hommage depuis un temps cristallisé, à l'espace,qui ne souffre d'aucunes variations e ne cesse de se reconduire. Souffrancechère et précieuse. Longs sanglots de la viole. L'ombre lumineuse de l'errantenous hante. On ne sait d'elle, que son attachement qui fait bloc. Dans son retrait extrême, à cause delui, cet attachement ne cesse de se répandre depuis le pavillon à la maison, dela maison à Versailles, et du 17ième jusqu'à nous.

17 juin-Wall-E

2011-06-23T13:53:00.000+02:00

Réalisé par Andrew Stanton 2008

Film d'Animation

Durée : 01h37

Oscar du Meilleur film d'animation

Résumé:

Faites la connaissance de WALL-E (prononcez "Walli") : WALL-E est le dernier être sur Terre et s'avère être un... petit robot ! 700 ans plus tôt, l'humanité a déserté notre planète laissant à cette incroyable petite machine le soin de nettoyer la Terre. Mais au bout de ces longues années, WALL-E a développé un petit défaut technique : une forte personnalité. Extrêmement curieux, très indiscret, il est surtout un peu trop seul...

Cependant, sa vie s'apprête à être bouleversée avec l'arrivée d'une petite "robote", bien carénée et prénommée EVE. Tombant instantanément et éperdument amoureux d'elle, WALL-E va tout mettre en oeuvre pour la séduire. Et lorsqu'EVE est rappelée dans l'espace pour y terminer sa mission, WALL-E n'hésite pas un seul instant : il se lance à sa poursuite... Hors de question pour lui de laisser passer le seul amour de sa vie... Pour être à ses côtés, il est prêt à aller au bout de l'univers et vivre la plus fantastique des aventures !

En savoir plus sur le film (le dossier très complet de Wikipédia ICI)

vendredi 10 juin -Vicky,Cristina,Barcelona

2011-05-27T13:53:00.001+02:00

Vicky, Cristina, Barcelona

Réalisé par Woody Allen 2008

Avec Scarlett Johansson, Rebecca Hall, Javier Bardem

Comédie

Durée : 01h37min

Oscar de la Meilleure actrice dans un second rôle : Oscars / Academy Awards 2009

Résumé :
Vicky et Cristina sont d'excellentes amies, avec des visions diamétralement opposées de l'amour : la première est une femme de raison, fiancée à un jeune homme respectable ; la seconde, une créature d'instincts, dénuée d'inhibitions et perpétuellement à la recherche de nouvelles expériences sexuelles et passionnelles.

Un soir, dans une galerie d'art, Cristina "flashe" pour le peintre Juan Antonio, bel homme à la sensualité provocante...

Le débat : " de la légèreté au cinéma et dans nos vies ? "

Commentaires après le débat.

Nous serons ce coup-ci sobre et léger pour rapporter un débat qui fut néanmoins animé.
le film est une très bonne surprise pour certains. Christian y a vu un rapport avec l'agencement de la sexualité chez François "Truffaut" dans "L'homme qui aimait les femmes".

Nous avons cependant refusé de faire un lien entre la vie de Woody Allen et celle de ses personnages.

Nous avons vérifié remarqué, comme bien souvent, que la (bonne) comédie est proche de la tragédie.
Des parallèles à faire avec le dernier du maître : "Minuit à Paris" en ce moment sur nos écrans.

Nous sommes encouragés à recommencer

vendredi 3 juin-Le dernier pour la route

2011-05-25T12:14:00.001+02:00

Le dernier pour la route

Réalisé par Philippe Godeau 2009

Avec François Cluzet, Mélanie Thierry, Michel Vuillermoz,

1h47min

César du Meilleur jeune espoir féminin

Résumé : Hervé, patron d'une agence de presse, décide d'en finir avec l'alcool. Loin de tout et grâce aux autres, il parvient à combattre sa dépendance, en repartant vers une nouvelle vie...

Adapté du roman autobiographique de Hervé Chabalier

Le Dernier pour la route est l'adaptation du roman homonyme de Hervé Chabalier, actuel directeur de l'agence Capa et ancien grand reporter au Nouvel Observateur. Cet ouvrage autobiographique est paru aux éditions Robert Laffont en octobre 2004. " C'est un livre que l'on ressent, qui m'a énormément touché, confie Philippe Godeau. Je l'ai lu comme un roman, très rapidement et, dès le lendemain matin, j'ai appelé pour avoir les droits. Ça m'était déjà arrivé quand j'avais lu " La Mort intime " de Marie de Hennezel. A priori ce ne sont pas des livres évidents à adapter mais pour moi c'était une révélation. "

plus d'infos sur le film : ici

Commentaires sur la dépendance

avant et après la séance

Michèle 30 mai 2011

J'ai calculé : à raison d'une tablette de chocolat par jour à 3 euros, je dépense en moyenne 150 euros par mois pour assouvir ma dépendance. Non, ce n'est pas une blague ! Le chocolat bio et sans une once d'huile de palme coûte assez cher. Et alors, me direz-vous, rien à voir avec l'alcool !!!

Si un peu, quelle stratégie adopter, quelles sont les privations que doivent faire les dépendants pour acheter ce dont ils ont besoin et qui coûte cher. Si on boit une bouteille de vin par jour, si on fume un paquet de clopes par jour ; il faut bien se priver d'autre chose pour les acheter ( je fais exprès abstraction des autres drogues , les illicites). La forme de gêne ; voire honte ; à acheter le stock au magasin que cela peut procurer ? Changer de magasin régulièrement; faire acheter par autrui complice ???

Je pense à un monsieur que je croise chaque matin en allant au travail. Gueule cassée, bouche édentée, homme sans âge mais qu'on devine encore jeune. Sur son vieux vélo qu'il conduit avec maladresse, brinqueballent des bouteilles cachées dans une sacoche solidement attachée au porte-bagage. C'est comme un rite ; je sais l'heure qu'il est en le croisant. Cet homme mal fagoté à l'air triste, je sais, je sens qu'il souffre d'alcoolisme et je me projette le film de sa vie, la descente vers la solitude, la perte d'emploi et la vie tournée uniquement vers l'achat de ses bouteilles dès l'ouverture du magasin ; croyant peut-être échapper au regard d'autrui. J'imagine ses journées à glouglouter, ses réveils pâteux et chaque jour identiques. Tous les matins, nos regards se croisent. Pas un mot . S'il savait que j'ai envie de le serrer dans mes bras; juste pour lui signifier que je pense à lui ; que je ne sais pas ce que c'est d'être alcoolique mais que je compatis et que le jour où je ne le verrai plus, il me manquera ; je serai triste car je penserai qu'il est mort ou à l'hôpital à force de s'être détruit lentement et patiemment.

Alors pour sortir de la dépendance, il faut peut-être commencer à ouvrir le dialogue ; de part et d'autre ? Je ne sais pas....

Monique

Je ne peux que réagir à ta version "pauvre alcoolo, descente aux enfers..." (avec ton chocolat, tu fais du mal à ton porte-monnaie et à ton foie éventuellement mais c'est tout...) Ton cycliste alcoolo passe peut-être aussi ses soirées à mettre des roustes à sa conjointe et à ses enfants (non, ce n'est pas du Zola...)... Alors, vraiment, est-ce que tu aurais envie de le prendre dans tes bras ????

Si je comprends le principe de la dépendance à n'importe quoi, j'ai parfois du mal quand même à m'apitoyer...

Michèle

C'est vrai que je n'ai pas pensé au fait que cet homme pouvait être un violent envers sa famille ; peut-être tout simplement parce que je pense qu'il est d'abord violent envers lui-même en s'alcoolisant. Certes, cela peut sembler cliché cette description mais elle est le reflet d'une réalité. Une réalité que j'ai côtoyée dans un ancien travail. Je sais aussi que ton scénario n'est pas un cliché et une image "à la Zola". Je pense tout de même qu'il n'est pas nécessaire d'être alcoolique pour taper sa femme et ses gosses; bon nombre d'hommes sont violents sans être des poivrots ; la violence conjugale se niche dans tous les milieux sociaux et je refuse qu'elle soit attribuée au prolétariat et aux mecs qui s'enivrent. Là, c'est un cliché. Il y a des alcooliques très doux avec leurs enfants et leur femme, crois-moi ; infiniment gentils mais simplement malades et désolés d'être malades car l'alcoolisme est aussi une maladie. Alors, tu vois, même si je te choque ; je persiste et signe : même si cet homme tapait sa femme ; je le prendrai dans mes bras ; cela ne m'empêcherait pas de condamner son attitude envers elle et de prendre cette femmes et les enfants dans mes bras aussi.

Pour casser une idée reçue : quand j'intervenais en maison d'arrêt, un jour, avec un rire de diable ; une détenue m'a raconté comment elle avait tué son compagnon ; sous l'emprise de l'alcool en lui donnant 15 coups de couteau de cuisine ... Y'a pas que les femmes qui subissent les violences. Cette femme, je l'ai tout de même serrée très fort dans mes bras ce jour-là. Je n'oublie pas la victime mais je l'ai considérée comme victime aussi ; une fois son parcours dévoilé.

Je suis ainsi, je ne pense jamais noir/blanc ; je pense tout et son contraire mais je ne suis pas grise , Hips !!!

Alain, promis on arrête ! On est hors sujet "cinéma"

Marylène

La dépendance à l'alcool et à la cigarette, je l'ai vécue.... Et j'aurais beaucoup de choses à dire. Il y a le gentil alcoolique, mais aussi le méchant qui le devient encore plus sous l'emprise de l'alcool...mais je n'en dirai pas plus. L'addiction au chocolat fait peut-être du mal au porte-monnaie mais n'a jamais détruit une famille....

Patrick

Heureux de retrouver Nantes, et un bon ciné club

Michèle,

Oops, je crois qu'il y a un malentendu. Je crois que je me suis mal exprimée.

Je ne mets pas en parallèle la dépendance au chocolat ou autres sucreries avec la dépendance à l'alcool ; loin de moi cette idée. J'ai juste eu cette réflexion au sujet du coût financier et des moyens mis en oeuvre pour se procurer l'objet du désir ; le produit dont la personne est dépendante. C'est tout ! Je pense bien sûr chère Marylène que je ne mets personne en danger quand je mange ma tablette ; d'ailleurs c'est un plaisir de la manger ; différence de taille avec un réel dépendant qui oublie le plaisir en avalant ses verres d'alcool. Je note simplement que nous sommes tous fragiles plus ou moins face à des diverses formes de dépendances qui nous pendent au nez. J'y inclue le jeu, le travail, le sexe, l'amour aussi etc. Certaines dépendances mettent le dépendant et la structure familiale en danger, c'est certain. Mais je crois que la dépendance est protéiforme quelle qu'elle soit , pour un même produit ou un même " trouble du comportement". Il n' y a pas d'archétype, ça se saurait... ça servirait à aider à guérir d'ailleurs.

Mais je vais cesser car je ne peux pas être présente au débat et que celui proposé par Alain est au sujet de l'alcool, j'ai passé la barrière

Je vous embrasse tous , je suis une coquine belette qui furète ; c'est plus fort que moi !!

Alain

bienvenu les commentaires bien sûr ! on peut sortir du film et de l'esthétique pour débattre d'un sujet qui nous touche!!! Et revenir après sur le film pour voir quel discours il porte sur le sujet en question. En revanche si nous rentrons dans le débat alors il ne faut pas le laisser à distance et voir de quelle manière nous y sommes impliqués. Dans les commentaires ci-dessus chapeau bas

Michèle

Etre sensible à ce sujet dénote notre sensibilité à la dépendance, c'est reconnaître sa fragilité et avouer que quitte à être dépendant, on fait le nécessaire pour s'adonner à une substance plutôt qu'à une autre.

Se dire accro au chocolat ou au tabac, c'est peut-être dire : je suis une accro et je joue au chat à la souris avec d'autres substances qui pourraient détruire ce que j'ai construit et déstabiliser ceux à qui j'ai donné naissance. J'ai toujours couru après la liberté, j'aurais aimé savoir défier et maîtriser les jouissances de l'ivresse. N'étant pas convaincue de ma capacité à savoir maîtriser totalement, je privilégie une certaine mise à distance. Je suis donc un dépendante en puissance ; je trouve.

Marie 30 Mai 2011 - 23:16:10

Intéressant..tous ces commentaires.... heureuse de partager ce film et d'échanger... " SUR. " la dépendance . ce qui veut dire aussi.. "SOUS." la coupe de...sous la puissance de... sous l'empire de....etc....

Claude, (de Turquie ) 31 Mai 2011

UN peu trop loin pour moi ... je risquerais d'etre en retard à la séance .. qui promet d'être tres tres intéressante. De gros bisous à tout le monde.. Le soleil est enfin revenu en turquie.. Mais nous avons essuyé de gros orages .

Alain 31 Mai 2011

La subversion oui la transgression non!

En ce qui me concerne j'ai une allergie aux dépendants et aux alcooliques qui est viscérale - ce n'est pas un euphémisme il faut le prendre au sens premier d'allergie et de viscéral, dont la réaction m'étonne encore, je ne sais pas d'où elle vient :

un jour je suis tombé malade à vomir en discutant avec une femme qui me parlait de son usage du vin, j'ai dû rentrer chez moi, comme si j'avais une crise de foie.

Mais je sais être compréhensif du fait que chacun a son énigme, et que nous ne sommes pas égaux devant l'alcool à tous les niveaux :

Au niveau physiologique certains humains sont programmés pour l'être s'ils s'adonnent à la boisson, c'est génétique et c'est pas moi qui le dit mais des études scientifiques.

Au niveau sociologique par les culture de l'alcool même si cela frappe un peu tous les milieux.

Et au niveau psy... le rapport à la loi la transgression, le respect de soi.

Certains dépendants souvent sont transgressifs, raison pour laquelle je m'entends peu avec cette catégorie assez répandue : ceux-là semblent s'adonner au produit par la complicité avec d'autres relatif à la contestation d'un ordre social : c'est très réactif et pervers.., au sens où ils amènent l'autre dans leur propre logique qui ne souffre pas de contestation.

la vraie complicité n'est pas pour moi l'alliance de deux ou plusieurs personnes par rapport à un Autre. Mais le jeu que nous entretenons directement l'un par rapport à l'autre.

La subversion oui la transgression : est-ce un mot de désordre qui tient la route ?

Alain 31 Mai 2011 - 14:20:11

illustration cinématographique de "La subversion oui la transgression non "

Dans le film "Wall-e" j'ai adoré que Eve la robote des humains-extraterrestres, finisse par devenir complice du robot nettoyeur plein de terre ( allusion aux burlesques), et qu’ils jouent à eux deux les Bonnie and Clyde du cosmos contre le méchant "Auto" (l'oeil de l’ordinateur de la station orbitale équivalent de Hal 900 de Stanley Kubrick).

Et que la consigne qui la programme, celle de capturer une forme de vie pour la ramèner à son chef, se transforme en une nouvelle consigne - celle que Wall-e invente dans son désir d'elle la consigne de se prendre ou se tenir la main. Cette nouvelle consigne valable d'abord pour eux deux, s'étend par contiguïté à tous les humains :

Tout le film et le rapport des deux personnages est fait de cette "con-signe"; de cette "signalétique" devenue commune "con" = "avec" en latin) : leurs expressions sont des formes minimales au niveau de nos émoticones

mais en nombre plus grand et variées (les formes des yeux de la robote blanche ; celles des reflets ou de la profondeur optique des yeux de Wall-e ou encore la variété infinie de leurs expressions sonores, ou de leur mouvements intempestifs et inattendus.

Le climax de ce jeu d'échange de signe étant la danse spatiale dans l'espace, qui dessine un tableau aux yeux éblouis des humains bovides rivés sur leur chaise- longues dans le vaisseau. Et en premier lieu Marie et John qui finissent par se prendre involontairement la main, plutôt que de se parler par écrans interposés. (Une allégorie dans le fond d'ovs).

J’ai aimé leurs jeux d’enfants. Des alcooliques peuvent-ils avoir des jeux d’enfants ? Oui sans doute. Et si on repassait "The party" de Blake Edwards – un réalisateur qui sait de quoi il parle ?

La subversion oui la transgression non!

Michèle 31 mai 16h39

Je sais pour l'avoir lu que génétiquement nous sommes inégaux face à la dépendance. Certains le deviennent plus rapidement que d'autres etc.
L'alcoolisme chez les femmes est encore tabou, il me semble. On dit encore couramment et les femmes plus particulièrement ( curieusement) que " un homme saoul c'est lais mais qu'une femme saoule c'est encore plus laid". Va savoir pourquoi cette idée est répandue, est ce que cela viendrait du fait que la femme est porteuse d'enfants, puis responsable d'eux ? Une femme qui boit est une femme qui se détruit la santé mais se met également hors d'état de s'occuper correctement de sa famille; c'est donc inacceptable.

Pour ce qui est de la transgression, il ne faut pas omettre que transgresser est un mode commun chez l'enfant et plus encore chez l'ado. La transgression en théorie permet de se construire, de prendre mesure des règles et lois et au final; les accepter car comprises puisque testées. ( je schématise bien entendu). Alors, est-ce à dire que les dépendants sont des êtres immatures ?
Il ne faut pas oublier que la prise d'alcool ou de drogues en groupe se fait le plus souvent ados justement, comme un rite de passage. Pourquoi certains en restent à ce système de communion- communication ? Les gènes ou une absence d'évolution mentale ?
S'il n' y avait pas de loi, il n'y aurait pas de transgression, on est bien d'accord. Que dire du bon vieux café à la française où les alcooliques se retrouvent entre frères et soeurs de boisson. Pour quelques heures ils sont ensemble, ils se comprennent, se soutiennent et s'entraident aussi. Liens forts et fragiles à la fois car une fois bourrés, ils sont face à eux-mêmes et même s'ils peuvent supposer que le copain de bistrot pourrait aider à quoi que ce soit : rentrer à la maison, faire les courses etc. Ce n'est pas certains car ils savent qu'eux-mêmes ne sont pas fiables , une fois pris dans le tourbillon de l'ivresse et acceptent que les autres sont pareils.Que dire du fait de se mettre hors la loi et s'en foutre comme d'une guigne des conséquences en sortant du café, prendre la voiture ou se battre dans la rue ou se mettre à poil dans la rue ? C'est répréhensible mais ils s'en fichent visiblement, ils oublient en tout cas, peut-être qu'ils se croient au dessus? Invincibles ? Alors, cela s'appelle défi.

Alain 03 Juin 2011

Merci à vous tous et toutes, ce fut bel et bon de vous revoir et d'échanger..

et à quand cette soirée sans alccool ?!!

Patrick 03 Juin 2011

Un film moyen, mais qui à le mérite de mettre à plat le problème de l'addiction, la fragilité de "l'humain", car nous ne sommes pas tous égaux devant les drogues !

Malgré le peu d participants, les échanges furent fructueux.

Partant pour une soirée sans alcool

Patrick

Alain 04 Juin 2011

Je me souviendrai longtemps du "chien fumeur".

J'ai aimé ce témoignage de Patrick, chaleureux direct, droit au but d'une expérience de l'arrêt du tabac.Un avantage à double détente c'est d'amener des paroles à partir des images. Mais aussi de créer des images dans les mots.

J'ai aimé dans le film cette phrase qui m'a paru en l'entendant après la simulation avec celui qui incite à faire boire au restaurant son copain : " personne ne peut nous protéger à notre place. Il ne faut pas compter sur les autres pour le faire".

J'ai aimé aussi quand Hervé revient chercher Pierre dans le bar où il vient de rechuter. Et qu'il lui dit ce nom en araméen ou langage moyen-oriental ancien?

C'est mot qui vient pour lui faire autorité.

L'autorité est une drôle de chose. Je ne la comprends pas. Elle est en chacun. Chacun est capable de la soutenir et de l'imposer. Il y aune autorité propre aux être humains - même chez les enfants. Mais aussi une autorité chez les animaux. Le moment où on dit "stop", "non". Cela vient s'imposer du plus profond.

vendredi 27 Mai Les moissons du ciel

2011-05-24T18:07:00.011+02:00

Réalisé par Terence Malick en 1978

Durée : 01h33

Avec : Richard Gere, Brooke Adams, Sam Shepard

Directeur de la photographie : Néstor Almendros

Résumé :
En 1916, Bill, ouvrier dans une fonderie, sa petite amie Abby et sa sœur Linda quittent Chicago pour faire les moissons au Texas. Voyant là l'opportunité de sortir de la misère, Bill pousse Abby à céder aux avances d'un riche fermier, qu'ils savent atteint d'une maladie incurable. Mais Abby finit par tomber amoureuse du fermier, ce qui déjoue les plans de Bill…

(photo Didier Protin)

Continuons le débat :

Mythe et Malick : Qui est ce Malick ?
avant de voir "The Tree of life"

Vous êtes les bienvenu(e)s pour partager cet échange

La critique :

Splendeur plastique et planante, Les Moissons du ciel, de Terrence Malick, resurgit des limbes seventies du cinéma. Avare de dialogues, le film fut un échec commercial qui plongea le réalisateur dans une retraite de vingt ans. Il contient pourtant déjà ce qui fera la beauté de La Ligne rouge ou du Nouveau Monde..../...
lire toute la critique des inrocks ICI

Commentaires :

Michèle 26 Mai

C'est du bel ouvrage ce film, je trouve et cette programmation colle à l'actualité cinématographique.

Cannes m'entends-tu ? Me vois-tu ? Je mets mes lunettes et je cours bouffer avidement les images ! Sans rire, je serai bien venue moi !

Alain 26 Mai 2011

Le ciel depuis une heure quand on regarde sur la perspective de l'Erdre, c'est comme un paysage américain!!

Jai lu "Le Colosse de Maroussi" en pensant que le petit amphithéâtre romain à ciel ouvert de mon enfance, était celui grandiose d'Epidaure. Des gradins, Des cigales et des pins. Ce sont les peintres qui font la nature.

Et Nestor Almendros qui a fait la photo des moissons du ciel, j'ai une affection spéciale pour lui.

Je lis sa bio à l'instant et j'apprends qu'il avait une orientation homo (il est mort du sida en 1992). Il a remporté l'oscart de la meilleure photo pour les moissons du ciel mais aussi récompensé pour "Le dernier métro" de Truffaut.

Par ailleurs Il s'est fait remplacer les dernier jours du tournage des "moissons du ciel " car il s'était engagé auprès de Truffaut pour "L'homme qui aimait les femmes"

Michèle 26 Mai 2011

Alain, Il me semble me souvenir avoir lu quelque part que ce photographe avait de graves problèmes de vue, c'est vrai ?

Alain 26 Mai 2011

Néstor Almendros était en fait en train de perdre la vue au moment où le tournage débuta, et pour choisir ses cadrages, « il faisait prendre par un de ses assistants des photos au Polaroid de la scène, qu'il examinait ensuite à travers ses épais verres de lunettes. »

Almendros raconte que Malick voulait « un film très visuel, où l'intrigue serait dévoilée par les images elle-mêmes. Très peu de gens veulent vraiment donner cette priorité-là à l'image. D'habitude le réalisateur donne la priorité aux acteurs et à l'intrigue, mais ici l'intrigue est racontée visuellement » (dans "Un homme à la camera").

Anne-Marie 27 Mai 2011

Ce sont les images des « moissons du ciel » que j’ai vu au Concorde l’été dernier qui m’ont conduites vers Nestor Almendros, j’ai vu cette semaine « tree of life », les images envoutantes ou aigües, splendides qui m’ont comme trop nourrie et presque gênée—je n’ai pas pensé que c’était un volonté délibérée du réalisateur—m’interrogent à nouveau sur le dialogue réalisateur/chef(s) opérateur(s), sur le comment et pourquoi on elles sont proposées/imposées au spectateur. …Enfin je suppose que c’est le b.a.ba du cinéma n’est ce pas ?

Qu’est ce que peindre ou voir quand on est presque aveugle c’est aussi un beau sujet de réflexion…

Alain 27 Mai 2011

Certains réalisateurs sont plus "plastique" que d'autres, plus peintres.

Tandis que d'autres sont plus dans l'adaptation, d'autres la direction d'acteurs et la dramaturgie (Renoir) Ou bien dans la stylistique - montage et raccords (O. Welles). Ou encore dans la musique (Kubrick).

Je trouve que c'est un signe que le metteur en scène de théâtre Bob Wilson joue dans "les moissons du ciel". Bob Wilson a dépouillé le théâtre du texte, au profit de la mise en scène de l 'espace, c'est un cas extrême du théâtre. Serge Kaganski des Inrtrocks (voir le lien plus haut, écrit à prpos des Moissons : "Malick privilégiait les plans d’ensemble, réduisait les dialogues au strict minimum, s’intéressait davantage à la communauté et à l’humain resitué dans son vaste environnement qu’aux individus. On peut comprendre que Gere ait pu se sentir délaissé. Malick envisageait les acteurs comme les rouages d’un ballet plutôt que comme des personnages à creuser. "

C'est un des cas extrême du cinéma ? Faut pas exagérer! il y a bien d'autres réalisateurs qui sont sur la limite d'un art qui est comme l'opéra un art total, c'est à dire à la charnière au croisement de plusieurs autres arts : la musique, le théâtre, la photographie, la littérature, l'architecture. certains sont plus auditifs plus musicaux etc, Malick lui-même est un photographe. (c'est ce que dit Almendros)

pour finir avec les Inrocks

"Malick a plus de mal à donner épaisseur et chair à ses personnages, comme à leurs relations et rapports de force. En même temps, on ne peut s’empêcher de penser que cette distanciation (soulignée par la voix off, motif récurrent chez Malick), cette façon de ne pas surligner un scénario tracé en pointillés ou de dessiner un personnage en deux coups de crayon relevaient de la volonté du réalisateur, que cette évanescence du récit définissait son style et sa modernité".

B comme Boisson - l' alcool au cinéma et dans nos vie

2011-05-08T13:33:00.000+02:00

B comme boisson

Quand Deleuze s'invite au restaurant social
(extrait de l'abécédaire par Claire Parnet)

ira-ton jusqu'au "C" du mot de culture
où l'on voit Gilles sortir son révolver

Extrait de "La mort aux trousses"
extrait de 15 mn où l'on voit Gary Grant se faire mettre (minable)
Alfred Hitchcock qui aimait les femmes aimait-il boire ?

On se posera la question à propos de l'alcool :
on y va tout seul ou à plusieurs

"Charlot fait une cure" 30mn
Même question pour l'ami universel
De l'ordre établi il ne se laisse pas faire

"Jour de fête" de Tati
Un petit dernier extrait (pour la route)
Avec mon gaillard "Franssouai" le facteur.

pour finir sur une note burlesque
à propos d'un syndrome tragique

Borat

2011-05-02T15:01:00.005+02:00

Comédie réalisée par Larry Charles en 2005

Durée : 01h30

Meilleur acteur dans une comédie ou une comédie musicale : Golden Globes 2007

Résumé :

Borat, reporter kazakh, est envoyé aux Etats-Unis par la télévision de son pays pour y tourner un reportage sur le mode de vie de cette nation vénérée comme un modèle. Au cours de son périple, il rencontre de vraies personnes dans des situations authentiques, avec les conséquences les plus incroyables. Son comportement à contre-courant provoque les réactions les plus diverses, et révèle les préjugés et les dessous de la société américaine. Aucun sujet n'échappera à sa soif d'apprendre, même les plus extrêmes. Un vrai choc des cultures..

Critique :

La rigoureuse enquête menée sur place le confirme : la provocation est énorme, la farce aussi, et le dindon de celle-ci est autant l'Amérique que le Kazakhstan, puisque Borat, ce sont les Lettres Persanes revues et corrigées par MTV. (Jean-Philippe Tessé, Cahiers du Cinéma ).

Débat : Jusqu'où peut-on aller dans la provoc ?

Vous pouvez laisser votre commentaire en cliquant ICI

Avant le film

Patrick

Borat, Dans le genre déjanté, on ne peut faire mieux.

Claude :

A la question : jusqu'où peut-on aller dans la provoc ?

réponse juqu'au bout... voire même plus !!!

Alain :

Un problème est vrai quand il atteint la dimension d'un paradoxe :

L'avantage de la provocation c'est qu'elle est contestation sans confrontation, c'est ce qui fait son avantage. A contrario sur l'autre versant, dés lors que la provocation fuit la confrontation, n'est-elle pas dans son isolement conduite à s'enfermer dans une logique autiste ?

C'est le paradoxe du dandy - ou son énigme - quii réside bien dans ce qui peut ou pas se partager dans sa provocation (et se discuter ou être repris sous une forme ou une autre. Mais peut-on creuser dans la provocation, ou bien n'en reste ton qu'à une vue superficielle, une attitude - autrement dit dans le spectacle de la contestation ? Moins radical que l'humour Hara kiri, l'humour pompier! Le mauvais goût est-il en soi une provocation ?

Claude :

Je dirais "oui" , ça dépend s'il est conscient de sa laideur et si autistiquement, il sait la partager avec les autres, ce qui , on en conviendra, est carrément paradoxal, nobobstant !! plus radical certes, mais plus à gauche aussi

Alain

Intéressant, il faut venir nous en faire la provocation

Anne-Marie

La provocation est-elle une faute de goût ou l'un des beaux-arts comme l'assassinat?

Alain

Tuer le stéréotype en l'érigeant en modèle ? - la défense de Khadafi par Dieudonné; la provoc est-elle dissimulatrice ou révélatrice ? Ben on dirait qu'on va se poiler roux !!!

Claude

Diieudonné est pour moi loin d'être un modèle de provocation..; qd le message est trouble, celle-ci perd de son sel et ça devient de la soupe.. comme de pisser sur Jésus..; pour moi que du pipi de chat de pseudo-artiste bien névrosé si ce n'est pire !!

Commentaires après le film

Anne-Marie

Ce que j’ai trouvé de plus réussi dans le film c’est l’aspect en creux de la provocation : mon agacement devant les répétitions, un certain ennui et un sentiment de laideur…(oui oui je sais je vais mettre des guillemets)…mais cela ne m’a pas empêchée de rire et d’apprécier des moments forts comme la rencontre avec les Pentecôtistes……

et puis les échanges qui ont suivis. Et à la proposition « on ne va jamais trop loin dans la provoc », je ne sais toujours pas répondre !!!!

Alain

La rencontre avec les jeunes du camping-car fait froid dans le dos. D'autant qu'elle n'est pas simulée. La séquence du rodéo de même- pour moi d'anthologie, mais je pense qu'elle est préparée calculée (le lynchage n'est pas loin).

Faire ressortir la Bêtise crasse c'est pas mal; au quotidien nous avons trop tendance à la prendre au sérieux, à ne pas pouvoir la mettre à distance, là c'est la mis à distance au bazooka. Le nationalisme dans l'ambiance des matchs de foot en France et ailleurs c'est pas mal non plus.

Pas d’ambiguïté selon moi dans le film, même si effectivement il y a de l'irrespect, de l'irrévérence.

J'ai bien aimé ce débat où chacun a su apporter un angle nouveau. Bien aimé la référence à Laurel et Hardy, pour la séquence de la bataille entre le producteur et son ami journaliste Borat en particulier. Je ne sais pas pourquoi je trouve que l'ours contribue aussi à cet univers.

Sur le thème du provocateur : "Lenny" de Bob Fosse avec Dustin Hoffman, 1974.

Yvelyne

Borat, un film irritant, voir agressif,à mon sens, mais qui a débouché sur un débat très constructif et intéressant. encore merci à l'organisateur.

Adèle

Merci Alain de m'avoir donné l'occasion de voir ce film dérangeant et provocateur mais oh combien juste par certains aspects. J'ai assisté à une partie du débat, souvent très intéressant.

Anne-Marie

Provoquer pour choquer n’est pas difficile, provoquer pour dénoncer demande du talent. Perso, je trouve plus efficace la provocation qui côtoie la réalité que le grand guignol….encore que…les outrances de Buñuel m’ont tellement réjouie

Et, Alain, la provocation aurait- elle pu aller jusqu’à l’ambigüité du message ?

Je n’ai pas vu le film de Bob Fosse mais « cauchemar blanc » est un court métrage de M. Kassovitz de 1991 inspiré d’une BD de Moebius. télescopage...à suivre

Alain

Borat construit Sa réalité à partir de celle des autres, de la culture américaine ou des événements sur son passage comme Buster Keaton peut le faire. (Cette façon de traverser le monde dans sa bulle est un trait universel, preuve en est que exposé par les burlesques il nous fait tous rire). Là où le film pour moi fait mouche c'est quand on filme en pur documentaire quasi sans distance l'intérieur de la famille juive. Je me suis demandé si c'était l’univers familial de Sacha baron Cohen sachant qui est cependant resté fidèle à la culture juive. C'est tout à la fois corrosif et tendre.

Sur la question : la provocation aurait- elle pu aller jusqu’à l’ambiguïté du message ?

Réflexion en cours : la provocation une énonciation dont les énoncés sont les stéréotypes, les codes, les valeurs, les icônes de la culture ambiante.

Deux conditions pour avoir affaire à de la grande provocation : des énoncés - un contenu du message - ambigus mais une énonciation claire. C'est comme à proportion. Iil s'agit d'exprimer l’ambiguïté de notre réalité humaine, dans notre contexte de société. Plus l’ambiguïté du message est grande, plus l'énonciation (de l'acte ou de la parole de provocation) est claire. On a besoin de plonger dans l’ambiguïté pour qu’une clarté en ressorte, qui est justement celle de l’énonciation.

Le trouble est en ceci que nous ne savons pas si c’est du lard ou cochon quelquefois. Enoncé ou énonciation : c'est le jeu. C'est-à-dire si nous collons aux énoncés. Le rire est cette façon de s’en décoller, c’est dire de ne pas croire à la réalité auquel il renvoie, car les énoncés existent aussi par la séduction nécessaire à leur colportage. La confession publique de Borat chez les baptistes en montre l’envers : cette séduction est de fait une imposition. Celle-ci n’est possible que par un rapport de domination. la croyance est l'intériorisation de cette domination. Aucun discours n'échappe à ça. Heureusement sans quoi nous ne pourrions pas habiter collectivement dans une réalité acceptée par tous. Mais dont le consensus est éminemment contesté par nos chers provocateurs - à raison.

Anonyme :

Il semble que dans le film, le rire se cale sur la farce et se coince sur la violence des comportements, on ne rit pas par exemple quand il est manifeste que la famille wasp ne saurait tolérer à sa table une prostituée afro-américaine, ni dans la caravane du camping , ni lors de la scène du début –le lâcher de Juifs--……….

Si la provocation est dans la mise en cause ou le détournement par l’énonciation d’un énoncé (considéré comme faux, caricatural, absurde, malveillant, choquant ou simplement conformiste) la caractéristique de cet énoncé est-elle claire et équivalente pour tout le monde ?

Quand quelqu’un demande aujourd’hui 7 mai en pleine commémoration de l’esclavage s’il y a des esclaves au marché de la petite Hollande comment faut-il l’entendre ?

Alain

Bien vu je trouve la différence entre la farce et la violence des comportements.

Si la provocation ne donne pas dans l'attendu elle prend à revers le consensus du code social déjà existant. Il y un langage commun pour qu'elle soit possible. La provocation déplace le code(dans ce qu'il a de convenu, le stéréotype, le consensus) le fait ripper. Il y a deux faces il me semble dans le code social. Une face utile et une face noire opaque qui justement peut laisser la place a de l’ambiguïté. Une face où la pseudo naturalité" normalité n'est pas interrogée en tant que telle par commodité, ou bien lâcheté. On se réfugie on efface nos aspérités derrière ces convenances.

Pour le marché de la petite Hollande et ses esclaves je ne connais pas le contexte. J'entends ceci dans mon ignorance : que c'est bien beau les commémorations, mais que pendant qu'on se donne bonne conscience il y a encore de l'exploitation, de la domination, des rapports de classes, même si les classes sont plus difficiles à circonscrire qu'avant. Que les noirs ou même les arabes d'hier sont les rom, les sans papiers d'aujourd'hui.

Si cela veut dire que les maghrébins français sont dans une situation inégalitaires, l'énoncé pour moi ne porterait pas parce que ce n'est pas de l'esclavage. Il doit y avoir forcément quelque chose dans la provocation, une vérité qui en ressort au bon endroit, sur le bon plan. C'est ça la précision de l'énonciation.

L'intérêt que je lui accorde : celle de me déstabiliser dans mes habitudes et non pas de me manipuler au nom de valeurs elles-mêmes convenues par ailleurs.

Quand Jean-Marie Le Pen fait ses provocations on voit comme on disait avant d'où il parle c'est d'avance convenu. Alors qu'un bon provocateur frappe un minimum dans l'inattendu.

Annemarie

Si l’énoncé est tabou et que en tant que tel il suscite séduction / répulsion, l’énonciation aura pour but le dévoilement, la provocation sera d’autant plus efficace qu’elle sera effectivement inattendue, saugrenue, la séduction est là aussi, dans le talent du provocateur qui va rencontrer le goût des interlocuteurs… pour les mots d’esprit ou les images choc …etc…
A qui s’adresse le provocateur ?
Un certain nombre de provocateurs semblent prendre les gens pour des crétins sous prétexte qu’ils n’auraient pas de distance par rapport à leur H/histoire, leur identité, leurs infirmités et maux divers. Il fait rire ceux qui se prennent pour les plus malins et gare à toi si tu ne ris pas !!
La frontière, la crête est difficile à percevoir, une anecdote : je passai Pessah la Pâque juive dans une famille amie, de bonnes choses cuisaient je dis à P. « ne t’approche pas du four » ou quelque chose comme çà… silence glacial…évidemment j’ai repensé à Le Pen et son dura four crématoire. Quel rapport avec Borat ? le commentaire d’Alain sur la partie plus documentaire du film où le personnage se trouve dans la/sa famille…pouce on ne joue plus.

8 mai 2011 09:02

La Sagesse de l'image a dit...

Je suis tombé sur ceci qui donne quelques précisions sur

http://bistrophilo.aceboard.fr/98101-2283-7308-0-Borat-film-provocateur.htm :

Les Israéliens rient de bon coeur à "Borat" Par Aron Heller
JERUSALEM (AP) - Comme des millions de spectateurs dans le monde, les Israéliens se sont pressés dans les salles obscures pour voir "Borat". La comédie satirique du Britannique Sacha Baron Cohen amuse d'autant plus le public israélien que seules les personnes parlant hébreu peuvent comprendre totalement ce que raconte le héros, un faux journaliste kazakh, misogyne et antisémite.

Car peu de spectateurs ont saisi que le personnage principal, Borat Sagdiyev, ne parle ni kazakh ni une sorte de charabia incompréhensible, mais bien hébreu, le langage biblique du peuple juif. Les Israéliens, ou les personnes connaissant l'hébreu, sont donc les seuls à pouvoir saisir toute l'ironie des répliques faussement antisémites et les références culturelles qui jalonnent le film.

"C'est extrêmement drôle et plutôt sympa de se rendre compte que vous comprenez quelque chose que personne d'autre ne comprend", explique Gaby Goldman, 33 ans, de Tel-Aviv. "Ce n'est pas juste le fait qu'il s'exprime en hébreu, mais également la manière dont il parle. On dirait presque un Israélien, il parle comme nous".

De fait, les Israéliens rient dès la scène d'ouverture du film, lorsque Borat quitte sa ville du Kazakhstan pour les "U.S. et A.", expliquant, en faux kazakh, à un homme à qui il manque un bras: "ne t'inquiète pas, je te ramènerai une nouvelle main d'Amérique".

Les sous-titres donnent la traduction directe, mais ils ne sont pas nécessaires en Israël. Ils répètent simplement ce que Borat vient juste de dire dans un hébreu impeccable.

Le film est truffé d'expressions courantes en hébreu et de clins d'oeil à la culture israélienne, que seuls les habitants de l'Etat hébreu peuvent comprendre. Par exemple, dans une scène, Borat chante les paroles d'une chanson populaire hébraïque célèbre, "Koom Bachur Atzel", qui signifie "lève-toi fainéant".

Uri Klein, critique cinéma pour le quotidien israélien "Haaretz", observe que les dialogues en hébreu créent logiquement une proximité avec les spectateurs israéliens. "Nous sommes les seuls à savoir de quoi il parle", résume-t-il.

Toutes ces références s'expliquent par les liens entre Sacha Baron Cohen et Israël. L'acteur britannique, âgé de 35 ans, est juif pratiquant, sa mère est née en Israël et sa grand-mère vit toujours à Haïfa, dans le nord du pays.

Au lycée, il faisait partie d'une association juive sioniste, Habonim Dror, et après avoir eu l'équivalent britannique du baccalauréat, il a passé un an dans un kibboutz (ferme collective) israélien. Depuis, il revient souvent en Israël, il parle couramment hébreu et a une connaissance parfaite de la culture du pays.

Il mange également casher et respecte le shabbat, journée de repos hebdomadaire. Sa fiancée, l'actrice australienne Isla Fisher, s'est convertie au judaïsme.

Sacha Baron Cohen ne s'exprime que très peu sous sa véritable identité dans la presse. Lors de l'un de ces rares entretiens, accordé au magazine "Rolling Stone", il a expliqué qu'il utilisait le personnage de Borat pour démasquer les clichés ancrés en chacun, car "face à ce personnage antisémite, les gens baissent leur garde et dévoilent leurs préjugés".

8 mai 2011 09:16

Annemarie

bravo! beau coup de projecteur!

à dinde dinde et demie cqfd

8 mai 2011 09:48

La Sagesse de l'image .

J’ai envoyé ces réactions israéliennes au film sans avoir lu ton commentaire et ce n'est pas une réponse. J'ai cherché, et toujours pas de réponse à pourquoi le Kazakhstan. Et non un pays imaginaire.

La situation que tu décris (le four) mérite qu'on y réfléchisse. Il y a quand même une instrumentalisation par certaines personnes des communautés ayant subi une répression. Deux choses différentes : une paranoïa conséquence d'un traumatisme réel. Et une manipulation. Dieudonné a dénoncé ceci mais avec justement de l’ambiguïté.
J'ai souvent été taxé de raciste par des magrébins, des noirs etc. qui utilisent ces arguments à l'inverse, on a souvent vécu ça avec toute la mauvaise foi (que je trouve insupportable, là se trouvent mes limites), mais surtout cette assignation au fait que je serais un blanc un chrétien un maître un colonisateur etc. Faut pas déconner !! Je l’ai vécu au moment de la guerre du golfe en particulier où étrangement mes collègues de travail d’origine maghrébine, se sont repliés sur une identité « arabe » quand la coalition occidentale s’est opposée à l’invasion du Koweit par Sadam Hussein. C’était étrange.

Dans le cas du « four » ma réaction c'est : à la fois écouter et ne pas s'y laisser prendre : ce n'est pas notre traumatisme, du moins de la façon où il est intériorisé, car après tout ce même événement peut nous avoir traumatisé à notre façon. Le pen leur a peut-être volé le signifiant four, il s’agit de le récupérer et de lui rendre son innocence. Que je sache ils ne l’ont pas rayé du vocabulaire. Je me demande si le malaise n’est aps venu de la conscience que tu aurais dit un mot de trop ? Et de la perception de leur part de ton malaise. La culpabilité et l’angoisse ont ce pouvoir de franchir les frontières entre soi et l’autre.
Je trouve que le phénomène dit de "double bind" (ordre contradictoire) pourrait peut-être nous aider à sortir de ces pièges. (Le fait de faire rentrer l'autre dans sa propre blessure, et ainsi lui en faire porter la responsabilité quelque part (ça c’est de l’ambiguïté !). Dans cette situation nous savons que la solution idéale c'est d'en parler, de rentrer dans une interlocution. D'aller la chercher même quand c'est difficile, voire l'imposer dans le refus qu’on y oppose en face. (Cette imposition étant de sommer l'autre à discuter alors qu'il s'esquive. On a ainsi deux cas, deux lignes de fuite : celle de ceux qui se sentent « victimes », et celles des provocateurs. C'est difficile : on ne se met pas à poil comme ça : la réaction au signifiant « four » montre des défenses qui se montent. On peut respecter la blessure mais pas les défenses, dés lors que celles-ci nous impliquent dans un mécanisme et une logique qui n'est pas la notre. Sauf à perdre sa liberté, ce qui est le cas dans l'exemple que tu donnes.
Le sujet est lié à de l’énonciation mais aussi à une logique. Cette logique sous-tend une position. Il s ‘agit de savoir si cette logique est à sa place où si elle englobe aussi la place de l’autre.

vendredi 29 avril: "KES"-de-Ken-Loach

2011-04-27T10:40:00.000+02:00

Réalisé par Ken Loach

Avec David Bradley, Colin Welland, Freddie Fletcher

Long-métrage britannique .

Durée : 01h50min Année : 1969

Résumé :

Billy, gamin mal aimé et mauvais élève habite une ville minière du Yorkshire. Un jour, il recueille un jeune faucon qu’il apprivoise et dresse, donnant ainsi un sens nouveau à sa vie.

Critique : Sans attendrissement intempestif, Ken loach porte un regard lucide et honnête sur l’enfance condamnée par un système solaire et social inadapté. Il réalise un beau film aux images simples qui, grâce à sa clairvoyance et à son réalisme, conserve encore toute sa force dénonciatrice et son âcre poésie ; » Claude Bouniq Mercier « Guide des films » coordonné par JeanTulard

Un gamin apprend la fauconnerie comme d'autres le foot ou le rock : pour exister. Reprise du mythique deuxième film de Ken Loach, chef-d'œuvre qui a marqué toute une génération.

A vouloir raconter Kes (1969) deuxième film de Ken Loach comme l'histoire d'un cancre, pauvre et solitaire, qui a pour seul ami un faucon tué à la fin par un frangin abruti, on cède à la tentation, pas du tout légitime, de voir une histoire, un ami et un abruti là où il n'y en a pas. Et une fois qu'on en est là, plus rien ne nous retient d'en parler comme d'un film sur l'enfance, quelque part entre Allemagne, année zéro et Où est la maison de mon ami ? donc, comme d'un chef-d'œuvre. Et on se trompe encore. Kes plaît parce qu'il n'est rien de tout cela, parce que c'est un film modeste qui, d'ailleurs, faiblit dès qu'il commence à vouloir dire quelque chose (critique du système éducatif) ou qu'il fait mine de le dire avec du style (comique, le temps d'un match de foot). Dans un décor qui évoque Verlaine ("Dans l'herbe noire/Les Kobolds vont/Le vent profond/Pleure, on veut croire... Plutôt des bouges/Que des maisons/Quels horizons/De forges rouges !"), le film s'enfonce dans des zones de plus en plus dépressionnaires, se charge d'électricité, sans jamais se résoudre en orage. Tendu, donc, comme le jeune héros Billy, traîne-savates qui ne se rend même pas compte, lorsqu'il traverse la cour de l'école en regardant par terre avec ses vêtements gris élimés et ses cheveux courts, qu'il a l'élégance du punk, avec dix années d'avance. Plus tard, les groupes de rock le sauront pour lui et formuleront ce que ce gamin vraiment pas bavard n'a même pas su penser (qu'il n'avait pas d'avenir et tout ça), occupé qu'il était à se construire un imaginaire, un vocabulaire et une histoire à l'aide d'un rapace. Si, sous sa couche de crasse et d'illettrisme, Billy est tendu et élégant, Loach l'est aussi lorsqu'il traite avec beaucoup de froideur et d'intelligence ce qui l'est généralement sur le mode d'un anthropomorphisme pathétique et infantile. Car ce qui fascine l'enfant, c'est que, en plus d'être un animal altier et solitaire, le rapace est un oiseau silencieux, y compris lorsqu'il vole, se déplaçant "dans une bulle de silence". Dès lors, l'oiseau n'est pour lui ni un objet sur lequel il pourra porter son affection, ni un passe-temps, ni quelque chose dont il pourra faire son métier lorsque l'éducateur social lui demande s'il a un hobby, Billy ne trouve rien à répondre , et encore moins un ami c'est impossible. Le faucon représente quelque chose de beaucoup plus important, bien que pas du tout sentimental : un étendard, l'incarnation de ses utopies, quelque chose qui communique directement avec son inconscient. Ce qu'il aime n'est pas un individu faucon en particulier, mais les rapaces en général, pour leurs attributs de puissance c'est pourquoi il n'a cherché d'autre nom à son animal que celui de sa race : Kes de kestrel (crécerelle). Ce qui l'intéresse est de parvenir à maîtriser cette puissance, par l'apprentissage d'une technique la fauconnerie. Et par la constitution de ce savoir un rien obsolète, Billy est enfin valorisé au sein du groupe : le temps d'un exposé, il existe aux yeux des autres, parce qu'il est devenu une histoire. Construisant par l'intermédiaire d'une technique un objet idéal, Billy fait œuvre d'artiste. Lorsque l'on tue son faucon, il est malade de rage, non pas comme si on avait tué son ami, mais comme si on avait brûlé son premier manuscrit.

vendredi 22 avril Parfum de femme

2011-04-18T13:42:00.000+02:00

Réalisé par Dino Risi 1974
Avec Vittorio Gassman, Agostina Belli, Alessandro Momo
1h43

Prix d'interprétation masculine Cannes 1975
Meilleur film étranger : César 1976

Résumé :
Fausto est un grand amateur de femmes. Il est un bel homme, dans la force de l'âge et vit seul avec sa vieille tante à Turin. Sept ans auparavant, alors capitaine de cavalerie, il a perdu la vue en manipulant une bombe lors des grandes manoeuvres. Il refuse son infirmité et dissimule son amertume sous une agressivité permanente. Bien qu'aveugle, Fausto est capable de deviner la presence des femmes grâce à leur parfum...

ven 15 avril-L'homme-qui-aimait-les-femmes

2011-04-11T11:32:00.004+02:00

L’homme qui aimait les femmes

Réalisé par François Truffaut 1977

Avec Charles Denner, Genevieve Fontanel, Brigitte Fossey

Résumé

Bertrand est autant amoureux des femmes que de l'idée même de la femme. Pour lui, toutes les femmes sont uniques et irremplaçables. Elles sont à la fois l'œuvre de sa vie, son inspiration artistique et la cause de sa mort. Une passion qu'il résume par ces mots : "les jambes de femmes sont des compas qui arpentent le globe terrestre en tous sens, lui donnant son équilibre et son harmonie".

Débat (avant et après le film) :

Alain 11 Avril 2011

La fin du film est marquante Je l'ai "engrammée" depuis la sortie du film jusqu'à présent.

Patrick 12 Avril

J'adore ce film, Charles Denner y est remarquable en homme inquiet, torturé mais "amoureux" du corps de la femme, une quête sans fin (faim)

Alain 12 Avril

le chef op n'oublie pas la nuit américaine. Pour " L'homme qui aimait les femmes" c'est Nestor Almendros (qui a fait aussi la lumière de " L'enfant sauvage" que nous avions passé).

(Et de "Koko le gorille qui parle" par ailleurs de Barbet Shroeder dont nous avons réentendu parler incidemment ce dimanche à propos de droits des animaux).

Natacha 12 Avril

Et les femme qui aime les hommes, on n’en parle jamais !! tro de machauds !!

Alain 12 Avril

Mais c''est une bonne idée !!! (Il y a bien les séries américaines bien connues - mais au cinéma

donc après ce premier pas, nous attendons chère amie, vos propositions : trouver le titre d'un film !!!

Brigitte 12 Avril

Les femmes qui aiment les bêtes :"La Belle et la Bête"?

Claude 13 Avril

Je suis un peu d'accord avec Esmeralda... On ramène trop souvent tout aux hommes.

Il doit être difficile d'en trouver car les cinéastes sont le plus souvent des hommes.

Alain 13 Avril

Des femmes cinéastes il y en a, françaises en particulier. Suffit d''aller y voir.. Par exemple un film primé : "L'amant de lady Chaterley" de Pascale Ferran. Si ça ne parle pas de regard féminin sur les hommes...!!!. ( d'après D.H Lawrence un auteur à relire du point de vue des rapport hommes femmes et de la sexualité. Du point de vue de "la parité". Si on entend dans ce mot non pas l'égalitarisme de principe, mais la situation d'un homme et une femme qui cheminent côte à côte, comme à égalité.

Michèle 13 Avril

En vrac, Barbara Loden avec son unique film Wanda. Anne–Marie Miéville, la compagne de Godard, Yannick Bellon, Chantal Ackerman, Agnès Varda, Claire Denis, Coline Serreau etc. Et puis Catherine Breillat qui explore la sexualité féminine, qui choque car elle frise la pornographie et peut même faire penser que cette sexualité peut être soumise. Je me souviens qu’un film de femme a été censuré en 1974 ou 75… Le M.L.A.C avait défilé pour le soutenir et il y avait à Paris des séances sauvages

Pour ne pas conclure, le cinéma est le reflet de notre société et qui dit film réalisé et écrit par une femme n’est pas gage de parité ou de militantisme féministe ; à mon avis. Ce serait trop fastoche !

En effet, qu'y a t'il de commun entre un film de Serreau et Varda (époustouflant " sans toit ni loi" avec un film de Sophie Marceau ( c'est le nom qui m'arrive sous les doigts...), mis à part que ce sont des films faits par des femmes ???? Je vous le demande... Le jour où on ne se posera plus la question si c'est un film de femme ou d'homme; là ce sera un beau jour !

Bises d'une femme qui se prend parfois pour un homme ou une belette

Alain 13 Avril

Merci Michèle pour les références : "une vraie jeune fille" de Catherine Breillat n'est pas piqué de l'escargot : provocateur, innocent, pervers - Eros et Thanatos. Informé à mon avis par les grands subversifs masculins comme Bataille, Sade, Bunel et les surréalistes.

Anne-Marie, 13 Avril

Puisque les commentaires d' avant le film s'écrivent je dirais que mon souvenir de ce film-là de Truffaut est que des amours passionnées,éphémères, espiègles ou déjantées qui se sont éteintes il reste une douceur--ni regret, ni chagrin, ni colère--un frôlement

que sera vendredi ????

Anne-Marie, 13 Avril

Michèle ! quel commentaire qui fait tournebouler les images

si je dois en choisir une c'est Claire Denis droit au coeur et au corps

Claude 14 Avril

Tout est autorisé et tout est interdit, Loup, ça dépende de quel coté de la Loi, on se déplace !!!

Certes, je rejoints la belette. Une société patriarcale ne peut laisser que peu de place à l'expression de l'énergie Yin et celle-ci se complait trop souvent ds le désir mâle. Ce n'est pas pour rien que les Divas style Jeanne d’Arc avaient pas mal de Yang en elles et que Jeanne a du se déguiser pour devenir Papesse !!

Mais de bons films féminins aussi : "Sex is comedy" ... mes références en 7ème art sont un peu limitées...

Alain 14 Avril 2011

Catherine Breillat dans "Sex is comedy" travaille sur la question du voir, entre voyeurisme et exhibitionnisme. Elle associe le jeu de la camera à l'acte d'amour, s'inclut dans son propre travail en décalage d'elle-même. Elle fait de l’ambiguïté une matière à explorer. Son actrice Roxane Mesquida (3 ou 4 films de Breillat) joue des personnages qui révèle leur ambiguïté. La question de la jouissance n'est pas facile à cerner, Breillat a tenté de le faire souvent et avec ce film en particulier.

La jouissance n'est pas séparable du plaisir de voir jouir l'autre. Et peut-être de voir qu'un autre prend plaisir à la jouissance. Le fantasme révèle que nous jouissons peut-être dans ( ou de) la jouissance d'un autre.

Jean Renoir dans "Partie de campagne" investit le sujet de façon magistrale bien avant Breillat . (Je renvoie aux commentaires sur le blog "Partie de campagne", que nous avons écrit collectivement :

http://partiedecampagne.blogspot.com/2011/02/la-jouissance-cinema.html.

Anne-Marie 14 Avril

Dans " la Femme tatouée" c'est la jouissance qui enchante la peau et qui permet au tatoueur la plus belle réalisation

Alain 14 Avril

Cela me rappelle "The pillow book" de Peter Greeneway.

En moins tordu

Claude, 15 Avril 2011 - 05:36:08

Je n'ai pas vu tout à fait les mêmes choses que toi dans ce film... Je trouve qu'il posait plus le dilemme de faire l'acte d'amour sans amour voir pire en se détestant allégrement...

Alain 15 Avril -

D'accord, j'ai vu ce film à sa sortie (Sex is comedy je suppose -) il y a quasiment 10 ans. Ma mémoire est infidèle mais je l'aime

Est-ce que cela ne t'intéresserait pas d'en faire la présentation au cinéclub ? et qu'on en discute ensemble au final ? . (Faut trouver le support toutefois).

Car les débats sur la sexualité largement insatisfaisant.

Par exemple on ne sait pas si les renards lisent le journal pendant leur coït C'est un peu comme si on débattait sur la nature humaine : il y tellement d'expérience différentes sous un seul phénomène.

Michèle 15 Avril Alain, tu aimes quoi, le film ou ton infidèle mémoire ???

Si le renard vient nous présenter le film, je suis prem's pour m'inscrire

en tout cas, je suis d'accord sur le fait que ce genre de débat est largement insatisfaisant. Le thème général étant fluctuant selon le parcours de chacun ; il est évident que nous sommes tous des explorateurs et nos points de vue divergent selon nos diverses expériences tout au long de notre existence et nos rencontres ; et c'est tant mieux....

Je trouve que les hommes qui aiment les femmes sont loin d'être des monstrueux machos ou de dangereux libidineux ; ces hommes-là sont des explorateurs qui aiment les femmes dans leur intégralité. Explorez-moi Benoît car j'aime vous explorer aussi .... ben oui, y'a des femmes qui aiment les hommes qui aiment les femmes Quel trouble de voir en l'autre ce que nous sommes ou voudrions être. Quelle trouble de sentir masculin-féminin, que joli jeu

Egalité dans le cheminement, il est bien intéressant d'échanger par les mots, les corps aussi !

Bonne séance à tous

Brigitte 15 Avril

Pas besoin de se faire payer pour prendre du plaisir, surtout autour du thème de de la sensualité à la vie!

Merci pour avoir su faire le lien avec patience et dextérité autour de l'amour: cette indicible liberté.

Alain 15 Avril

On essaiera d'incarner les différentes lignes - avec " dextérité" ?

le débat m'a plu. le problème reste entier.

Anne-Marie 15 Avril

La mort de Bertrand Morane :

§--—tiens B. Morane qui fait des essais d’avion ?? non—

dans un labo(le même que dans « la femme d’à côté » non-----§

F.Truffaut voulait- il montrer à quel point toutes ces femmes l’ont aimé ?

Que comme le disaient nos grands-mères on meurt par où on a péché ?

Que Bertrand /Truffaut/Denner/ était dans une telle impasse que le mieux était d’en finir ?

Que les cimetières sont beaux, les anciennes amantes en noir sont belles—déjà la mariée était en noir déjà avec Charles Denner.

Anne-Marie de plus ou moins bonne foi.

Merci Alain, une fois de plus

Alain 15 Avril

Merci je n'arrivais pas remettre la main sur l'autre film avec des essais d’avion. J'avais des souvenirs que c'était avec Depardieu.

J'ai trouvé somptueuse l'intro du cimetière. Belle mise en scène, belles femmes. La photo, le cadre, le montage de façon globale, un maître. Je n'ai pas adhéré à la mise en abîme (le livre = le film) et à la voix off trop longtemps présente. A noter que la voix off disparaît au milieu du films.

Bien aimé une fois de plus la personnalité des personnages féminins. Leurs vérités, leurs folies, leurs obsessions, leurs lubies extraordinaires.

Pas de personnages masculins secondaires, sinon complètement dé-crédibilisés. L'homme le vrai est à la pôle position. Tu parles Charles, bien joué ! T'es le seul sans rival tandis qu'elles, doivent faire avec leur multitude. Le désir mimétique des femmes montré dans le film ne s'applique pas qu'à elles dans la vraie Charles !

Mais la rivalité masculine est hors champ pour Truffaut sous forme de l'émulation des frères italiens et américains. Concerne l'art le cinéma

Mais toutes ses formes féminines alors ?!! c'eut tété chouette de ne pas les mettre de côté, même celles que je ne saurai que voir : Comment ne pas être ému quand elles sont si joliment mises en valeur dans un regard si tendre (du réalisateur pour ses personnages - constante de Truffaut.

Le film évite heureusement l'explication psychologique.

Béatrice15 Avril

Merci bcp Alain pour ce bon moment !

Brigitte 15 Avril

...ah,j'allais oublier le fantasme ultime :celui de l'infirmière:Mortel!

Anne-Marie 17 Avril 2011

Les films du vendredi cheminent... Ce qui attire ces femmes ce n’est peut-être pas seulement la façon désarmante que Bertrand a de les aborder mais aussi l’espace qu’il crée en semblant ne rien demander d’autre que ce qui se joue au moment d’une rencontre et de quelques autres ensuite éventuellement…….la rivalité est liée à la volonté de pouvoir et au désir de possession, Bertrand n’a pas de rival parce que le problème ne se pose pas.

Enfin …ce que j’en dis !!

En tous cas deux irrésistibles, deux semaines de suite ! Boudu et Bertrand !!

Alain , 17 Avril

Ah je me disais !!!

Pas de raison de confondre l'acteur François Truffaut et le personnage qu'il incarne. C'est assez joli d'ailleurs ce déguisement qui brouille les pistes. Idem pour L'homme qui aimait les femmes!! le personnage vaut pour lui-même.

Vivre comme si nous nous rencontrions de nouveau est un défi. Épreuve trop inconfortable pour certains ? Peut-être l'appellent-ils "non engagement", alors que c'est depuis cet Ouvert que les choses en viennent à s'engager. Ce sont les choses qui s'engagent pas nous! dit L'homme qui aimaient les femmes : par des signes comme le bruit d'une paire de bas du croisement d'une paire de jambes féminines dans l'obscurité d'une salle de cinéma. En revanche pour que cela se creuse, il est besoin du fameux Oui de notre assentiment. Pour les êtres compliqué comme on le voit pour la passionnée ce "oui" à la forme d'un "non". Une autre manière d'affirmation extraordinaire pour Truffaut.

Dans L'homme qui aimait les femmes, cet ouvert n'est jamais refermé, même par le couvercle d'un cercueil.

Dans la chambre verte", le héros s'oppose à la fermeture d'un cercueil. (métaphore d'un deuil impossible", image de la grande mélancolie). Dans "La chambre verte" cet "Ouvert" qui manque, a pour nom celui du rival. Celui de l'amitié perdue.

On sait que la grande mélancolie est la mère de tous les arts.Qu'elle nous est consubstantielle. Les bouddhiste le reconnaissent disent eux-même que ne pouvons éviter une tristesse originaire.

J'aime l'humanisme de Truffaut. Son humilité. Le voir si près de l'enfant muet dans la Chambre verte. Emotion de voir Charles Denner si près de l'enfant à la robe rouge qui pleure. Un père idéal pour un enfant universel dans sa peine, à chaque fois concrète. Qu'il invertisse ces motifs qui sont peut-être comme le suggère Christian identiques, d'un film à l'autre, est une preuve de courage. Pas de mariage, que des gages !!! (Ah que dégage !!! : ce serait donc une matrice politique !! Revoir le système politique, les instituions, comme celle du mariage!! pourquoi quand on vote ce serait définitif même pour 5 ans ?

Anne-Marie 18 Avril

Une des très nombreuses questions soulevées par ton commentaire est celle du déterminisme/degré de liberté du « oui » de l’assentiment (qui peut bien sûr s’énoncer en « non ») qui conditionne a posteriori la transformation des choses en signes.

Soit le plan de l’univers que je construis/le plan de l’univers qui m’ait construit.. –gloups ! « avoir » et « être » - la discussion d'après le film a mis au jour des supposés conditionnements/empêchements--l'enfance toujours-- la mère (d'autres pensées diraient quoi de ces empêchements?).

Alain, 18 Avril 2011

Je trouve merveilleux dans le film cet hommage à la translation par laquelle on passe d'une femme à une autre mais pas de façon à les collectionner, ou à les remplacer mais a affirmer ce qu'elles sont chacune. Une plus une. Aucune n'est un substitut. Et c'est en cela que le type du personnage n'est pas celui du macho. En quoi cela serait-il plus pathologique de se mouvoir que de s’arrêter sur un seul objet auquel on peut par ailleurs imposer son rythme ?

Dans le film la relation à la mère est totalement sublimée. J'ai bien aimé ce pied de nez de Truffaut d'en alléger l'importance. Totalement Assumée. J'ai tenu à dire d'où venait Truffaut, au départ. Mais aussi tenu à dire que son film ne se réduit pas à cette provenance familiale. "La chambre verte" tout comme" l'homme qui aimait les femmes" sont des hymnes à la vie, à la richesse de la rencontre. Chacune avec sa singularité, son éternité. Où le sentiment de la durée se dilate.

Heureusement qu'il y a le jeu la liberté, les rencontres. Si on a la sensation de ne faire que papillonner et si le nectar de chaque fleur ne nous satisfait pas, rien ne nous empêche de nous arrêter, ou de devenir soi-même fleur pour d'autres insectes ailés. Derrière la conjugalité il y a cette idée qu'une odeur serait la meilleure. (schémas œdipien !!!)

Conditionnements ? Non plutôt des rencontres. L’art - le cinéma est au centre de "L'homme qui aimait les femmes", tout comme au centre de "La chambre verte". C'est un hommage à la création, à l'invention, à la nouveauté et aux influences. Le personnage incarné par Denner est un artiste. Il convertit ses expériences en mots. Mais cet acte de création littéraire, (d'adaptation de la vie à l’œuvre) a besoin d'un premier acte de création, d'une façon de se positionner face aux circonstances de la vie et des rencontres comme la maquette de l'avion ou du bateau que l'on voit dans le film si souvent se positionnent face aux éléments pour pouvoir les fendre et glisser. Merci pour la question - car je suis moins fort sur ce coup d'en poser.

Critiques : (lire la suite)

Critiques :

Le monde :

Elle :

Revoir ce film a été pour moi une petite déception. Certes le propos est amusant mais je ne vois pas vraiment ce que Truffaut cherche à prouver. Peut-être n’est ce que sa vision des femmes qu’il désire nous exposer.

Note : 3 étoiles

Lui :

Beaucoup d’humour dans ce film de François Truffaut considéré comme assez personnel : à travers son personnage, c’est un peu lui qui nous parle. La première qualité de L’homme qui aimait les femmes est sans doute d’être un film non-machiste : Charles Denner ne recherche pas les femmes pour son plaisir… non, il ne peut vivre que par elles. Certaines de ses “théories” sont vraiment mémorables (les compas, le printemps, …), théories où Truffaut aime autant jouer avec les mots qu’avec les images. Tout dans ce film n’est qu’équilibre, subtilité, fragilité. Le même sujet traité par un autre cinéaste se serait probablement révélé désastreux.

Note : 5 étoiles

28 février 2007

http://critiquescinema.canalblog.com/archives/2007/02/28/4165030.html

Bertrand Morane collectionne les conquêtes féminines et décide, en pleine nuit, de relater toutes ces liaisons dans un roman qui fera parvenir à une éditrice avec laquelle il entretiendra une relation de d'amour et de respect.

C'est bien connu. François Truffaut était un homme à femmes. Jeanne Moreau, Catherine Deneuve, Claude Jade, Fanny Ardant, Françoise Dorléac, presque toutes ces actrices fétiches auront été la compagne de François Truffaut le temps d'une nuit ou bien de quelques années. Après plus d'une dizaine d'années à avoir prouver son amour pour la littérature dans Fahrenheit 451 et trois années après la grandiose déclaration au 7ème art de la Nuit Américaine, le cinéaste s'attaque à prouver sa passion éternelle pour les femmes : et si la beauté féminine était elle aussi un art ? Sans doute un peu machiste sur les bords, le personnage de Bertrand Morane est l'alter ego du réalisateur comme l'eut été Antoine Doinel quelques années auparavant, et l'Homme qui aimait les Femmes s'impose comme l'un des films les plus personnels du cinéaste (et comme son plus sensuel !), comme une sorte de récit autobiographique. Truffaut relate son amour dévorant pour les femmes par le cinéma comme Bertrand Morane rédige toutes ces aventures et liaisons dans un livre, support pour garder toutes les traces et souvenirs, et pour n'en oublier aucune qui lui aura apporté le bonheur quelques temps. Truffaut ne s'en cache pas de son machisme et il ne s'est pas posé le problème de la sympathie de son personnage. On le refuse ou pas, c'est notre choix, le réalisateur n'en fait pas l'éloge. Sans doute actuellement, le personnage du film serait néanmoins perçu comme un marginal pervers. « Les jambes des femmes sont des compas qui arpentent le globe terrestre en tout sens, lui donnant son équilibre et son harmonie. » Cette citation si célèbre, extraite du film l'Homme qui aimait les Femmes, est déjà à elle-seule un hommage et un hymne à la beauté du beau sexe. Doucement cynique (« Celles qui sont belles de dos et moches de face me donnent une sensation de soulagement, puisque malheureusement il n'est pas question de les avoir toutes ») et obsédé (mais bien humain) par les ondulations des hanches sous les jupes (« Pour moi, rien n'est plus agréable à regarder qu'une femme, pourvu qu'elle soit habillée d'une robe ou d'une jupe qui bouge au rythme de sa marche »), des jambes félines, des silhouettes gracieuses et du bruit des frottements des bas des croisés des jambes, Bertrand Morane, l'alter ego de Truffaut, n'est ni un dragueur, ni un macho, ni une sorte de Don Juan mais un personnage difficile à définir, un amoureux de la beauté des femmes auxquelles il vit à travers. Il cherche peu à se soucier des sentiments d'autrui et ne croit pas en l'amour absolu et ressent pourtant sans cesse le besoin d'être aimé. C'est sa mère qui lui a engendré cette passion pour le beau sexe. On retrouve là, presque la même mère qu'Antoine Doinel dans les 400 Coups et le même rapport mêlant haine et fascination pour sa sensualité (elle défile devant son fils Betrand Morane, en porte-jarretelles). Et même depuis sa tombe, lors de son enterrement, où toutes ces maîtresses sont présentes, il admire pour la dernière fois leurs visages, tous différents, uniques et irremplaçables, et qu'ils aimaient pour la personnalité et le caractère qu'ils dégageaient. A la fois, film de son temps, témoin de l'évolution (Bertrand Morane, bien loin des clichés, représente bien cette époque) des mœurs et avant tout, éloge à la beauté de la femme, réflexion sur les relations hommes et femmes (beaucoup de bavardages), l'Homme qui aimait les Femmes débute sur le ton frais et léger de la comédie pour finalement finir par tomber dans un aspect très sombre. Betrand Morane finit par mourir de sa passion dévorante pour les femmes et leurs belles jambes : et si elles aussi se vengeaient-elles enfin d'avoir été un "objet" ? Morane meurt de ce qui l'avait fait vivre comme ce qui finit par le tuer (la beauté des jambes). L'Homme qui aimait les Femmes est l'histoire d'une passion autodestructrice. Truffaut semble manquer au cinéma français comme... il manque aux femmes ?

Critique écrite par Clémentine le 29 janvier 2007

ven 1er avril : "Boudu sauvé des eaux"

2011-03-27T23:43:00.005+02:00

Boudu sauvé des eaux

Réalisé par Jean Renoir en 1932

Avec Michel Simon

Durée : 01h50

Résumé : Boudu, clochard parisien, se jette à la Seine. Repêché par un libraire aux idées libérales, il sème l'anarchie dans la famille.

Débat :
l’anarchisme au cinéma

Commentaires On va sortir :

Yvonne, 01 Avril 2011

Merci Alain ! J'ai passé un super moment, très intéressant...

Anne-Marie 01 Avril 2011

Personne ne résiste à Boudu. Boudu est irrésistible. Une seule coercition : le mariage - et bien évidemment lui qui a superbement (çà je n'en sais rien) craché dans "la physiologie du mariage" de Balzac va préférer le "fil" de l'eau !! ni dieu ni maître

Alain, 01 Avril 2011

Plein de pistes dans Boudu Il faut le voir deux fois au moins. Je suis frappé par la poésie de Renoir. Puis la construction presque en cadavre exquis : rien de réaliste. Sans compter le marivaudage de la comédie qui finit en triolisme étonnamment libertaire. Le tout fait un mélange toujours surprenant qui ne se laisse pas circonscrire facilement : un tout incomplet volontairement et ouvert. Génial Renoir et surtout osé.

Yannick a eu raison d'être sensible au corps porté par l'eau après le renversement de la pirogue. Par le carpe diem anarchiste qui n'est cependant pas exempt tout le long du film de pulsion de mort. On reste sur sa faim : ça s'appelle désir.

Le priapisme laisse la place à un cosmos non dénué d'inquiétude : les vagabonds en contre-plongée dans le plan final - dont on ne voit pas la tête - sont presque comme des forçats!

Anne-Marie , 02 Avril

Alain, tu révèles par ton commentaire pourquoi je suis sortie de la salle avec un tel sentiment de tristesse, qui sur le coup m’a semblé paradoxal — l’enjambement de la rambarde, l’ombre violente du pont (superbe image), l’eau du fleuve qui nous entraîne, qui porte et engloutit…Et Pan veille et ensorcelle.

Marylène , 02 Avril

Que dire après de tels commentaires, je me sens toute petite. J'ai beaucoup aimé.

Alain 12 Avril

Les désarrois que nous avons après un film sont riches. Lorsque nous en parlons quand nous le pouvons ils s'estompent. Quand nous revoyons le film aussi. J'avais prévenu en introduction de la séance : ce film est déconcertant. Quand j'ai demandé à la fin du film si vous n'aviez pas été déstabilisés, comme un seul homme les personnes présentes ont dit que "non". Je ne les ai crues qu'à moitié. Car dans l'inconfort à la vision du film on peut ne pas se sentir déstabilisés. Cependant je dois modérer le mien d'inconfort ressenti à la première lecture du film - de part le fait qu'il y a eu des rires dans la salle qui nous ont permis de mettre les choses à distances.

Anne-Marie, 12 Avril

Michel Simon dit de lui-même dans une conversation avec Renoir

au sujet du travail d'acteur : "Est-ce qu'il est là pour nous faire rigoler ou nous faire pleurer ? "

Alain, 12 Avril

... Ou bien encore nous faire peur ?!... Je me demande si on ne pourrait pas passer un petit bout du film de Rivette sur Renoir (Renoir le patron).

vendredi 25 mars-Gainsbourg

2011-03-27T23:31:00.011+02:00

Gainbourg, (une vie héroïque)
Réalisé par joann Sfar 2011

2h10
César du Meilleur acteur

Résumé :

la vie de Gainsbourg

Continuons le débat : Cliquer ICI

Pour lire les commentaires de notre débat
Ou laisser vos remarques

ven 18 mars-Good-bye-lenin

2011-03-15T22:57:00.001+01:00

Réalisé par Wolfgang Becker 2002
Avec Daniel Brühl, Katrin Sass, Chulpan Khamatova,
Long-métrage allemand
Durée : 01h58

César du Meilleur film de l'Union Européenne : César 2004

Résumé :

Alex, un jeune Berlinois de l'Est, apprend la chute du mur alors que sa mère est dans le coma à la suite d'un infarctus. Celle-ci a toujours été quelqu'un d'actif, participant avec enthousiasme à l'animation d'une chorale.
Les mois passent et le coma continue. La ville se transforme, les voitures occidentales sillonnent les rues, les publicités envahissent les murs. Au bout de huit mois, elle ouvre les yeux dans une ville qu'elle ne peut plus reconnaître. Alex veut absolument lui éviter un choc brutal que son coeur affaibli ne pourrait supporter.
Profitant de son alitement, avec l'aide de sa famille et de ses amis, il reconstruit autour d'elle son univers familier, convoque les jeunes chanteurs de la chorale, sollicite l'aide d'un ancien cosmonaute, reconverti en chauffeur de taxi, et s'efforce de faire revivre la RDA dans les 79 m² de l'appartement, remis aux normes socialistes.

Débat : Y a t-il un rapport entre la choucroute germanique et la choucroute asiatique ?

en savoir plus

vendredi 11 mars-la-vie-est-un-miracle

2011-03-07T15:33:00.000+01:00

LA VIE EST MIRACLE

Réalisé par Emir Kusturica 2002

2h34

César du Meilleur film de l'Union Européenne : César 2005

Résumé : Que pourrait-il y avoir de mieux pour le village qu'une ligne de chemin de fer touristique ? Et que pourrait-il y avoir de pire pour le tourisme que la guerre ?

Un fidèle de Cannes

En 2004, Emir Kusturica revient au Festival de Cannes avec La Vie est un miracle, présenté en sélection officielle. Il est le seul, avec les réalisateurs Bille August , Francis Ford Coppola et Shohei Imamura, à avoir remporté deux fois la Palme d'or. La première pour Papa est en voyage d'affaires (1985), qui dénonçait les déportations politiques de la Yougoslavie communiste, sujet tabou à l'époque. La seconde viendra dix ans plus tard avec Underground. Kusturica a également reçu le Prix de la mise en scène en 1989 pour Le Temps des gitans.

vendredi 4 mars-La-vie-est-belle Frank Capra

2011-03-01T12:52:00.005+01:00

Réalisé par Frank Capra 1947

Avec James Stewart, Donna Reed, Henry Travers

Titre original : It's a Wonderful Life

Long-métrage américain . Comédie dramatique

Durée : 02h09

Résumé :

Le décès de son père oblige un homme à reprendre l'entreprise familiale de prêts à la construction, qui permet aux plus déshérités de se loger. Il entre en conflit avec l'homme le plus riche de la ville, qui tente de ruiner ses efforts. Au moment où il approche de la victoire, il égare les 8 000 dollars qu'il devait déposer en banque. Le soir de Noël, désespéré, il songe au suicide. C'est alors que le Ciel dépêche à ses côtés un ange de seconde classe, qui pour gagner ses ailes devra l'aider à sortir de cette mauvaise passe...

Débat : période de soleil entre les gouttes de pluie. On parle beaucoup de pessimisme des français. Alors que des mouvements populaires populaires inespérés de par le monde nous donnent à croire que le monde peut être sauvé. Qu'en est-il de l'espérance aujourd'hui ?

Infos (allo ciné) ;

Un film inaugural

La Vie est belle est le premier film produit par Liberty Films, la société de production créee par Frank Capra à la fin de la guerre. En effet, las de l'influence grandissante des studios hollywoodiens sur ses films, il pensait quitter les Etats-Unis pour produire des films en Grande-Bretagne. C'est alors que Sam Briskin, assistant d'Harry Cohn à la Columbia, lui suggera de créer sa propre société.

Un autre acteur

Interprété par James Stewart, le personnage de de George Bailey devait à l'origine être destiné à Cary Grant pour un film produit par la RKO.

La dispute avec John Wayne

C'est à l'époque de La Vie est belle que Frank Capra et John Wayne ont eu des accrochages verbaux parfois très violents. En effet, John Wayne lui demanda de supprimer certains acteurs du casting de son film sous pretexte d'activités politiques non conformes à la situation de l'époque. Capra refusa violemment lui disant qu'il était inacceptable d'intervenir ainsi sur le casting d'un film. Selon la biographie de Jim McBride, Wayne disait de Capra : "j'aimerais prendre ce petit fils de pute, le déchirer en milles morceaux et les jeter à l'océan en retour direct vers sa Sicile natale".

Le casting féminin changeant

Au départ, Frank Capra envisageait Jean Arthur pour tenir le rôle de Mary Hatch. Mais, celle-ci refusa le rôle car elle préparait une pièce à New York. Il envisagea ensuite Ginger Rogers qui refusa puis Olivia de Havilland, Martha Scott et Ann Dvorak. C'est finalement Donna Reed qui obtint le rôle.

Contre les critiques

Dans son autobiographie, Frank Capra écrit : "La Vie est belle n'était fait ni pour les critiques blasés, ni pour les intellectuels fatigués. C'était mon type de film pour les gens que j'aime. Un film pour ceux qui se sentent la, abbatus et découragés. Un film pour les alcooliques, les drogués et les prostituées, pour ceux qui sont derrière les murs d'une prison ou des rideaux de fer. Un film pour leur dire qu'aucun homme n'est un raté".

Une innovation

Avant La Vie est belle, on représentait la neige à l'écran avec des cornflakes peints en blanc. Mais, ils faisaient tant de bruit en tombant qu'on devait réenregistrer les dialogues plus tard. Pour ce film, Frank Capra tenait à enregistrer directement le son. Ainsi, une nouvelle technique fut inventée, utilisant un produit chimique de lutte contre le feu, du savon et de l'eau. Cette mixture était projetée à haute pression à travers une machine à vent ce qui permettait de faire tomber la neige silencieusement. Le département son de la RKO reçut d'ailleurs un Oscar spécial pour le développement de cette nouvelle technique.

Un décor gigantesque

La ville de Bedford Falls fut intégralement construite dans les studios de la RKO à Encino en Californie. Le plateau a été bâti en deux mois et reste l'un des plus grands décors jamais construit pour un film américain : 16 000 mètres carrés. Il comprenait 75 magasins et immeubles, une rue principale de 275 mètres, une usine et un quartier résidentiel.

Un incident improvisé

Lorsque l'oncle Billy sort de chez les Bailey ivre de la soirée du retour de Harry, il s'éloigne et un bruit résonne comme s'il avait fait tomber une poubelle. En réalité, c'est un membre de l'équipe technique qui a fait tomber du matériel involontairement. James Stewart et Thomas Mitchell continuèrent à improviser sur la bruit ("Je vais bien !" de l'oncle Billy.) et Capra décida de garder cette prise dans le montage final. Il donna même un bonus de 10$ au machiniste maladroit, pour improvisation sonore !

Une actrice bien habile

Dans une scène, Mary devait casser une vitre en lançant un caillou. Franck Capra avait, pour cette séquence, embauché un tireur d'élite qui aurait du tirer sur la vitre à la place de Donna Reed. Mais à la stupéfaction de tout le monde, elle atteignit la vitre du premier coup sans l'aide du tireur caché !

Jean Arthur demandée.

Après Mr Smith goes to Washington (Monsieur Smith au sénat) Franck Capra voulut réunir une nouvelle fois James Stewart et Jean Arthur en lui confiant le rôle de Mary (Madeleine en français). Mais Arthur étant déjà engagée sur une pièce à Broadway donc ce fut Donna Reed qui hérita du rôle.

La chasse aux sorcières n'épargne pas les meilleurs films

En 1947, un analyste du FBI enregistre un ajout à l'encontre du film sur une note intitulée "L'infiltration communiste dans l'industrie cinématographique". L'ajout contenait l'enregistrement de l'opinion d'une source industrielle. Elle révèle que le film tente, de manière évidente, de critiquer les banquiers ce qui est une technique communément employée par les communistes.

Des récompenses tardives

"La vie est belle" fait partie de ces films que l'on ne reconnait que plus tard. Très cher pour une production indépendante (3.7 millions de $ de budget) il n'en reçu que 3.3 lors de sa première distribution. De même il ne reçut, malgré ses cinq nominations, aucune statuette aux oscars. En 1997 pourtant il fut classé 11ème des meilleurs films de tout les temps par l'AFI. En 2004 il fut classé, par BBC TV 2ème des meilleurs films de tout les temps à n'avoir pas reçu d'oscars (derrière Les Evadés de Darabont). Il est, de plus, diffusé à la télévision chaque année aux Etats-Unis à la période de Noël... Une reconnaissance pour le moins tardive...

Le presque refus de James Stewart

James Stewart , ayant servit dans l'United States Army Air Forces de 1941 à 1945(il débuta en fait ses premières missions en 1944), y obtint beaucoup de récompenses militaires en raisons de ses énormes efforts.Ces derniers l'ayant épuisé, il faillit refuser le rôle de George Bailey.Il l'a finalement accepté et fut nominé à l'oscar du meilleur acteur, de plus il considéra "la vie est belle" comme l'un de ses films préférés de toute sa carrière.

Vincent Price dans la Vie est Belle ?

Vincent Price, l'acteur fétiche de Tim Burton, fut pressenti un moment pour jouer le rôle de Mr Potter. Rôle qui échoua finalement à Lionel Barrymore que Capra avait déjà dirigé dans "Vous ne l'emporterez pas avec vous".

Le briquet, symbole capraïen ?

Plusieurs fois dans le film, James Stewart allume un briquet et souhaite un million de dollars. Il est amusant de noter que ce même briquet apparait aussi dans le film "Vous ne l'emporterez pas avec vous" (1938) film de Frank Capra avec James Stewart...

Analyse de Jacques Coourcelle :

" Venant se placer de lui-même sous l'invocation de Leo McCarey que Capra considéra toujours comme un maître, sinon comme son maître, ce sublime conte de Noël est le film le plus riche et le plus complet de Capra. Il combine non seulement la comédie et le drame mais fait appel au romanesque, à la poésie et même au fantastique pour relater l'histoire d'une destinée reliée, au sein de la communauté où elle se déroule, à toutes les autres destinées de cette communauté et par extension à celle de l'humanité toute entière. Le propos du film est d'ailleurs beaucoup plus de raconter l'histoire de ce lien que celle d'un individu.

Et ce conte qui veut souligner la solidarité de tous els hommes en fournit, dans son intrigue uen démonstration aussi étincelante qu'émouvante

Dans les trois premiers quarts du film, Capra se révèle habile, prenant, parfois touchant. Dans le dernier quart, il se surpasse et le spectateur s'aperçoit qu'il n'a pas seulement affaire à un excellent film comme Capra en a réalisé beaucoup, mais à un chef-d'œuvre. Ce dernier quart du film amène le spectateur -ainsi que le héros- à revoir ce qui s'est passé jusque là dans une autre lumière et sous un autre point de vue. En permettant au héros de contempler pendant quelques instants un monde où il ne serait pas né, Capra (et son bon ange Clarence) l'obligent à sentir le caractère irrémédiable de chacun de ses actes. Comme, pour la plupart, il s'agit d'actes utiles et inspirés par le bien, le fait de les supprimer de la surface de la terre devient une véritable catastrophe. Mais, au-delà de la bonté du personnage, c'est bien le caractère de responsabilité absolue, infinie de chaque action humaine qui est ainsi démontrée à travers l'infinité des relations en chaîne qu'elle a déclenchée.

vendredi 25-Février-va-vis-et-deviens

2011-02-22T14:51:00.002+01:00

Réalisé par Radu Mihaileanu 2004

Avec Yaël Abecassis, Roschdy Zem, Moshe Agazai

2h20min

Résumé :

En 1984, des milliers d'Africains de 26 pays frappés par la famine se retrouvent dans des camps au Soudan. A l'initiative d'Israël et des Etats-Unis, une vaste action est menée pour emmener des milliers de Juifs éthiopiens vers Israël.

Une mère chrétienne pousse son fils de neuf ans à se déclarer juif pour le sauver de la famine et de la mort. L'enfant arrive en Terre Sainte. Déclaré orphelin, il est adopté par une famille française séfarade vivant à Tel-Aviv. Il grandit avec la peur que l'on découvre son double-secret et mensonge : ni juif, ni orphelin, seulement noir. Il découvrira l'amour, la culture occidentale, la judaïté mais également le racisme et la guerre dans les territoires occupés.

Commentaire "On va sortir" sur la séance

Anne :

Très beau film que j'avais énormément aimé Bonne séance !!

Marie

comme je m'en souviens de ce film..plein d'émotions...et je sens que l'on va vivre 1 bon moment d'échanges avec Pierre..

Céline :

Dommage je travaille autrement je serais venue sans aucun doute.

Christian ,

Il va bientôt falloir que le restaurant reste ouvert le soir pour nous permette de poursuivre les discussions !

Marie

Après la minute silence et le temps de l'émotion... très beau moment d'échanges.... et très intéressant avec Fernand, qui vient du CONGO belge... et drôlement passionné par l'histoire de l' Éthiopie...J’ai appris beaucoup...même les secrets...Quand je pense ..que ce film repasse ce soir sur la 5...à 1 H du matin...

Peut-être que !!!! le revoir pour la 5 ème fois....et j'adore la musique de Arman

Amar.

Lelou

Joli débat. Je pense au statut du grand-père. Fernand dit : c'est le chef ! Mais cela ne nous dit rien de lui. Kadhafi est aussi un chef mais aussi une merde. Ici le contraire. Je n'ai pas la réponse je la devine. Sachant que cette autorité nous l'avons tous à nos moments favorables.

Marie

Alain, tu n"es pas blanc ni noir...mais rouge....né de l'argile...

et j'aime bien le rôle du grand-père...;comme sa mère adoptive..;calme et révoltée ;quand elle est violente...quand elle lèche ce fils...devant toute l'école,

Béatrice,

Tout était bien, en ce lieu de rencontre insolite (pour moi..), le film, les gens,

Lelou

Le restau est un peu une concentration d'allumés . Nous n'y sommes pas tous là pour rien. Mais Pour y mettre un tendre feu quand on peut.

Primé à Berlin

Présenté au Festival de Berlin dans le cadre du Panorama, Va, vis et deviens a décroché les deux principales récompenses de cette section : le prix du jury et le prix du public. Le film a également reçu, ex aequo avec Crustacés et coquillages, le Label Europa Cinémas, attribué par le réseau de salles de cinéma européennes à un film de la section Panorama.

La genèse du projet

"Je me souvenais de l'opération Moïse et du rapatriement des Juifs éthiopiens en Israël en 1984/85, mais je n'avais pas pris conscience de l'énormité de cette aventure humaine. Peut-être l'une des plus complexes du XXème siècle, par les questions qu'elle suscite. C'est grâce à une rencontre avec un Juif éthiopien, à l'occasion d'un festival de cinéma de Los Angeles, que j'ai compris que les Falachas étaient restés les " figurants " de cette opération, alors qu'ils en étaient les protagonistes. Cet homme à Los Angeles m'a raconté son épopée, son voyage à pied jusqu'au Soudan où tous les Juifs étaient en danger de mort, la vie dans les camps de réfugiés, leur accueil en Israël... J'étais à la fois profondément ému et révolté qu'on n'en parle pas davantage. Je me suis alors emparé de tout ce qui avait été publié sur les Falashas : j'ai ainsi alimenté mon émotion, mon désir de mieux les connaître et, peu à peu, mon envie de leur consacrer un film."

La préparation et le casting

Avant de se lancer dans le tournage du film, le cinéaste et son scénariste ont fait d'abondantes recherches concernant l'opération Moïse : ils sont notamment allés à la rencontre de témoins et de spécialistes : membres du Mossad, sociologues, historiens ou encore Ethiopiens non juifs vivant clandestinement en Israël. Concernant le casting, trois mois de recherche entre la France, l'Ethopie, Djibouti et Israël ont été nécessaires pour trouver le jeune acteur chargé de jouer le rôle de Schlomo : en plus de bien jouer la comédie, celui-ci devait être capable de parler trois langues... Il fallait en outre que les trois acteurs qui incarnent Shlomo à différentes périodes se ressemblent.

Zem sans frontières

Le fait d'être choisi pour jouer le rôle d'un Israélien n'a pas surpris Roschdy Zem, acteur français d'origine maghrébine : "(...) ma rencontre avec Radu Mihaileanu s'est faite très naturellement et s'est avérée d'une grande cohérence. D'autre part, je me bats moi-même depuis des années contre l'idée de confier le rôle d'un Israélien à un Israélien, ou d'un Breton à un Breton... Pour moi, un acteur doit être capable d'incarner presque n'importe quel personnage. Du coup, quand j'ai lu le scénario, je ne me suis pas dit que j'allais devoir jouer un rôle de composition, mais que ma principale difficulté allait être d'apprendre l'hébreu ! En réalité, quand je suis arrivé sur place en Israël, je n'ai pas eu le sentiment d'être perdu, d'autant que l'hébreu est une langue assez proche de l'arabe."

Trois temps

Le titre Va, vis et deviens reflète la division du film en trois parties, ainsi que l'explique le réalisateur : "Ce titre m'a (...) été inspiré par l'un de mes livres de chevet, Vie et destin de Vassili Grossman. C'est à la fois une injonction d'amour et la parole de la mère, et cela correspond effectivement aux trois chapitres de la vie de Schlomo. " Va ", c'est l'arrachement et le voyage vers la survie. " Vis ", c'est l'adolescence, la rencontre de l'amour et la réconciliation avec la vie. " Deviens ", c'est l'accomplissement de son destin : devenir un homme, tout simplement, et réaliser cet affranchissement dont lui parlait sa mère autrefois."

Terre promise

Sirak M. Sabahat, qui joue le rôle de Shlomo adulte, a lui-même vécu les événements retracés dans le film : né en Ethiopie en 1981, il quitte son pays natal à 10 ans, avec ses parents et ses trois frères cadets, pour rejoindre Israël. Après une longue marche vers la capitale éthiopienne, Addis-Abeba, où il reste pendant 5 mois, il embarque avec sa famille dans un avion militaire dans le cadre de "l'opération Salomon". Arrivé en Israël, l'adaptation est difficile pour le jeune homme, seul Noir de son école. Après son service militaire, il décide de se lancer dans la comédie. Très impliqué dans Va, vis et deviens, il confie : "Ma relation avec Radu Mihaileanu est très spéciale : il est comme un frère pour moi. Je voulais être près de lui durant tout le tournage du film pour l'aider, dans quoi que ce soit, qu'il s'agisse de la direction des enfants qui interprètent le rôle de Schlomo, ou qu'il s'agisse des figurants éthiopiens ou même de la traduction de l'hébreu en amharique (la langue éthiopienne). Mon implication allait au-delà du simple fait d'être sur place en tant qu'acteur : je voulais faire partie de la création de ce film pour pouvoir aider à raconter l'histoire de ma communauté. C'était très important pour moi de venir chaque jour sur le tournage, de voir de mes propres yeux mon histoire et l'histoire de ma communauté devenir un film."

L'Autre

Radu Mihaileanu propose un regard original sur le conflit israélo-palestinien, celui que pose le jeune Shlomo. "Yaël Abecassis m'a dit une chose qui me semble très vraie : le regard de l'intérieur et de l'extérieur plein de fraîcheur, voire de naïveté de cet enfant, ni Juif, ni Israélien, ni Palestinien, et tout à la fois, est en réalité le mien...", assure-t-il. "Schlomo, qui vient de la mort, se pose des questions que je me pose aussi. Schlomo pense que ces deux peuples qui s'affrontent, Israéliens et Palestiniens, sont deux peuples victimes -comme lui- qui subissent un conflit qu'ils ne maîtrisent plus. Il ne peut pas juger le conflit d'une manière politique. Il ne peut le juger qu'au niveau humain." L'identité et l'exil sont depuis longtemps au coeur des interrogations du cinéaste : son père, qui s'appelait Buchman, a en effet dû changer de nom pour échapper au nazisme et au stalinisme. Lui-même est partagé entre deux pays, la France et la Roumanie. Notons que le cinéaste a donné le nom de Buchman à l'un des personnages du film : le médecin français.

Terre et mères

Radu Mihaileanu souligne que Va, vis et deviens est "un film autour de la quête désespérée de la mère [qui] aurait d'ailleurs pu s'appeler L'Enfant des mères. Schlomo a la chance de tomber sur quatre mères exceptionnelles : la sienne, capable de dire " ce n'est pas mon fils ", pour le sauver ; la deuxième, Juive éthiopienne, qui retrouve une raison de vivre en recueillant Schlomo et en l'arrachant à la mort ; la troisième, la mère adoptive issue d'une autre culture, qui accepte de faire un pas vers Schlomo ; enfin, Sarah, l'amoureuse, qui en devenant mère à son tour finit par comprendre Schlomo et le renvoie vers sa mère originelle."

Le retour de Schlomo

Le héros de Va, vis et deviens porte le même prénom que le personnage principal du précédent film de Radu Mihaileanu Train de vie. Hasard ou intention ? Le cinéaste explique : "Un journaliste américain m'avait demandé à propos du Schlomo de Train de vie s'il survivait à la fin. Le film s'achevait sur une image de lui dans le camp, avant la fin de la guerre. Jusque-là, je ne m'étais pas posé cette question. Je lui ai répondu que si on ne l'oubliait pas, Schlomo survivrait. Pour moi, il a survécu, je n'ai pas pu l'oublier, aujourd'hui il a quitté le camp. Sous la forme d'un enfant."

Margolin, réalisateur et photographe

Les photographies qui défilent au début du film, pour témoigner de l'épopée des Juifs d'Ethiopie, sont signées du réalisateur François Margolin, auteur en 2005 d'un documentaire intitulé Falachas et dix ans après.

Va, vis, deviens... et écoute

La musique,

composée par Armand Amar, reflète le mélange des cultures prôné par le film : elle mêle en effet orchestre classique, violoncelle et doudouk, un instrument traditionnel arménien (une sorte de flûte).

(infos allociné)

vend 4 février--Looking-for-Eric

2011-01-30T22:35:00.000+01:00

Réalisé par Ken Loach 2008

Avec Eric Cantona, Steve Evets

Durée : 01h59min

Résumé :

Eric Bishop, postier à Manchester, traverse une mauvaise passe.
Sous son nez, ses deux beaux fils excellent dans des petits trafics en tous genres, sa fille lui reproche de ne pas être à la hauteur et sa vie sentimentale est un désert.
Malgré la joyeuse amitié et la bonne humeur de ses collègues postiers qui font tout pour lui redonner le sourire, rien n'y fait...
Un soir, Eric s'adresse à son idole qui, du poster sur le mur de sa chambre semble l'observer d'un oeil malicieux. Que ferait à sa place le plus grand joueur de Manchester United ?
Eric en est persuadé, le King Cantona peut l'aider à reprendre sa vie en mains...

Sur la Croisette

Looking for Eric a été sélectionné en compétition au 62e Festival de Cannes en 2009. Habitué du festival, le réalisateur a remporté la Palme d'or en 2006 pour Le Vent se lève.

Looking for Ken

Le réalisateur revient sur l'origine du projet : "J'ai reçu un message me disant qu'Eric Cantona souhaitait entrer en contact avec moi. C'était il y a deux ou trois ans. Sans lui, ce film n'aurait jamais existé. Un producteur français, Pascal Caucheteux, s'était entretenu avec Rebecca O'Brien, la productrice, et avait suggéré que nous nous rencontrions, lui, Eric et nous. Nous connaissions évidemment Eric Cantona, l'homme public et le footballeur d'exception. Et eux savaient que Paul Laverty, le scénariste, et moi nous intéressions au football. Eric avait quelques idées, toutes très intéressantes, en particulier une histoire sur sa relation avec un fan. Paul et moi ne voyions pas comment nous pouvions faire fonctionner cela en termes de narration, de personnages et de développement, mais nous avons trouvé que c'était un domaine intéressant à explorer – non seulement la joie et le plaisir du football et le rôle qu'il joue dans la vie des gens, mais aussi la notion de célébrité et la manière dont on construit la popularité de quelqu'un à travers la presse et la télévision. Dans l'esprit des gens, les célébrités ont quelque chose de surhumain."

Un producteur français, why not ?

C'est la première fois que l'Anglais Ken Loach travaille avec la société de production française Why not, la maison qui finance les oeuvres d'Arnaud Desplechin, Jacques Audiard ou Bruno Podalydès. Parmi les autres maisons de production qu'on trouve au générique de Looking for Eric figurent celle des frères Eric Cantona et celle... des frères Luc Dardenne.

Engagement

Le scénariste Paul Laverty, qui a d'abord cru à une blague lorsque Ken Loach lui a dit qu'Eric Cantona l'avait contacté, évoque son premier contact avec l'ex-footballeur : "Nous nous sommes rencontrés pour parler d'un court traitement qu'Eric Cantona et ses frères avaient préparé pour la société de production française Why Not. Le sujet portait sur un vrai fan qui avait suivi Eric quand celui-ci avait été transféré de Leeds United à Manchester United, perdant au passage son travail, ses amis et sa famille. J'ai trouvé qu'il y avait là un certain potentiel mais en fin de compte, une fiction et la liberté qu'elle permettait, m'attiraient plus encore. Peut-être est-ce la terrible grippe dont je souffrais quand nous nous sommes rencontrés ce jour-là, mais à mesure que nous parlions, mon esprit s'est mis à dériver vers tous ces souvenirs, ces magnifiques buts qu'Eric avait marqués, ses flashs d'inspiration, son tempérament, son fameux coup de pied de karaté, la conférence de presse " des sardines ", les chants de la foule, et puis surtout ce moment qui était resté gravé dans ma tête, ce but extraordinaire qu'il a marqué contre Sunderland. Il a tout de suite été clair pour moi comme pour Ken que la personnalité d'Eric, sur le terrain et en dehors, ouvrait un champ de possibilités absolument fascinantes."

Dream team

Ken Loach retrouve ses collaborateurs habituels : le scénariste Paul Laverty (dix films en commun, dont deux court métrages), mais aussi le chef-opérateur Barry Ackroyd, le monteur Jonathan Morris ou encore la productrice Rebecca O'Brien.

Jouer col-le-ctif !

Selon Ken Loach, Looking for Eric est avant tout "une histoire sur l'amitié et sur le fait de s'accepter tel que l'on est. C'est un film contre l'individualisme : on est plus fort en groupe que seul. Certains éprouveront peut-être une certaine condescendance envers cette idée, mais ce film parle de la solidarité entre amis, en prenant pour exemple un groupe de supporters de foot. Il est aussi question de l'endroit où vous travaillez et de vos collègues. Même si cela peut sembler banal de dire cela, ce n'est pas dans le vent de l'époque. Ou du moins ça ne l'est plus depuis trente ans. Ceux qui vous entourent ne sont plus vos camarades, ils sont vos concurrents."

Jeu de l'ego

A propos du fait de jouer son propre rôle, Eric Cantona confie : "Dans le film, je suis le Eric Cantona qui existe dans l'esprit d'Eric Bishop, dans son imagination. C'est ainsi qu'il me voit. Cela m'a conduit à prendre pas mal de distance par rapport à moi-même, c'était de l'autodérision et j'ai beaucoup aimé cela. J'ai travaillé sur d'autres films, des films où je pouvais me cacher derrière un personnage, mais dans celui-ci je devais être moi-même. C'était un sentiment étrange (...) Ce fut une bonne expérience, très spéciale. C'est comme être, tout en se regardant être. Il faut trouver la spontanéité, être soi-même, mais dans une fiction. C'était un exercice étrange, mais passionnant." Précisons que les proverbes que prononce le personnage ont tous été écrits par Paul Laverty... "Ils m'ont beaucoup fait rire quand je les ai lus – et je soupçonne qu'ils ont beaucoup fait rire Paul quand il les a écrits ! Cela ne me gênait pas du tout de les dire, au contraire : je les aimais beaucoup. Les buts ont été choisis par eux, mais je suis d'accord avec leur choix. Je trouve qu'il y a un bon équilibre, avec des buts à 20 ou 30 m, des lobs, des têtes... Des types de buts différents."

Ooh Aah Cantona !

Si le film n'est nullement un documentaire sur Eric Cantona, le cinéaste s'est inspiré de la personnalité du footballeur, très populaire en Grande-Bretagne : "En parlant avec Eric, ses réflexions sur le sport, sur sa place, sur ce qu'il a tenté de faire et son approche du football sont devenues partie intégrante du projet. Lorsqu'Eric rentre dans une pièce , il a un charisme, un magnétisme considérable. Les comédiens parlent de " projection naturelle " à propos de cette capacité à communiquer depuis la scène jusqu'au fin fond de la salle sans apparemment rien faire de spécial. Eric savait faire cela sur un terrain de football – il communiquait avec 70 000 personnes. C'est une capacité naturelle absolument extraordinaire. A Manchester, il a été traité avec respect, admiration et affection. Nous avons dû dissimuler sa présence – c'est la première fois que j'avais des paparazzis rôdant autour du plateau. Et si on marchait avec lui dans la rue, la circulation ralentissait et les gens lui attrapaient la main. Je suis allé à un match avec lui à Old Trafford. Même sans savoir qu'il était là, les gens chantaient les chansons de Cantona. Ils scandaient son nom alors qu'il n'était pas venu depuis dix ans ! Et puis ils ont découvert qu'il était là pour de bon, et ça a été la folie. Des hommes adultes pleuraient !"

La conquête de l'Evets

Steve Evets a eu un parcours pau banal avant d'obtenir le premier rôle de Looking for Eric. Issu d'un milieu ouvrier, le jeune homme s'engage dans la Marine Marchande, mais en est renvoyé trois ans plus tard. Il raconte : "J'avais fait toutes sortes de trucs, j'avais sauté deux fois d'un bateau au Japon, j'avais passé mon 18e anniversaire dans un bordel de Bombay – c'était une expérience très libératrice ! J'étais comme un jeune chien fou à l'époque. Puis j'ai trouvé un job de livreur de tuyaux industriels pour une boîte, parce que je n'avais pas d'autre option. Je me suis marié, ça a foiré et la boîte m'a licencié. Alors j'ai décidé de faire ce que j'avais en tête : être acteur, ou un truc créatif" Il a alors troqué son nom de famille, Murphy, pour le palindrome Evets. Il a trouvé quelques rôles comme comédien, et même joué de la basse avec le groupe The Fall, avant de se brouiller avec son imprévisible leader Mark E. Smith...

Surprise...

Originaire de Manchester, comme la plupart des supporters du film, Steve Evets, qui joue le rôle principal, ignorait jusqu'au derneir moment qu'Eric Cantona jouerait dans le film ! "Il savait seulement qu'il était impliqué comme producteur", raconte le réalisateur, qui précise : "Le jour où Cantona devait commencer à jouer, nous l'avons conduit discrètement dans la maison et dans la chambre. J'ai dit à Steve : " La lumière n'est pas bonne. Il va falloir qu'on mette du noir pour atténuer les reflets. Donne-nous dix minutes. " Steve est sorti fumer une cigarette, Eric Cantona s'est caché derrière un drap noir que nous avons placé autour de la caméra, puis nous avons joué la scène. Steve regardait en direction du poster grandeur nature de Cantona. Eric s'est glissé derrière lui et il s'est mis à parler. La surprise a été totale."

Le souffle d'Eric

Si Eric Cantona joue de la trompette dans le film, ce n'est pas par hasard... Dans la vraie vie, lorsqu'il a été suspendu pendant 9 mois, le footballeur s'était mis à cet instrument de musique.

(Infos Allociné)

ven.28.Janvier-Land-and-freedom

2011-01-26T13:27:00.005+01:00

Réalisation Ken Loach

1994

Durée : 01h49

Débat :

les mouvements révolutionnaires ont-ils encore de beaux jours ? A lumière de la révolution tunisienne : oui ! mais chez nous et de par le monde ?

Résumé (début de l'histoire)

Fouillant dans les affaires de son grand-père décédé, une jeune femme découvre le passé militant de celui-ci, et notamment sa participation en tant que soldat du POUM (engagé au côté des républicains, anarchistes et communistes) à la guerre d'Espagne en 1936. Un flash-back commence, qui durera tout le long du film, ou peu s’en faut. On voit alors une réunion du parti communiste anglais, dans les années 30. Un congressiste expose aux adhérents l’utilité d’aller se battre en Espagne, où Franco tente de prendre le pouvoir par la force. Le grand-père, David, alors jeune homme, décide d’aller se battre sur les tranchées en Espagne, car il pense qu’il serait plus utile là-bas, et il en fait part à sa compagne.

vend 14 Janvier-La-guerre-des-mondes

2011-01-12T00:14:00.000+01:00

Réalisé par Steven Spielberg

2004

Avec Tom Cruise, Dakota Fanning, Justin Chatwin

Science-fiction d'après le roman de HG Wells

1h52min

Synopsis : Ray Ferrier est un docker divorcé et un père rien moins que parfait, qui n'entretient plus que des relations épisodiques avec son fils Robbie, 17 ans, et sa fille Rachel, 11 ans. Quelques minutes après que son ex-femme et l'époux de cette dernière lui ont confié la garde des enfants, un puissant orage éclate. Ray assiste alors à un spectacle qui bouleversera à jamais sa vie...

La Guerre des mondes est l'adaptation du roman fantastique écrit en 1898 par le Britannique Herbert George Wells, maître de la science-fiction (L'Homme invisible, La Machine à remonter le temps, L'Ile du Dr. Moreau). La Guerre des mondes fut l'un des premiers ouvrages de science-fiction, mais aussi l'un des premiers romans à aborder le thème de l'invasion extra-terrestre. Ce thème allait, par la suite, inspirer bon nombre de cinéastes parmi lesquels Roland Emmerich (Independence Day), Tim Burton (Mars Attacks!) et... Steven Spielberg, avec E.T. l'extraterrestre et Rencontres du 3e type.

Un projet vieux de dix ans

C'est au milieu des années 90 que Steven Spielberg eut l'idée d'adapter le roman d'H.G. Wells. Mais la sortie, en 1996, d'Independence Day, long-métrage abordant le même thème de l'invasion extra-terrestre, l'incita à mettre de côté le projet. Après Minority report, Spielberg parla dudit projet à Tom Cruise, qui lui rendait visite sur le plateau d'Arrête-moi si tu peux, et les deux hommes en vinrent rapidement à conclure que leur prochain film commun serait La Guerre des mondes. Trois ans plus tard, le rêve devenait réalité...

La seconde version sur grand écran

La Guerre des mondes de Steven Spielberg n'est pas l'unique adaptation cinématographique du roman de H.G. Wells. En 1954, Byron Haskin y allait de sa Guerre des mondes, avec Gene Barry et Ann Robinson en vedettes. Une autre version a été tournée par Timothy Hines : sortie directement en DVD au mois de juin 2005, cette Guerre des mondes, très fidèle au roman d'origine, est portée par des comédiens peu connus du grand public. Mais lors du lancement du projet en 2001, Michael Caine, Charlize Theron et Eric Stoltz reçurent et déclinèrent une offre pour jouer dans le film.

Cruise/Spielberg : deuxième !

La Guerre des mondes marque la seconde collaboration, à nouveau dans le genre de la science-fiction, du réalisateur Steven Spielberg et du comédien Tom Cruise, trois ans après Minority report. Au sujet de ce dernier, le cinéaste déclare : "Nous nous connaissons déjà depuis de longues années, mais cela a créé entre nous une nouvelle relation. Tom est un associé créatif, d'une rare intelligence, qui vous apporte des idées formidables. Le courant passe admirablement entre nous. J'adore travailler avec lui."

Mirando Otto enceinte

L'actrice australienne Miranda Otto était de passage à Los Angeles lorsque son agent l'informa que Steven Spielberg souhaitait la rencontrer. Enceinte, elle craignait de devoir refuser son offre, mais elle découvrit que cette grossesse (amplifiée à l'écran) serait un atout supplémentaire, un élément propre à étoffer - et compliquer encore un peu plus - les relations entre Ray et son ex-femme, Mary Ann.

Gene Barry et Ann Robinson au générique

Fan de la version réalisée en 1953 par Byron Haskin, Steven Spielberg demanda aux deux stars de ce film, Gene Barry - qu'il avait dirigé à ses débuts dans Les Règles du jeu - et Ann Robinson, de faire une petite apparition dans sa propre Guerre des mondes.

De la 3D pour les story-boards

Steven Spielberg s'est fait par avance une idée extrêmement précise des lieux et décors-clés du film en ayant recours, depuis le début de la préproduction, à de l'animation en 3D - équivalents numériques et animés de story-boards qui ne "pré-visualisent" pas seulement l'univers général de la scène mais chacune de ses composantes futures : décor, personnages, position des caméras, etc. C'est une visite à son ami George Lucas qui persuada le réalisateur de tirer profit de cette technique.

Lieux de tournage

Le tournage débuta dans la petite communauté d'Ironbound. C'est sur ce site que l'équipe technique, les comédiens et quelques centaines de figurants ont participé à la première confrontation de Ray avec un Tripode.

A Lexington, modeste bourgade qui abrite l'Université Washington and Lee et l'Institut Militaire de Virginie, un vallon niché entre les collines offrit un décor de rêve pour la première partie de la séquence dite de la "Guerre de la Vallée".

Après avoir regagné la côte ouest, l'équipe a repris le travail dans la région de Los Angeles, notamment à Piru où a été filmée la deuxième partie de cette séquence, et à Mstery Mesa, à quelques 90 km au nord de Los Angeles.

Une petite colline des studios Universal a été entièrement aménagée et "habillée" pour le crash dévastateur d'un 747.

Le projet avorté d'Orson Welles

En 1938, le réalisateur Orson Welles (Citizen Kane) terrifie l'Amérique en répandant sur les ondes du pays la nouvelle selon laquelle les extra-terrestres sont sur le point de débarquer sur Terre. Un gigantesque canular inspiré de La Guerre des mondes, le roman de son (presque) homonyme H.G. Wells. Un canular qui allait également lui donner l'envie d'adapter l'ouvrage sur grand écran. Mais le projet, difficile à mettre en place, fut finalement abandonné.

Deux siècles plus tard...

A la différence du roman d'H.G. Wells, qui situait l'action de son histoire au 19e siècle, le film La Guerre des mondes voit son action prendre place au 21e siècle. En revanche, malgré ces deux siècles de différence, la trame scénaristique reste la même.

Changement de titre

Avant d'opter définitivement pour le titre La Guerre des mondes, la production envisagea un temps d'appeler le film Out of the night. Une idée qui fut vit écartée, de peur d'avoir à affronter les réactions négatives des fans.

ven 7 janvier 2011-Rencontres-du-3ème-type

2011-01-05T16:02:00.000+01:00

Réalisé par Steven Spielberg 1977

Avec Richard Dreyfuss, François Truffaut

Genre : Science fiction , Aventure , Drame

2h15

Résumé :

Des faits étranges se produisent un peu partout dans le monde : des avions qui avaient disparu durant la Seconde Guerre mondiale sont retrouvés au Mexique en parfait état de marche, un cargo est découvert échoué au beau milieu du désert de Gobi.

Dans l'Indiana, pendant qu'une coupure d'électricité paralyse la banlieue, Roy Neary, un réparateur de câbles, voit une "soucoupe volante" passer au-dessus de sa voiture. D'autres personnes sont également témoins de ce type de phénomène : Barry Guiler, un petit garçon de quatre ans, est réveillé par le bruit de ses jouets qui se mettent en route.

Cherchant à savoir d'où proviennent ces ovnis, Roy Neary se heurte aux rigoureuses consignes de silence imposées par le gouvernement fédéral. Obsédé par ce qu'il a vu et hanté par une image de montagne qu'il essaie désespérément de reconstituer, il est abandonné par sa femme Ronnie et ses enfants. Il n'y a que Jillian, la mère de Barry, qui le comprenne.

Parallèlement à ces événements, une commission internationale conduite par le savant français Claude Lacombe s'efforce d'en percer le mystère. Une évidence s'impose bientôt à eux : une forme d'intelligence extraterrestre tente d'établir un contact avec les Terriens.

Truffaut acteur

"Rencontre du 3e Type" marque la seule expérience d'acteur de François Truffaut pour un autre réalisateur. En effet, Truffaut avait déjà fait l'acteur dans ses propres films comme "L'enfant sauvage" ou "La nuit américaine".

Spielberg/Dreyfuss : 2eme

"Rencontre du 3e type" marque la 2e des 3 collaborations entre le réalisateur Steven Spielberg et l'acteur Richard Dreyfuss aprés "Les dents de la mer" et avant "Always".

Problémes de casting

De nombreux acteurs ont été approchés pour le rôle principal, celui de Roy Neary. Ainsi, avant que Richard Dreyfuss n'obtienne le rôle, celui-ci avait été proposé à Steve McQueen, Dustin Hoffman, Gene Hackman, Jack Nicholson et même Lino Ventura !

Changement de scénariste

Le scénario original du film était l'oeuvre de Paul Schrader, déjà auteur des scénarios de "Taxi Driver" de Martin Scorsese ou de "Obsessions" de Brian De Palma. Mais Spielberg, mécontent d'une partie du scénario, le réécrivit entièrement. Schrader refusa dés lors d'être crédité au générique, considérant le script comme la "chose" de Spielberg.

Un montage peu traditionnel !

Le montage du film fut fait par rapport à la musique de John Williams, contrairement à se qui se fait habituellement, c'est-à-dire faire le montage et y apposer la musique. Spielberg et Williams ont jugé que cela donnait au film une sensation lyrique, parfaite pour le film.

Une musique célébre

Le célébre théme du film, composé de seulement 5 notes, fut parodié à de nombreuses reprises, par exemple dans les films "Moonraker" (11e film de la saga James Bond) ou dans "Deux heures moins le quart avant Jésus-Christ" de Jean Yanne.

Truffaut et l'anglais !

Spielberg, qui considérait le réalisateur français François Truffaut comme son modéle, souhaitait absolument le faire jouer dans son film. Mais Truffaut parlait trés mal anglais. Spielberg accepta donc que ce-dernier parle français dans la version originale du film. Le rôle de David Laughlin (interprété par Bob Balaban) fut donc créé pour traduire les paroles de Truffaut en anglais. L'effet produit est assez particulier dans la version française puisque soit Balaban ne fait que paraphraser les propos de Truffaut soit les deux acteurs finissent les phrases de l'autre !

Plusieurs versions

Le film connu plusieurs versions. La première est celle sortie en salle en 1977 et qui dure 2H15. En 1980, une édition spéciale vit le jour avec un film de 2H12. Et enfin, en 1998, le film ressorti en director's cut avec une durée de 2H17.

Bonne nouvelle année 2011

2010-12-26T11:55:00.013+01:00

Nous nous retrouverons avec chaleur !! Pour compenser ces jolis frimas.

La rentrée du ciné-club de 2011
le vendredi 7 janvier.

Avec "Rencontres du 3ème type" de Steven Spielberg

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bonne fête
attention à l'alcool si vous conduisez.

Alain

vendredi 24 décembre :"Le-destin"

2010-12-15T12:32:00.001+01:00

Réalisé par Youssef Chahine

Avec Mohamed Mounir, Mahmoud Hemeida, Khaled El-Nabaoui

Durée : 02h15min

Année 1997

Résumé : Désirant amadouer les intégristes, le calife el-Mansou ordonne l'autodafé de toutes les oeuvres du philosophe andalou Averroès dont les concepts influenceront non seulement l'age des Lumières en Occident, mais toute la pensée humaine. Les disciples d'Averroès et ses proches décident d'en faire des copies et de les passer à travers les frontières.

LA CRITIQUE LORS DE LA SORTIE EN SALLE DU 18/10/1997

Youssef Chahine doit faire quelques envieux du côté de Hollywood. Les bons et les méchants du Destin sont en effet les plus convaincants, les mieux dessinés, les plus

hauts en couleur qu'on ait vus depuis longtemps. D'un côté, une troupe d'intégristes fanatiques en habits verts, tout à la dévotion d'un émir au regard noir et fixe, au visage émacié. De l'autre, un philosophe assez jovial, et son entourage de sympathisants, dont les deux fils du sultan.

Ces petits hommes verts et ce sage barbu, Youssef Chahine n'est pas allé les chercher dans une lointaine galaxie, mais au XIIe siècle, alors que l'Andalousie (juste avant la reconquête chrétienne) était islamique, et l'Islam cosmopolite et tolérant. Le film s'ouvre sur un autodafé tragique. En Languedoc, les inquisiteurs brûlent un homme au milieu de ses livres. Son crime : avoir traduit les écrits d'Averroès, philosophe osant proclamer que « la raison est l'amie et la soeur de la loi divine », mais aussi juge, astronome et médecin à ses heures. Le fils du traducteur immolé s'en va rejoindre à Cordoue ce penseur épatant, dont les rapports avec le pouvoir (un sultan plutôt fat, un émir exalté) vont désormais fournir la trame du récit, jusqu'à son bannissement. Le plus turbulent des cinéastes égyptiens ne pouvait que sympathiser avec Averroès. Parmi ses divers démêlés avec la censure intégriste, il suffit de se rappeler ceux qui ont récemment accompagné la sortie de L'Emigré (voir re- portage, page 30), son film précédent. Moins kitsch, Le Destin, s'il offre à l'oeil tous les apparats, les palais, les sabres et les turbans de la fresque historique, manifeste ouvertement sa brûlante actualité. Certes, Chahine, bien que très porté sur l'autobiographie, n'est pas allé jusqu'à endosser lui-même le costume d'Averroès, dont il aurait d'ailleurs un peu de mal à trouver l'équivalent contemporain (Salman Rushdie ?).

Mais quand on entend l'un des hommes en vert proférer d'un ton ferme et lugubre : « A chaque gorge que je tranche, je me rapproche du paradis », on se dit que sa descendance désastreuse est tout près de nous, en Algérie. Plus loin dans le film, c'est un chanteur de raï qu'on assassine (ça ne s'appelait pas raï à l'époque, mais qu'importe), et, là aussi, un frisson bizarre vous court dans le dos. Petit miracle du cinéma : là où tout était réuni pour faire de ce quasi-péplum un pensum à message asséné, Youssef Chahine batifole à plaisir. Rendez-vous amoureux, incendies, guets-apens, tout lui est prétexte à presser le mouvement, à faire cavaler le drame, à fouetter les conventions du genre, pourtant bien arrêtées.

Tout n'est pas inoubliable au fil de ce Destin lorgnant sur Dumas et Shakespeare. Mais tout coule sur un tempo enlevé qui contraste avec la gravité du sujet. Il y a une musique très fraîche encore au coeur de ce cinoche un peu vieux jeu, et ce n'est pas un hasard si les points d'orgue en sont les passages chantés, vrais moments de comédie musicale un genre que le cinéaste aborda dès les années 50. Chaque fois, le barde Marwan est là pour signifier que le désir de vie doit l'emporter sur l'instinct de mort, qu'il s'agisse de retrouver le goût de chanter après un malheureux coup de sabot ou d'arracher le jeune Abdallah à la funeste influence de l'émir et de ses sbires. Entraînants et sensuels, placés à des moments charnières, ces airs dansés ont sur Chahine et sur son film un effet stimulant. Par opposition, les incantations monocordes martelées par les hommes verts enfoncent le clou avec une belle ironie. C'est peut-être à ce barde, autant qu'au philosophe Averroès, que s'est identifié le cinéaste. A moins qu'il ne s'imagine quelque part entre les deux, au milieu de cette « famille » idéale, bohème, soudée à l'ombre des puissants.

Un petit monde fraternel où les femmes, comme souvent chez Chahine, ont un rôle essentiel. Fortes, raisonnables (et parfois divines), les fières Arabo-andalouses du Destin sont un des plus beaux pieds de nez de ce film insolent, dont on pourrait croire qu'il va finir sur la même note sombre qu'au début : des livres à nouveau flambent, des soldats font cercle autour du bûcher. Mais, cette fois, l'auteur ne part pas en fumée avec sa prose. Au passage, tape amicale de Chahine à l'Occident soi-disant civilisé, sur le thème : c'est vous qui les brûliez... Et geste magnifique d'Averroès, jetant lui-même un de ses livres au feu. La pensée vole, les idées vivront... Là se condense toute la liberté d'un film bien mieux qu'humanitaire, bien mieux qu'humaniste : profondément humain -

François Gorin

Le scénario du film est publié dans la collection « Petite Bibliothèque des Cahiers du cinéma », avec une interview de Youssef Chahine sur l'ensemble de son oeuvre.

vendredi 10 déc-Amarcord

2010-12-07T22:27:00.000+01:00

Réalisé par Federico Fellini
1974

Avec Magali Noël, Bruno Zanain, Pupella Maggio

02h07

Résumé :

Dans un bourg italien près de la mer, à l'heure du fascisme triomphant, les enfants trainassent, cherchant des victimes pour leurs blagues innocentes. L'un d'eux va connaître, en l'espace d'une année, une série d'expériences tour à tour drôles, savoureuses et poignantes.

Le dossier sur Fellini complet de la revue de cinéma Cadrage ICI

Avec Amarcord, Federico Fellini signe un long-métrage autobiographique dans lequel il revient sur ses jeunes années passées dans le village de Rimini. C'est logiquement que le réalisateur a choisi le titre Amarcord puisque celui-ci signifie "je me souviens" dans le patois de l'Emilie, province du nord de l'Italie dont il est originaire.

Fellini et Rota

Depuis son premier long métrage Le Cheik blanc en 1952, Federico Fellini confie la musique de ses films à Nino Rota. Le compositeur travaille ainsi sur quinze films du réalisateur, signant entre autres les mélodies de La Strada, La Dolce Vita, Huit et demi, ou Amarcord. Leur collaboration est interrompue par la mort de Nino Rota en 1979.

Fellini / Magali Noël : troisième !

Amarcord est la troisième et dernière collaboration du réalisateur Federico Fellini avec l'actrice turque Magali Noël, après La Douceur de vivre en 1960 et Satyricon en 1969.

Une bonne bande annonce

Aux Etats-Unis, Amarcord était distribué par Roger Corman chez qui travaillait un certain Joe Dante. Pas encore réalisateur de Hurlements ou des Gremlins, il s'occupait alors de monter des bandes annonces. Il a donc monté celle d'Amarcord et Fellini l'a félicité personnellement pour cette bande annonce américaine du meilleur effet !

(Infos Allo-ciné)

vendredi 3 décembre-L'argent-de-poche

2010-12-03T14:30:00.001+01:00

L'Argent de poche

réalisé par François Truffaut,

sorti en 1976.

Résumé

Le film met en scène des enfants en colonie de vacances ainsi que la fin de leur année scolaire.
La vie des enfants de la ville de Thiers à l'école à la fin de l'année scolaire nous est montrée. La plupart des enfants vivent une vie sereine montrée par la patte caractéristique de Truffaut, mêlant petits événements, tracas et peines, et surtout pour les enfants, apprentissage de la relation à l'autre, sous le regard des adultes. Un seul d'entre eux vit l'horreur au quotidien. À la fin du film, cet enfant, Julien , est sauvé des griffes de ses parents maltraitants, c'est l'occasion pour l'enseignant de faire un cours sur son engagement auprès des élèves. Il a choisi d'enseigner pour lutter contre les injustices faites aux enfants. L'arrivée de l'été et de la colonie de vacances sera l'occasion des premières amours de Patrick, comme une conclusion en forme d'espoir.

Fiche technique

Titre original : L'Argent de poche
Réalisateur : François Truffaut
Scénario et dialogues de François Truffaut et Suzanne Schiffman
Images : Pierre-William Glenn
Musique : Maurice Jaubert
Son: Michel Laurent
Montage : Yann Dedet
Production : Films du Carrosse et United Artists
Durée : 105 minutes
Lieu de tournage: ville de Thiers

interprétation

Philippe Goldmann : Julien
Bruno Staab : Bruno
Geory Desmouceaux : Patrick
Laurent Devlaeminck : Laurent
Nicole Félix : la mère de Grégory
Chantal Mercier : Chantal Petit, professeur
Jean-François Stévenin : Jean-François Richet, professeur
Virginie Thévenet : Lydie Richet
Tania Torrens : Nadine Riffle, la coiffeuse
René Barnerias : Monsieur Desmouceaux, père de Patrick
Sylvie Gresel : Sylvie
Katy Carayon : la mère de Sylvie
Jean-Marie Carayon : le père de Sylvie, inspecteur de police
Annie Chevaldonne : Nurse
Francis Devlaeminck : Monsieur Riffle, père de Laurent, coiffeur
Michel Dissart : Monsieur Lomay, agent de police
Michele Heyraud : Madame Deluca
Paul Heyraud : Monsieur Deluca
Jeanne Lobre : la grand-mère de Julien
Vincent Touly : le concierge
Pascale Bruchon : Martine
Anecdotes [modifier]

Éva Truffaut, la fille du réalisateur, joue un petit rôle dans ce film, apparaissant quelques minutes à l'écran. La plupart des jeunes acteurs de ce film sont des habitants de Thiers, ce qui confère une portée proche du documentaire, ou du témoignage d'époque, à celui-ci.

vendredi 26 novembre -Le-Petit-criminel

2010-12-01T12:12:00.007+01:00

Réalisé par Jacques Doillon 1990

Avec Richard Anconina, Gérald Thomassin, Clotilde Courau

01h40

Séance thématique "droits de l'enfant"

Synopsis :

L'histoire simple d'un garçon à l'abandon qui découvre qu'il a une soeur, commet un vol, braque un policier et cherche à se faire aimer.

Doillon, à hauteur d'enfant

Une grande partie de l'oeuvre de Jacques Doillon est consacrée à l'univers des enfants et des adolescents, et ce dès son deuxième long-métrage, Les Doigts dans la tête, chronique sociale autour d'un apprenti boulanger et de ses ami(e)s.

Le cinéaste fait le portrait d'une fillette enlevée par un marginal dans La Drôlesse (1979), d'un groupe de lycéens dans Le Jeune Werther (1993), et s'intéresse à des jeunes issus de milieux défavorisés dans Le Petit criminel (1990) et Petits Freres (1999).

Il filme une adolescente face à son père dans La Vie de famille (1985), et face à celui de son petit ami dans La Fille de quinze ans (1989). Laure Marsac trouve son premier rôle à 14 ans dans La Pirate (1984) et Lou Doillon, fille du réalisateur, à 16 ans dans Trop peu d'amour (1998).

Avec Ponette, en 1996, il fait tourner des enfants qui ont pour la plupart entre 4 et 5 ans. Une de ses rares adaptations littéraires, Un sac de billes en 1975, a également pour héros deux enfants, dans la France occupée.

vendredi 12 novembre Petits-frères

2010-11-10T11:55:00.023+01:00

Réalisé par Jacques Doillon

1998

Comédie dramatique
Durée : 01h32min

Résumé :

Après une embrouille avec son beau-père, Talia, treize ans, s'enfuit de la maison. Elle décide d'emmener sa chienne, Kim, avec elle. Elle part pour Pantin où habite un de ses amis. Le copain est parti en foyer. Elle rencontre quatre garçons de son age, drôles et malins, qui s'interessent à elle. En realite c'est Kim qui les attire. Les petits fomentent un plan : gagner la confiance de la fille et lui voler sa chienne. Ils la revendront et la feront tourner dans des combats. Tania, furieuse, est prête à tout pour retrouver l'animal.

Commentaires sur la séance et le débat :

Michèle :

Belle prise de risque qui laisse des traces profondes bien après avoir vu le film.
Violence et tendresse, enfance et état d'adulte imposé, amour et haine, pudeur et dévoilements fugaces, objet et animal transitionnels .... De l'un à l'autre constamment, ambivalence permanente entre besoin d'amour, fuite et provocation.
Quels adultes deviendront ces ados déboussolés ? Tyson, mère de sa mère en allant dénoncer l'inacceptable ?
Merci à Doillon pour son regard porté sur ces pré-ados qu'il aime et respecte.
Merci à Gandhi pour ses commentaires et son information au sujet des nouvelles caméras
Merci aussi au Che d'avoir pris la parole
A chaque fois,vraiment, nous sortons toujours plus riches de ces séances

Alain :

André Lebot a noté comme nous tous l'intérêt des jeunes usagers du restaurant social pour ce film. Et malgré le charivari que nous connaissons, les allers et venues, les discussion impromptues, les musiques du jeu vidéo de la console d'informatique, les bruits de vaisselles du restaurant, il y a eu des instants d'intense concentration et émotion.

J'ai noté ce week-end une remarque profonde de François Tosquelles, fondateur de la psychiatrie de secteur, et de la clinique de Laborde, ancien militant anarchiste du Poum espagnol, - sur ces allées et venues de ceux qui ne veulent ni ne peuvent rester en place : il nous dit qu'ils renvoient à notre droit fondamental au vagabondage de l'être.

Ceci renvoie à l’instabilité permanente des personnages de "Petits frères" qui se mettait pendant la séance en écho avec l'ambiance du restaurant. Mais aussi à la position d'extériorité du personnage principal. Venant d'un autre quartier. Comme Tosquelles venant d'Espagne n'a jamais abandonné son fort accent catalan. C'est par cette position d'extériorité que nous devenons tous frères de façon profonde et illimitée. Joli métaphore et invitation du titre lui même à devenir tous Roms comme dans une autres époque la présence de Dany le rouge a amené à l'invention du fameux slogan : "nous sommes tous des juifs allemands".

On notera que ce personnage féminin de Doillon est bien sur juive mais ne la ramène pas. Elle parle à partir d'une autre autorité. Celle de la révolte contre l'inacceptable ou contre les rapport de forces par exemple. Qui l'amène sans hésitation à rendre coup pour coup, et user elle aussi de la force jusqu'à la nausée.L'un des drames des cités c'est la restriction de l'espace d’existence limitée au quartier. La territorialisation de l'être.

" Jouer à faire semblant" : espace potentiel et chamanisme

La séquence de l'enterrement du chien, depuis le moment où on le découvre et où son cadavre est transporté, ainsi que la séquence finale du mariage simulé sont "chamaniques".

On a deux séquences très proches dans "Ali Zaoua, prince de la rue" de Nabil Ayouch sorti en 2001, sur le phénomène des enfants des rues livrés à eux-mêmes à Casablanca. L'une où le cadavre de Ali Zaoua est enseveli dans la mer. Ce qui relève les enfants de leur condition inhumaine. Une autre où les enfants sur les traces d'une ancienne maison dessinent sur le sol la maison idéale dans laquelle ils aimeraient vivre avec tous les détails des aménagements - bref ils font comme font tous les enfants.

On voit que ce que Cyrulnik appelle résilience s'articule avec ce que Winnicott appelle l'espace potentiel, l'espace de jeu, l'espace des objets transitionnels : "on joue à faire semblant" et ce semblant chargé de conditions insupportables allège, se transforme. un contexte aménagé qui devient positif et donne goût à la vie.

Ce semblant on le rencontre aussi dans "Les maîtres fous" de Jean Rouch. Ou trois hommes venus des campagnes africaines, exhilés à la ville pour survivre, improvisent un jeu; c'est comme un rituel où ils se mettent scène sous des personnages de blancs qui ont des responsabilités, ils le chorégraphie jusqu'à la transe, et le parlent la bave blanche aux lèvres. Jusqu’au sacrifice réel d'un chien. Victime expiatoire par laquelle ils exorcisent leur situation de colonisés.

A.A

L'enfant sauvage

2010-11-02T10:02:00.000+01:00

Réalisé par François Truffaut en 1969

Avec Jean-Pierre Cargol, François Truffaut, Jean Dasté

Durée : 01h30min

Résumé :

L'histoire d'un "enfant-loup" decouvert en 1798, en pleine foret. D'apres le recit ecrit par un medecin au debut du siecle.

Dans le cadre de la quinzaine des droits de l'enfant.

Le 19 novembre la séance sera assuré par l'Unicef Projection et débat

Le 26 novembre nous projetterons L'argent de poche

"Deux ans après" de Agnés Varda vendredi 29 à 13h30

2010-10-26T13:48:00.018+02:00

"Deux ans après"
Réalisation Agnès Varda
2002
1h03
Avec Macha Makeïeff, Agnès Varda etc.

Quant à nous, noble assemblée du restaurant Pierre Landais, comme de nouveaux radicelles fertiles nous nous courberons sur la note d'intention de Agnés Varda pour "Les glaneurs et la glaneuse" ci-dessous en fin de page - histoire de contredire une fois au moins l'un de ses commentaires glané dans le premier film : "Les glaneurs aujourd'hui glanent seuls contrairement aux glaneurs d'hier (remarque profonde). Car les glaneurs que nous sommes ont besoin au contraire de s'y mettre à plusieurs.

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Un véritable film, aussi réjouissant, émouvant et stimulant que le premier :

Inspirée par l'extraordinaire courrier, truffé de messages d'admiration mais aussi d'objets, d'imagination et d'informations, que lui ont valu ses Glaneurs, la cinéaste invente un nouveau patchwork où se croisent les récentes acquisitions du petit musée de la factrice Varda, la rencontre avec quelques-uns de ceux qui lui ont écrit et les retrouvailles avec des protagonistes du long métrage de 2000.

Ces retrouvailles sont en elles-mêmes passionnantes, les changements, heureux ou malheureux, dans la situation des uns et des autres, la possibilité d'enrichir les réflexions suscitées par le film princeps (ainsi la séduisante définition de la psychanalyse comme glanage par le vigneron-analyste Jean Laplanche), la critique du film par certains glaneurs, ou les effets de celui-ci sur la vie des autres font partie des enrichissements offerts par Deux ans après. De toutes les bonnes raisons de réaliser ce film, le désir de rendre aux personnages du premier film un peu de ce qu'ils lui avaient donné, et surtout de souligner que leur vie à eux continue, n'est pas la moindre.

Mais Deux ans après ne se contente pas d'être sagement collé à côté des Glaneurs. L'apparition de la fameuse petite patate en forme de cœur pendant le visionnage du long métrage signale la possibilité de sortir du déroulement du film et de bifurquer vers le même personnage retrouvé deux ans plus tard.

Notre séance huit ans après

Le film continue à faire des tiges nouvelles comme un rhizome (illustrant ou donnant de la chair, de patate au concept de Deleuze et Guattari). Nous tenterons de mettre en rapport ces deux documentaires, avec ces photos que Agnés Varda propose actuellement à La Fiac (La foire de l'art contemporain à Paris).

légende du triptique :

"couples brisés"

Mais encore nous pourrions encore débattre à partir de la note d'intention de Agnés Varda pour "Les glaneurs et la glaneuse" ci-dessous :

Note d'intention de Agnès Varda pour "Les glaneurs et la glaneuse:

« Ce film est documentaire par son sujet. Il est né de plusieurs circonstances. D’émotions liées au vu de la précarité, du nouvel usage des petites caméras numériques et du désir de filmer ce que je vois de moi : mes mains qui vieillissent et mes cheveux qui blanchissent.

Mon amour de la peinture a voulu aussi s’exprimer..

Tout cela devait se répondre et s’imbriquer dans le film sans trahir le sujet de société que je souhaitais aborder : le gâchis et les déchets... Qui les récupère ? Comment ? Peut-on vivre des restes des autres ? Au départ d’un film, il y a toujours une émotion. Cette fois-ci, celle de voir tant de gens qui vont ramasser ce qui traîne en fin de marchés ou les restes jetés dans les containers des grandes surfaces. Quand on les voit, on veut filmer ces personnes et c’est aussi cela qui ne se peut filmer sans leur accord. Comment témoigner pour eux sans les gêner ?

D’autre part, au moment des grandes moissons de blé de l’été 99, j’ai vu, à la télévision, un agriculteur perché sur sa moissonneuse-batteuse-lieuse. Il disait que si la machine était mal réglée et si elle laissait un grain par épi, à la fin de la moisson, il perdrait une énorme quantité de blé et une grande somme d’argent. Ce grain de blé resté sur l’épi m’a frappée. J’ai pensé au glanage d’autrefois, coutume rurale qui s’est perdue [et pour cause], et aux peintures représentant des glaneuses.

J’avais aussi envie de faire un film errant. Chercher des contacts. Faire des rencontres. Comme il n’y a pas de mot français pour dire road-movie, je pourrais dire que j’ai tourné un road-documentary. Disons un documentaire-routard-en-voiture.

Il fallait traiter le sujet en mode rural [le glanage et le grappillage] et en mode urbain [la récupération] et je m’autorisais des digressions variées avec un point d’accroche au sujet. Sont donc entrés dans le film un viticulteur descendant de l’extraordinaire inventeur Etienne Jules Marey, le propriétaire d’un vignoble de grand cru qui est aussi psychanalyste, un cours du soir d’alphabétisation, les confidences d’un cafetier et de sa bistroquette...

Je voulais glaner des images comme on prend des notes. Me permettre de montrer un drôle de chien aperçu en passant [veut-il boxer ?]. Ou le débordement du Dard. Ou m’arrêter longuement sur une peinture de Van der Weyden. Observer les couples. Et toujours revenir aux glaneurs et glaneuses, les mettre en confiance, les écouter, dialoguer avec eux plutôt que seulement poser des questions. Et les filmer.

Mes intentions ne se sont précisées qu’en cours de tournage et de montage. Peu à peu, je trouvais le dosage entre les auto-séquences - la glaneuse qui d’une main filme son autre main ou le contenu de sa valise - et les séquences sur ceux dont la situation et le comportement m’avaient impressionnée. J’avais réussi à les approcher, à les faire sortir de l’anonymat. Je les découvrais généreux. Il y a beaucoup de façons d’être pauvre, d’avoir du bon sens, de la colère ou de l’humour. Ceux que j’ai filmés nous apprennent beaucoup sur notre société et sur nous-mêmes. Moi aussi j’ai appris beaucoup en tournant ce film. Cela m’a confirmé que le documentaire est une école de modestie. ».

fiche technique du film "deux ans après" :

Directeur photo Stéphane Krausz, Agnès Varda

Son Agnès Varda -

Musique Georges Delerue, Joanna Bruzdowicz, Isabelle Olivier, François Wertheimer -

Montage Agnès Varda, assistée de Laure-Alice Hervé, Jean-Baptiste Morin, Laurent Pineau - Montage son et mixage Christophe Baudin -

Production Agnès Varda - Production Ciné Tamaris, Canal+, C.N.D.P., CNC

Diffusé sur Canal +

"Les Glaneurs et la glaneuse" le vendredi 22 octobre - // et " Deux après" le lundi 25 octobre à 13h en présence de Agnés Varda

2010-10-18T11:04:00.006+02:00

Vendredi 22 Octobre à 13h30
pour préparer la rencontre nous projetterons la première partie du documentaire "Les glaneurs et la glaneuse". Suivi d'un débat.

le lundi 25 octobre à 13h
Agnés Varda sera présente parmi nous.
Nous projetterons "Deux après "la suite de "Les glaneurs et la glaneuse", que madame Varda nous a apporté. Dans lequel elle revient sur des personnages et en ajoute d'autres.

C'est sous l'idée de Yvon un usager du restaurant social - que Varda a filmé dans la deuxième partie de son film les glaneurs et la glaneuse - que André Lebot le directeur de Pierre landais a contacté Varda. Qui a accepté de venir débattre avec nous.

Note d'intention de Agnès Varda :

« Ce film est documentaire par son sujet. Il est né de plusieurs circonstances. D’émotions liées au vu de la précarité, du nouvel usage des petites caméras numériques et du désir de filmer ce que je vois de moi : mes mains qui vieillissent et mes cheveux qui blanchissent. Mon amour de la peinture a voulu aussi s’exprimer.
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Tout cela devait se répondre et s’imbriquer dans le film sans trahir le sujet de société que je souhaitais aborder : le gâchis et les déchets... Qui les récupère ? Comment ? Peut-on vivre des restes des autres ? Au départ d’un film, il y a toujours une émotion. Cette fois-ci, celle de voir tant de gens qui vont ramasser ce qui traîne en fin de marchés ou les restes jetés dans les containers des grandes surfaces. Quand on les voit, on veut filmer ces personnes et c’est aussi cela qui ne se peut filmer sans leur accord. Comment témoigner pour eux sans les gêner ?
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D’autre part, au moment des grandes moissons de blé de l’été 99, j’ai vu, à la télévision, un agriculteur perché sur sa moissonneuse-batteuse-lieuse. Il disait que si la machine était mal réglée et si elle laissait un grain par épi, à la fin de la moisson, il perdrait une énorme quantité de blé et une grande somme d’argent. Ce grain de blé resté sur l’épi m’a frappée. J’ai pensé au glanage d’autrefois, coutume rurale qui s’est perdue [et pour cause], et aux peintures représentant des glaneuses.
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J’avais aussi envie de faire un film errant. Chercher des contacts. Faire des rencontres. Comme il n’y a pas de mot français pour dire road-movie, je pourrais dire que j’ai tourné un road-documentary. Disons un documentaire-routard-en-voiture. Il fallait traiter le sujet en mode rural [le glanage et le grappillage] et en mode urbain [la récupération] et je m’autorisais des digressions variées avec un point d’accroche au sujet. Sont donc entrés dans le film un viticulteur descendant de l’extraordinaire inventeur Etienne Jules Marey, le propriétaire d’un vignoble de grand cru qui est aussi psychanalyste, un cours du soir d’alphabétisation, les confidences d’un cafetier et de sa bistroquette...
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Je voulais glaner des images comme on prend des notes. Me permettre de montrer un drôle de chien aperçu en passant [veut-il boxer ?]. Ou le débordement du Dard. Ou m’arrêter longuement sur une peinture de Van der Weyden. Observer les couples. Et toujours revenir aux glaneurs et glaneuses, les mettre en confiance, les écouter, dialoguer avec eux plutôt que seulement poser des questions. Et les filmer.
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Mes intentions ne se sont précisées qu’en cours de tournage et de montage. Peu à peu, je trouvais le dosage entre les auto-séquences - la glaneuse qui d’une main filme son autre main ou le contenu de sa valise - et les séquences sur ceux dont la situation et le comportement m’avaient impressionnée. J’avais réussi à les approcher, à les faire sortir de l’anonymat. Je les découvrais généreux. Il y a beaucoup de façons d’être pauvre, d’avoir du bon sens, de la colère ou de l’humour. Ceux que j’ai filmés nous apprennent beaucoup sur notre société et sur nous-mêmes. Moi aussi j’ai appris beaucoup en tournant ce film. Cela m’a confirmé que le documentaire est une école de modestie. ».
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vendredi 8 octobre-Fahrenheit-451

2010-10-04T08:28:00.007+02:00

Dans le cadre de Passage(s) de Livre à Nantes

Fahrenheit451
Réalisé par François Truffaut
Avec Julie Christie,
1966 science fiction
Durée : 01h52

Résumé :
Dans un Etat totalitaire d’un futur indéterminé, les livres, considérés comme un fléau pour l’humanité, sont interdits et brûlés. Ce sont les pompiers qui se chargent de cette besogne, qu’ils accomplissent avec beaucoup de dévotion. Montag est l’un des pompiers les plus chevronnés de son escouade. Un soir, en rentrant chez lui, il est abordé par une jolie voisine, Clarisse, qui lui pose des questions existentielles.

Le livre de Ray Bradbury a été adapté au cinéma par François Truffaut

Si le film de ne restitue pas la richesse de la langue bradburienne, il propose une adaptation saisissante du roman. Un film déroutant dans lequel le cinéaste passe, avec une suprême habileté, du registre de l'étude de mœurs à celui du drame. Une mise en scène d'une exceptionnelle virtuosité, des acteurs dignes de ce nom, une photographie particulièrement soignée dont Nicolas Roeg est le maître d'œuvre et une musique signée Bernard Hermann, donnent à ce film fort, âpre et trouble un maximum d'intensité. Dire que Fahrenheit 451 a gardé toute sa splendeur est plus qu'une évidence.

La louange d'une spectatrice :
Truffaut, l'homme-film, nous livre ce que le commun des mortels appelle un chef d'oeuvre. Truffaut rend un hommage explicite à la littérature, mais le plus bel hommage qu'il peut lui rendre est bien celui de l'adapter à merveille. Dans un monde où les mots sont criminels, Truffaut prend le parti pris de nous enivrer d'images.../... Le film n'a pas vieilli ; néanmoins, le monde, oui, et la société dans laquelle nous vivons n'est peut-être pas si éloignée de celle décrite... La vision d'un hymne à la résistance intellectuelle puissant.

Extrait du livre :
Une demi-heure plus tard, transi, alors qu'il suivait prudemment les rails, pleinement conscient de la totalité de son corps, le visage, la bouche, les yeux saturés d'obscurité, les oreilles de sons, les jambes irritées par la bardane et les chardons, il aperçut un feu droit devant lui.
Le feu disparut, puis redevint visible, à la façon d'un clin d'œil. Il s'arrêta, craignant de l'éteindre par son seul souffle. Mais il était bien là et il s'en approcha précautionneusement, d'aussi loin qu'il le voyait. Il lui fallut un bon quart d'heure pour se retrouver vraiment à proximité des flammes, et il resta là à les observer depuis le couvert. Ce frémissement, la conjugaison du blanc et du rouge... c'était un feu étrange parce qu'il prenait pour lui une signification différente.
Il ne brûlait pas ; il réchauffait 1
Il vit des mains tendues vers sa chaleur, des mains sans bras, cachés qu'ils étaient dans l'obscurité. Au-dessus des mains, des visages immobiles qu'animait seulement la lueur dansante des flammes. Il ignorait que le feu pouvait présenter cet aspect. Il n'avait jamais songé qu'il pouvait tout aussi bien donner que prendre. Même son odeur était différente.
Combien de temps resta-t-il ainsi, mystère, mais il y avait quelque chose d'à la fois absurde et délicieux dans l'impression d'être un animal surgi de la forêt, attiré par le feu. Il était une créature des taillis, faite d'yeux liquides, de pelage, d'un museau et de sabots, une créature toute de corne et de sang qui sentirait l'automne si on en arrosait le sol. Il resta longtemps sans bouger, à écouter le chaud pétillement du feu.
Un grand silence se pressait autour de ce feu, un silence qui se lisait sur le visage des hommes, et avec lui le temps, le temps de s'asseoir près de ces rails rouillés sous les arbres, de contempler le monde, de le tourner et de le retourner du regard, comme s'il était tout entier contenu dans le feu, telle une pièce d'acier que ces hommes se seraient tous employés à façonner. Ce n'était pas seulement le feu qui était différent C'était le silence Montag s'avança vers ce silence particulier qui s'intéressait à la totalité du monde.
Alors les voix devinrent perceptibles. Il ne saisissait rien de ce qu'elles disaient, mais leurs inflexions étaient douces tandis qu'elles tournaient et retournaient le monde pour l'examiner ; ces voix connaissaient la terre, les arbres et la ville qui s'étendait au bout des rails en bordure du fleuve. Elles parlaient de tout, rien ne leur était étranger ; il le savait à leur intonation, leur cadence, à la curiosité et l'émerveillement dont elles vibraient continuellement.
Un des hommes leva les yeux, le vit pour la première ou peut-être la septième fois, et une voix lui lança : « Allez, vous pouvez vous montrer maintenant ! » Montag réintégra les ombres.
« Tout va bien, reprit la voix. Vous êtes le bienvenu. »
Montag s'approcha lentement du feu et des cinq hommes âgés assis là, vêtus de pantalons et de blousons de toile bleu foncé ou de complets dans le même ton. Il ne savait pas quoi leur dire
« Asseyez-vous, dit l'homme qui semblait être le chef du petit groupe. Un peu de café ? »
Il regarda le liquide noir et fumant couler dans une tasse en fer-blanc rétractable qui lui fut immédiatement tendue. Il se mit à boire à petites gorgées prudentes et sentit qu'on le regardait avec curiosité. Il se brûlait les lèvres, mais c'était un délice. Les visages qui l'entouraient étaient barbus, mais ces barbes étaient propres, bien taillées, et les mains impeccables. Ils s'étaient levés comme pour accueillir un hôte, et voilà qu'ils se rasseyaient. Montag sirota son café. « Merci, dit-il. Merci beaucoup.
- Vous êtes le bienvenu, Montag. Je m'appelle Granger. » Il lui tendit une petite bouteille de liquide incolore. « Buvez ça aussi. Ça va changer l'indice chimique de votre transpiration. Dans une demi-heure, vous aurez l'odeur de deux autres personnes. Avec le Limier à vos trousses, le mieux est de faire cul sec. »
Montag absorba le liquide amer.
« Vous allez puer comme un lynx, mais c'est très bien ainsi, poursuivit Granger.
- Vous connaissez mon nom », observa Montag.
Granger désigna de la tête un poste de télé à piles posé près du feu.
« On a assisté à la chasse. On pensait que vous finiriez par suivre le fleuve côté sud. Quand on vous a entendu vous enfoncer dans la forêt comme un élan qui aurait trop bu, on ne s'est pas cachés comme on le fait d'habitude. On a pensé que vous étiez dans le fleuve, quand les hélicoptères-caméras ont obliqué vers la ville. Il y a là quelque chose de bizarre. La chasse continue. Mais du côté opposé.
- Du côté opposé ?
- Jetons un coup d'oeil. »
Granger mit l'appareil en marche. L'image était un cauchemar en miniature qui passa de main en main au milieu de la forêt, un vrombissement de couleurs et de mouvements. Une voix cria : « La chasse continue au nord de la ville ! Les hélicoptères de la police convergent sur l'avenue 87 et Elm Grove Park ! »
Granger hocha la tête. « C'est de la poudre aux yeux. Vous les avez semés au bord du fleuve. Ils n'arrivent pas à l'admettre. Ils savent qu'ils ne peuvent pas tenir le public en haleine plus longtemps. Le spectacle doit courir vers sa conclusion ! S'ils se mettaient à passer ce maudit fleuve au peigne fin, ça risquerait de prendre toute la nuit. Alors ils essaient de dénicher un bouc émissaire pour finir en beauté. Regardez. Ils vont attraper Montag dans cinq minutes !
- Mais comment...
- Regardez. »
La caméra à l'affût dans le ventre d'un hélicoptère plongeait maintenant sur une rue déserte.
« Vous voyez ? murmura Granger. Ce sera vous ; juste au bout de cette rue se trouve notre victime. Vous voyez comment la caméra procède ? Elle plante le décor. Suspense. Plan d'ensemble. En ce moment, un pauvre diable est en train de faire un petit tour à pied. Une rareté. Un original. N'allez pas croire que la police n'est pas au courant des habitudes de ces drôles d'oiseaux, ces types qui se promènent le matin, comme ça, pour rien, ou parce qu'ils souffrent d'insomnie. En tout cas, il figure dans les fichiers de la police depuis des mois, des années. On ne sait jamais quand ce genre d'information peut se révéler utile. Et aujourd'hui, c'est le cas, elle tombe à pic. Ça permet de sauver la face. Oh, mon Dieu, regardez ! »
Les hommes assis auprès du feu se penchèrent en avant.
Sur l'écran, un homme apparut au coin d'une rue. Le Limier robot s'élança dans le viseur. Les projecteurs de l'hélicoptère crachèrent une douzaine de colonnes lumineuses qui formèrent une cage tout autour de l'homme. Une voix cria : « Voilà Montag ! Les recherches sont terminées ! »
L'innocent s'immobilisa, ahuri, une cigarette allumée à la main. Il fixa de grands yeux sur le Limier, sans savoir ce que c'était. Il ne le sut vraisemblablement à aucun moment. Il leva les yeux vers le ciel et le hurlement des sirènes. Les caméras piquèrent. Le Limier bondit avec une synchronisation et un sens du tempo d'une incroyable beauté. Son aiguillon jaillit. Il resta un instant suspendu dans le vide, comme pour permettre à la foule des téléspectateurs d'apprécier le moindre détail, le regard éperdu de la victime, la rue vide, l'animal d'acier pareil à une balle flairant sa cible.
« Pas un geste, Montag ! » lança une voix venue du ciel.
La caméra s'abattit sur la victime en même temps que le Limier. Tous deux l'atteignirent simultanément. La victime fut saisie par le Limier et la caméra dans un énorme étau de pattes grêles. Et l'homme de hurler. Et de hurler. Et de hurler !
Fondu au noir.
Silence.
Ténèbres.
Montag laissa échapper un cri et se détourna.
Silence.
Puis, alors que les hommes, le visage dépourvu d'expression, demeuraient assis autour du feu, un présentateur annonça sur l'écran noir : « Les recherches sont terminées, Montag est mort ; un crime contre la société vient d'être vengé. »
Nuit noire.
« Nous allons maintenant vous emmener sous la coupole de l'Hôtel Lux pour une demi-heure de Juste avant l'aube, une émission de... »
Granger éteignit l'appareil.
« Ils n'ont pas montré nettement son visage. Vous avez remarqué ? Même vos meilleurs amis ne pourraient affirmer que c'était vous. Ils ont brouillé l'image juste ce qu'il faut pour laisser l'imagination prendre le relais. Nom de Dieu, dit-il tout bas. Nom de Dieu. »
Sans rien dire, Montag se retourna et s'assit, les yeux fixés sur l'écran vide, tremblant de tous ses membres.
Granger lui posa une main sur le bras. « Bienvenue à l'homme revenu d'entre les morts. » Montag hocha la tête. Granger poursuivit : « Autant faire connaissance à présent. Voici Fred Clement, ancien titulaire de la chaire Thomas Hardy à Cambridge avant que cette université ne devienne une école d'ingénieurs atomistes. Là, vous avez le docteur Simmons, de l'U.C.L.A., spécialiste d'Ortega y Gasset ; là, le professeur West, à qui l'on doit des travaux non négligeables dans le domaine de la morale, une discipline devenue bien archaïque, pour le compte de l'université de Columbia ; là, le révérend Padover, qui a donné quelques conférences il y a une trentaine d'années et a perdu ses ouailles de dimanche en dimanche en raison de ses opinions. Ça fait maintenant un certain temps qu'il traîne avec nous. Moi-même enfin . j'ai écrit un livre intitulé Les Doigts dans le gant, du bon rapport entre l'individu et la société, et voilà où j'en suis ! Bienvenue, Montag !
- Je ne suis pas de votre monde, finit par dire lentement Montag. Je n'ai jamais été qu'un imbécile.
- Nous avons l'habitude. Nous avons tous commis le genre d'erreur qui ne pardonne pas, sinon nous ne serions pas là. Quand nous étions isolés, nous n'avions que la colère. J'ai frappé un pompier venu brûler ma bibliothèque il y a des années. Depuis, je suis en cavale. Vous voulez vous joindre à nous, Montag ?
- Oui.
- Qu'avez-vous à offrir ?
- Rien. Je pensais avoir une partie du livre de l'Ecclésiaste et peut-être un peu de l'Apocalypse, mais j'ai tout perdu.
- Le livre de l'Ecclésiaste serait parfait. Où était-il
- Ici, fit Montag en se touchant le front.
- Ah. » Granger sourit et hocha la tête.
« Qu'est-ce qui ne va pas ? Ce n'est pas bien ? s'inquiéta Montag.
- Au contraire ; tout va pour le mieux ! » Granger se tourna vers le révérend. « Avons-nous un livre de l'Ecclésiaste ?
- Un seul. Un dénommé Harris, de Youngstown.
- Montag. » La main de Granger se referma sur son épaule. « Faites attention où vous marchez. Veillez à votre santé. S'il devait arriver quoi que ce soit à Harris, vous êtes le livre de l'Ecclésiaste. Voyez quelle importance vous venez de prendre en un instant !
- Mais j'ai tout oublié !
- Non, rien n'est perdu à jamais. Nous avons les moyens de vous dégripper.
- Mais j'ai essayé de me souvenir !
- N'essayez pas. Ça vous reviendra quand le besoin s'en fera sentir. On a tous une mémoire visuelle, mais on passe sa vie à apprendre à refouler ce qui s'y trouve. Simmons, ici présent, a travaillé vingt ans sur la question, et nous possédons à présent la méthode pour nous souvenir de tout ce qui a été lu une seule fois. Aimeriez-vous lire un jour La République de Platon, Montag ?
- Bien sûr !
- Je suis La République de Platon. Ça vous plairait de lire Marc Aurèle ? M. Simmons est Marc Aurèle. - Enchanté, dit M. Simmons.
- Salut, répondit Montag.
- Je tiens à vous présenter Jonathan Swift, l'auteur de cet ouvrage politique si néfaste, Les Voyages de Gulliver ! Et cet autre est Charles Darwin, et celui-ci Schopenhauer, et celui-ci Einstein, et celui-ci, juste à côté de moi, est Albert Schweitzer, un fort aimable philosophe, ma foi. Nous sommes tous là, Montag. Aristophane, le mahatma Gandhi, Gautama Bouddha, Confucius, Thomas Love Peacock, Thomas Jefferson et M. Lincoln, s'il vous plaît. Nous sommes aussi Matthieu, Marc, Lue et Jean. »
Et tout le monde de rire en sourdine. « Ça ne se peut pas, dit Montag.
- Mais si, répliqua Granger en souriant. Nous aussi, nous sommes des brûleurs de livres. Nous lisons les livres et les brûlons, de peur qu'on les découvre. Les micro films n'étaient pas rentables ; nous n'arrêtions pas de nous déplacer, pas question d'enterrer les films pour revenir les chercher plus tard. Toujours le risque qu'on ne tombe dessus. Le mieux est de tout garder dans nos petites têtes, où personne ne peut voir ni soupçonner ce qui s'y trouve. Nous sommes tous des morceaux d'histoire, de littérature et de droit international ; Byron, Tom Paine, Machiavel ou le Christ, tout est là. Et il se fait tard. Et la guerre a commencé. Et nous sommes ici, et la cité là-bas, emmitouflée dans son manteau d'un millier de couleurs. Qu'en pensez-vous, Montag ?
- Je pense que j'étais aveugle d'essayer d'agir à mon idée, de cacher des livres chez les pompiers et de donner l'alarme.
- Vous avez fait ce que vous estimiez devoir faire. À l'échelle nationale, ça aurait pu marcher magnifiquement. Mais notre méthode est plus simple et, à notre avis, plus efficace. Notre seul désir est de préserver le savoir dont, selon nous, nous aurons besoin. Pour l'instant, nous ne cherchons pas à exhorter ni à provoquer la colère. Car si nous sommes éliminés, c'est la mort du savoir, peut-être à jamais. Nous sommes des citoyens modèles, à notre façon ; nous suivons les anciens rails, nous passons la nuit dans les collines, et les gens de la ville nous laissent en paix. Il nous arrive d'être arrêtés et fouillés, mais nous n'avons rien sur nous qui puisse nous incriminer. Notre organisation est souple, très vague, et fragmentaire Certains d'entre nous ont eu recours à la chirurgie esthétique pour se faire modifier le visage et les empreintes digitales. Pour le moment, nous avons du sale boulot sur les bras ; nous attendons que la guerre éclate, et qu'elle finisse tout aussi vite. Ça n'a rien d'agréable mais nous ne sommes pas aux commandes, nous constituons la petite minorité qui crie dans le désert. Quand la guerre sera finie, peut-être serons-nous de quelque utilité en ce monde.
- Vous croyez vraiment qu'on vous écoutera ?
- Dans le cas contraire, il ne nous restera plus qu'à attendre. Nous transmettrons les livres à nos enfants, oralement, et les laisserons rendre à leur tour ce service aux autres. Beaucoup de choses seront perdues, naturellement. Mais on ne peut pas forcer les gens à écouter. Il faut qu'ils changent d'avis à leur heure, quand ils se demanderont ce qui s'est passé et pourquoi le monde a explosé sous leurs pieds. Ça ne peut pas durer éternellement.
- Combien êtes-vous en tout ?
- Des milliers sur les routes, les voies ferrées désaffectées, à l'heure où je vous parle, clochards au-dehors, bibliothèques au-dedans. Rien n'a été prémédité. Chacun avait un livre dont il voulait se souvenir, et y a réussi Puis, durant une période d'une vingtaine d'années, nous nous sommes rencontrés au cours de nos pérégrinations, nous avons constitué notre vague réseau et élaboré un plan. La seule chose vraiment importante qu'il nous a fallu nous enfoncer dans le crâne, c'est que nous n'avions aucune importance, que nous ne devions pas être pédants ; pas question de se croire supérieur à qui que ce soit. Nous ne sommes que des couvre-livres, rien d'autre Certains d'entre nous habitent des petites villes. Le chapitre I du Walden de Thoreau vit à Green River, le chapitre II à Willow Farm, dans le Maine. Tenez, il y a un patelin dans le Maryland, seulement vingt-sept habitants, aucune bombe n'y tombera jamais, qui constituent les essais complets d'un certain Bertrand Russell. Prenez cette bourgade, à peu de chose près, et tournez les pages, tant de pages par habitant. Et quand la guerre sera finie, un jour, une année viendra où l'on pourra récrire les livres ; les gens seront convoqués, un par un, pour réciter ce qu'ils savent, et on composera tout ça pour le faire imprimer, jusqu'à ce que survienne un nouvel âge des ténèbres qui nous obligera peut-être à tout reprendre à zéro. Mais c'est ce que l'homme a de merveilleux ; il ne se laisse jamais gagner par le découragement ou le dégoût au point de renoncer à se remettre au travail, car il sait très bien que c'est important et que ça en vaut vraiment la peine.

Les internautes en parlent :
Commentaire de : valentin de majipoor de Strasbourg -
Dans une société où l'autodafé des livres est érigé en dogme - 451 °F (233 °C) étant la température de combustion du papier -, où l'asocialité se mesure à l'aune de l'intelligence et de la culture, quelques individus se transforment en mémoire universelle. Un beau thème pour une œuvre comparable à 1984.Un livre, à mon avis, très supérieur aux « Chroniques martiennes ».Un chef d'oeuvre de la littérature, tous styles confondus8 janvier 2003

FAHREINHEIT est un film visuel ; tout est dit en silence, nos yeux s'habituent à lire les plans savamment élaborés, à trembler à chaque rouge allitération. Le film est tout sauf austère, bien qu'il expose un monde qui le soit : ses couleurs ROUGE!), et un humour noir omniprésent (il suffit de considérer les livres en train de se consumer..., portés par un montage type nouvelle-vague tiennent en haleine le spectateur.
Il y a d'ailleurs quelque chose de très hitchockien dans le seul film anglais de Truffaut, et cela ne tient pas l'emploi de cette langue qui ne lui était pas familière, mais plutôt de l'évolution de chaque personnage, de la présence du double, et de cette tension latente dans "le meilleur des mondes". L'excellente prestation des acteurs, une retenue profonde d'Oskar Werner et Julie Christie, s'intensifie avec les crescendo de Bernard Hermann. Truffaut maîtrise parfaitement le genre "film d'anticipation", on retrouve tout ce qui fait la force des bouquins du genre (1984 avec le téléscreen...), mais la touche personnelle de son auteur subsiste pour en faire quelque chose d'absolument novateur, et de terriblement intemporel.

Commentaire de : Lise -
Dans une société futuriste, les pompiers ont pour rôle de brûler les livres jugés subversifs, les gens se côtoient sans se connaître, regardant la "famille" sur les 4 murs du salon...Ray Bradbury nous lance ici, dans le portrait d'une civilisation en décadence, un avertissement puissant. En effet, au contraire de nombreux romans d'anticipation, ici, c'est la société qui refuse de lire, de s'informer, de réfléchir, d'observer et de s'interesser au monde,... bref qui s'opprime elle-même. Cette société pourrait être la notre, et c'est aussi pourquoi ce roman nous touche autant, que l'on soit amateur de SF ou non.

Commentaire de wagoo :
La magie de découvrir - Il n'y a que très peu de livres au XXe siècle qui font, avec une grande intelligence, une projection sur un futur possible : 1984 (George Orwell), Le meilleur des mondes (Aldous Huxley) et Fahrenheit 451. On peut éventuellement y ajouter La guerre éternelle (Joe Haldeman) mais, déjà, on perd ce qui fait des trois premiers des livres inoubliables. La noirceur pour le premier, l'humour pour le second et la poésie pour le dernier. La guerre éternelle est politique et réaliste, en plus d'être bien écrit (contrairement aux insupportables Chants de la terre lointaine, d'Arthur C. Clarke). Il lui manque cependant le supplément d'âme des autres.
Fahrenheit 451, c'est l'histoire d'un réveil après un très long sommeil. On ne saura pas quand il a commencé. En effet, tout est vu à travers le regard de Guy Montag, celui qui sort de sa léthargie culturelle, ce qui réduit la description du monde où il vit à ce qu'il en sait ou en apprend. Pour ce faire, Ray Bradbury a choisi une narration linéaire, depuis le déclic produit par la courte apparition du merveilleux personnage de Clarisse, " 17 ans ", " folle " et surtout faussement ingénue, jusqu'à la fuite, en direct, de la ville monstrueuse. Et on en apprend bien assez sur la décadence molle qui a saisi cette partie de la planète.
Montag est pompier : il brûle les livres. Il le fait parce que c'est bon pour la société. Tout le monde, jusqu'à son chef, le lui répète. Mais Montag ne peut pas s'en empêcher : il emporte des livres. Peut-être même ira-t-il jusqu'à les lire ? Il deviendrait alors un individu, un paria. Un homme seul contre tous. Vraiment contre tous.
Au fil des pages, on voit se dessiner ce qu'est en train de devenir le monde, pour peu qu'on ait un regard un tantinet pessimiste : l'illusion a tout envahi, l'information a été totalement remplacée par le divertissement. On ne sait même pas de quelle nature est le régime politique. C'est, en tout cas, une dictature de la masse, dont le seul ordre est d'être laissée en paix, à l'écart des turpitudes de la vie et de la politique.
Certaines des vues de Bradbury ont trouvé leur application aujourd'hui : il imaginait des panneaux publicitaires d'une longueur démesurée, à cause de la vitesse des véhicules. Jetez un œil dans le métro : les panneaux publicitaires ne sont pas plus longs mais multipliés par trois ou quatre, de façon à pouvoir être lus sans que le passant s'arrête. La télévision envahit les murs jusqu'à posséder une pièce entière. On y arrive, en ce moment. La famille disparaît et on connaît mieux les amours des personnages de téléfilms que le prénom de ses petits-enfants…
A tout cela, Montag veut échapper. On le suit dans ses doutes, dans ses maladresses, dans son humanité. Il va découvrir, comme il le pressentait, qu'il est important, au sens humaniste du terme. L'une des excellentes trouvailles de Fahrenheit 451, c'est le limier-robot, une sorte de compromis électronique entre le chien et l'araignée. C'est la matérialisation de la terreur qui comprime les esprits de la ville sans nom, où tout le monde ignore tout le monde, de crainte d'être pris en flagrant délit d'intelligence.
Ce livre très agréablement écrit peut se relire à n'importe quel moment de la vie : sa beauté formelle (et la simplicité qui va avec) reste époustouflante et sa clairvoyance fera toujours peur. Il peut nous aider à nous réveiller à tout âge. C'est ce qui en fait une œuvre qu'il ne faudra jamais brûler dans nos esprits.

Petite remarque perso :

Ce livre a sa place dans toutes les bibliothèques, au-delà des genres et du temps. Un incontournable quand on aime les livres et la lecture. Et en cadeau, un vrai bonheur de lire ces pages.

Ven 1ier Octobre-"Gloria"

2010-09-27T10:27:00.000+02:00

Thriller réalisé par John Cassavetes (1980)
Avec Gena Rowlands,
Lion d’or à Venise

Durée 2h

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En amont de la semaine des droits de l'enfant sur le thème de l'adoption, et des rapports adultes enfants.

Résumé :
Gloria ancienne callgirl protège un jeune garçon que son père, traqué par la mafia, lui confie. D'abord réticente, elle fera tout pour sauver l'enfant pourchassé.

Critique :
Gena Rowlands est une grandiose héroïne de film noir. La mise en scène est nerveuse, avec un fabuleux règlement de comptes à l'arme à feu en plein New York, mais ce sont les personnages qui priment, comme toujours chez le cinéaste.
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vendredi 24 sept. Mon-Oncle

2010-09-21T14:00:00.002+02:00

Mon oncle

Réalisé par Jacques Tati

1958
couleur

durée 1h50

Avec Jacques Tati
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Résumé :

Dans un quartier moderne où tout est très (trop) bien agencé habitent M. Arpel, son épouse et leur fils Gérard, que cette vie sans saveur ennuie.L'intrusion dans la famille de M. Hulot, le frère de Madame, personnage rêveur et plein de fantaisie, sème le trouble dans cet univers aseptisé, d'autant plus qu'il devient rapidement le meilleur ami de Gérard... Regarder l'univers adulte avec des yeux d'enfants.

Commentaires centre culturel Les Grignoux :

http://www.grignoux.be/dossiers/034/

Analyse sonore du film :

http://www.grignoux.be/dossiers/034/index2.php

Vendredi 17 septembre 13h 30

2010-09-15T12:46:00.028+02:00

Nos images orales, écrites, ou visuelles,

quelles différences ?

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Balzac et la petite tailleuse chinoise

Réalisé par Dai Sijie (2001)

Comédie dramatique 2h

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. Projection et débat en amont de la manifestation "Passage(s) de livres" (organisée par la ville de Nantes et le Ccas, le 15 Octobre au CIS rue des Amandines,)

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Le réalisateur de "Balzac et la petite tailleuse" est aussi l'écrivain du roman dont il tiré cette adaptation cinématographique. C'est pour nous l'occasion de débattre sur les images du livre et les image du film. Quelle différence ?

Cette thématique nous tient à coeur qui lie (lire c'est aussi relier) les différents types d'images que nous nous formons par les mots écrits, ou oraux, en les confrontant avec celles qui nous affectent par les films.

Nous étions déjà intervenu dans le cadre de la manifestation : "un livre un film" de la médiathèque Jacques Demy de Nantes, sur "La Parure" de Maupassant adaptée par Claude
Chabrol.

Pour appronfondir ce thème et ce débat Michèle Robert, présidente de "La Sagesse de l'image" propose deux créations de contes:

- Le vendredi 15 octobre à 17h au CIS rue des amandine quartier Bottière, Michèle Robert présentera un conte oral. Dans un trajet inverse ce conte est l'adaptation écrite d'une partie du film de Akira Kurosawa "Dreams" ("Rêves").

En soirée les semaines suivantes Michèle Robert dira cette fois un conte tirée d''une nouvelle de l'écrivain japonais Kenji Miyazawa : "Les ours de la montagne Nametoko".

Résumé du film "Balzac et la petite tailleuse chinoise":
Dans la Chine maoïste des années soixante-dix, en pleine révolution culturelle, deux lycéens, amis d'enfance et fils de médecins, sont arrachés à leurs familles respectives et envoyés dans un camp de rééducation dans les montagnes. En se rendant dans le village voisin, les deux garçons font la rencontre d'une jeune couturière inculte. Luo ne va pas tarder à en tomber éperdument amoureux.

A Cannes
Le film a été sélectionné dans la section Un Certain regard au Festival de Cannes 2002.

Adapté de son propre roman
Dai Sije a adapté à l'écran son roman Balzac et la petite tailleuse chinoise qui a connu un succès considérable en France et à l'étranger.

Une oeuvre semi-autobiographique
Dai Sijie s'est inspiré de sa propre histoire pour écrire son roman. Comme les jeunes héros de Balzac et la petite tailleuse chinoise, il était fils de médecin et a été envoyé en rééducation dans le Sichuan entre 1971 et 1974. Il a également volé une valise pleine de livres et fait la lecture de romans à une jeune fille inculte.

Un gouvernement chinois hostile au film
Le sujet de ce film portant en partie sur la révolution culturelle, le gouvernement chinois a hésité avant de donner une autorisation de tournage. D'autant plus que dans l'histoire c'est un écrivain étranger qui change la vie d'une Chinoise et que le chef de village fait preuve d'un anti-communisme primaire. Grâce au soutien d'intellectuels chinois et après quelques modifications mineures, la censure a finalement accepté le scénario.

Un quatrième long métrage
C'est le quatrième film de Dai Sijie après Chine, ma douleur, Le Mangeur de lune et Tang le Onzieme.

De jeunes et célèbres acteurs chinois
Les jeunes acteurs qui interprètent les trois rôles principaux du film sont très connus en Chine. Kun Chen, qui joue Luo, est adulé par les adolescents chinois alors qu'il n'a tourné qu'un long métrage: Hymne national. Liu Ye, qui interprète Ma, est une vedette de la télévision où il a participé à deux séries. Quant à Zhou Xun, elle a déjà été vue en Occident grâce à Beijing Bicycle et Suzhou River.
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vendredi 12 sept 13H30 Sleepy-Hollow

2010-09-12T11:26:00.002+02:00

Sleepy Hollow, la légende du cavalier sans tête

Réalisé par Tim Burton (1999)

Avec Johnny Depp, Christina Ricci, Christopher Walken

Fantastique , Epouvante-horreur , Thriller

Durée : 01h45min

Résumé

En 1799, dans une bourgade de La Nouvelle-Angleterre, plusieurs cadavres sont successivement retrouves décapitées. Les têtes ont disparu. Terrifies, les habitants sont persuades que ces meurtres sont commis par un étrange et furieux cavalier, dont la rumeur prétend qu'il est lui-même sans tête. Les autorités new-yorkaises envoient alors leur plus fin limier pour éclaircir ce mystère. Ichabod Crane ne croit ni aux légendes, ni aux vengeances post-mortem. Mais, a peine arrive, il succombe au charme étrange et vénéneux de la belle Katrina Van Tassel.

Sous les pavés la plage

2010-07-06T13:03:00.006+02:00

LES VACANCES DU CINE-CLUB
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Il fait beau.
Une bonne opportunité de nous reconnecter avec l'univers,

et avec ses images,
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donc petit arrêt du ciné-club....

pendant l'été

Reprise du ciné-club en septembre

La physiologie de l'effort

2010-07-01T17:45:00.000+02:00

festival international des film des droits de l'homme

"La physiologie de l'effort'

Réalisé par Amélie Labourdette et Benjamin Baudet
Durée : 1h 05 2009
Production Zarlab

En présence des réalisateurs et de la Cimade